Concepto De Arte Y De Artes Visuales

Concepto De Arte Y De Artes Visuales

Artes plásticas

La artes visuales se formas de arte que crean obras que son principalmente visuales en la naturaleza, tales como cerámica, dibujo, pintura, escultura, grabado, El diseño, la artesanía, a menudo y las artes visuales modernas (fotografía, video, Y cine) Y arquitectura. Estas definiciones no debe ser tomado demasiado estrictamente como muchas disciplinas artísticas (artes del espectáculo, el arte conceptual, arte textil) Se refieren a aspectos de las artes visuales, así como las artes de otros tipos. También se incluyen dentro de las artes visuales[1] son los artes aplicadas[2] tales como diseño industrial, diseño gráfico, diseño de moda, diseño de interiores y arte decorativo.[3]

Como se indicó anteriormente, el uso actual del término “artes visuales” incluye obras de arte así como la aplicada, artes decorativas y artesanías, Pero esto no siempre fue así. Antes de la Movimiento Arts and Crafts en Gran Bretaña y en otros lugares a finales del siglo 20, el artista plazo se limitó a menudo a una persona que trabaja en las bellas artes (por ejemplo, pintura, esculturaO grabado) Y no artesanía, embarcaciones, Ni aplicado los medios de comunicación del arte. La distinción fue destacada por los artistas de la Movimiento Arts and Crafts que valoraba las formas vernáculas de arte tanto como las formas de alta.[4] Escuelas de arte hizo una distinción entre las bellas artes y la artesanías sosteniendo que un artesano no podía ser considerado un profesional del arte.

La creciente tendencia a la pintura privilegio, y una escultura en menor medida, por encima de otras artes ha sido una característica de el arte occidental , así como Asia oriental arte. En ambas regiones la pintura se ha considerado que confía en el grado más alto en la imaginación del artista, y lo más alejadas posible de la mano de obra - en pintura china los estilos más valorados fueron los de “académico-pintura”, al menos en teoría practicado por aficionados caballero. El Occidental jerarquía de los géneros refleja actitudes similares.

Educación y formación

La formación en las artes visuales en general ha sido a través de las variaciones de la aprendiz y el taller del sistema. En Europa, la Renacimiento movimiento para aumentar el prestigio del artista llevó a la academia sistema para la formación de artistas, y hoy en día la mayoría de tren en escuelas de arte a un nivel superior. Las artes visuales se han convertido en una asignatura optativa en la mayoría de los sistemas de educación. (Véase también la educación artística.)

Dibujo

Dibujo es un medio de hacer una imagen, Usando cualquiera de una amplia variedad de herramientas y técnicas. Por lo general, implica la realización de marcas en una superficie mediante la aplicación de la presión de una herramienta, o mover una herramienta a través de una superficie seca usando los medios de comunicación tales como grafito lápices, pluma y tinta, entintado cepillos, Cera lápices de colores, lápices de colores, carboncillos, pasteles, Y marcadores. Las herramientas digitales que simulan los efectos de que se siguen utilizando. Las principales técnicas utilizadas en la elaboración son: dibujo lineal, incubar, Cruce de líneas, para incubar al azar, garabatos, punteadoY mezcla. Un artista que destaca en el dibujo que se conoce como un ponente o ponente de opinión “.

Principios de la historia

Dibujo se remonta por lo menos 16.000 años Paleolítico las representaciones rupestres de animales como las Lascaux en Francia y Altamira en España. En el antiguo Egipto, Dibujos de tinta sobre papiro, La gente que representa, se utilizaron como modelos para la pintura o la escultura. Dibujos en vasos griegos, Geométricas inicialmente, más tarde se convirtió a la forma humana con negro de la figura de cerámica durante el siglo séptimo antes de Cristo.

Renacimiento

Con el papel cada vez más común en Europa en el siglo 15, el dibujo ha sido aprobado por maestros como Sandro Botticelli, Raphael, Miguel Ángel, Y Leonardo da Vinci que a veces tratan de dibujo como un arte por derecho propio en lugar de una fase preparatoria para la pintura o la escultura.

Pintura

Pintura tomado literalmente es la práctica de la aplicación pigmento suspendidas en un soporte (o medio) Y un agente de enlace (un pegamento) A una superficie (De apoyo) como de papel, lienzo o una pared. Sin embargo, cuando se utiliza en un sentido artístico que significa el uso de esta actividad en combinación con dibujo, composición y otras consideraciones estéticas con el fin de manifestar la intención expresiva y conceptual del practicante. La pintura es también utilizado para expresar los motivos espirituales y las ideas; sitios de este tipo de pintura gama de obras de arte que representan figuras mitológicas en la cerámica de La Capilla Sixtina el propio cuerpo humano.

Orígenes e historia temprana

Como el dibujo, la pintura tiene su origen en las cuevas y en las paredes rocosas. Los mejores ejemplos, algunos creen que de 32.000 años de antigüedad, están en el Chauvet y Lascaux cuevas en el sur de Francia. En tonos de rojo, marrón, amarillo y negro, las pinturas en las paredes y los techos son de bisontes, vacas, caballos y ciervos. Raphael: Transfiguración (1520)

Las pinturas de figuras humanas se pueden encontrar en las tumbas del antiguo Egipto. En el gran templo de Ramsés II, Nefertari, Su reina, se representa dirigido por Isis.[7] Los griegos contribuyeron al desarrollo de la pintura pero gran parte de su trabajo se ha perdido. Una de las mejores representaciones que queda es el mosaico de la Batalla de Issos que se encuentran en Pompeya que probablemente se basó en una pintura griega. el arte griego y romano contribuyó a el arte bizantino en el siglo cuarto antes de Cristo, que inició una tradición en la pintura de iconos.

El Renacimiento

Aparte de los manuscritos iluminados producido por los monjes durante la Media Edad, La próxima contribución significativa al arte europeo era de pintores italianos del renacimiento. Desde Giotto en el siglo 13 al Leonardo da Vinci y Raphael a principios del siglo 16, este fue el periodo más rico en el arte italiano como el claroscuro técnica se utilizó para crear la ilusión del espacio 3-D.[8] Rembrandt: La ronda de noche

Pintores en el norte de Europa también se vieron influidos por la escuela italiana. Jan van Eyck de Bélgica, Pieter Bruegel el Viejo de los Países Bajos y Hans Holbein el Joven de Alemania se encuentran entre los pintores de más éxito del momento. Utilizaron el técnica de acristalamiento con aceites para lograr la profundidad y la luminosidad. Claude Monet: Déjeuner sur l’herbe (1866)

maestros holandeses

El siglo 17 vio el surgimiento de los grandes maestros holandeses como el versátil Rembrandt que es especialmente recordado por sus retratos y escenas de la Biblia, y Vermeer que se especializó en escenas interiores de la vida holandesa.

Impresionismo

Impresionismo se inició en Francia en el siglo 19 con una asociación libre de artistas como Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir y Paul Cézanne que trajo un nuevo estilo libremente cepillado a la pintura, a menudo eligen pintar escenas realistas de la vida moderna fuera de lugar que en el estudio. Alcanzaron una intensa vibración del color mediante el uso de colores puros, sin mezclar y movimientos cortos pincel.[9] Paul Gauguin: La visión después del sermón (1888) Edvard Munch: El grito (1893)

Post-impresionismo

Hacia el final del siglo 19, varios jóvenes pintores del impresionismo tuvo un paso más, usando las formas geométricas y el color natural para representar las emociones mientras se esfuerza para una mayor simbolismo. De particular interés son Paul Gauguin, Que fue fuertemente influenciado por el arte asiático, africano y japonés, Vincent van Gogh, Un holandés que se trasladó a Francia, donde se basó en la fuerte luz del sol del sur, y Toulouse-Lautrec, Recordado por sus vívidas pinturas de la vida nocturna en el distrito de París Montmartre.[10] [edición] El simbolismo, el expresionismo y el cubismo Artículo principal: Arte moderno

Edvard Munch, Un artista noruego, desarrolló su enfoque simbolista al final del siglo 19, inspirada por el impresionista francés Manet. El grito (1893), su obra más famosa, es ampliamente interpretado como la representación de la angustia universal del hombre moderno. En parte como resultado de la influencia de Munch, el alemán expresionista el movimiento se originó en Alemania a principios del siglo 20 como artistas como Ernst Kirschner y Erich Heckel comenzó a distorsionar la realidad de un efecto emocional. Al mismo tiempo, el estilo conocido como cubismo desarrollado en Francia como artistas se centró en el volumen y el espacio de las estructuras de fuerte dentro de una composición. Pablo Picasso y Georges Braque fueron los principales defensores del movimiento. Los objetos se rompen, analizar y volver a montarse en una forma abstracta. En la década de 1920, el estilo se había convertido en el surrealismo con Dalí y Magritte.[11]

Grabado

Grabado está creando para los propósitos artísticos de una imagen en una matriz que se transfiere a una de dos dimensiones (planas) la superficie por medio de tinta (o cualquier otra forma de pigmentación). Salvo en el caso de un monotipia, La misma matriz se puede utilizar para producir muchos ejemplos de la impresión. Históricamente, las técnicas más importantes (también llamados medios de comunicación) están involucrados xilografía, línea de grabado, aguafuerte, litografía, Y la serigrafía (serigrafía, serigrafía), pero hay muchos otros, incluyendo técnicas digitales modernas. Normalmente, la superficie sobre la cual está impresa la huella es de papel, Pero hay excepciones, a partir de tejido y vitela a los materiales modernos. Imprime en la tradición occidental producidos antes de 1830 se conocen como viejo maestro imprime. Hay otras tradiciones grabado importantes, especialmente la de Japón (ukiyo-e).

origen chino

En China, El arte del grabado desarrolló hace unos 1.100 años como ilustraciones junto al texto cortado en bloques de madera para la impresión en papel. En un principio las imágenes eran principalmente religiosos, pero en el Dinastía Song, Los artistas empezaron a cortar los paisajes. Durante el Ming (1368–1644) y Qing (1616–1911) dinastías, la técnica se perfeccionó tanto para grabados religiosos y artísticos.[12][13]

la historia de Europa

En Europa, desde alrededor de 1400 dC xilografía, Se utilizó para maestro de impresiones en papel mediante el uso de técnicas para la impresión sobre tela que se había desarrollado en los mundos bizantino e islámico. Michael Wolgemut mejora de grabado en madera alemán de cerca de 1475, y Erhard Reuwich, Un holandés, fue el primero en utilizar esgrafiado. Al final del siglo Alberto Durero trajo la xilografía occidental a un nivel que nunca ha sido superado, aumentando el estado de la xilografía de una hoja.[14]

Fotografía

Fotografía es el proceso de toma de imágenes por medio de la acción de la luz. Luz patrones reflejada o emitida por los objetos se registran en un medio sensible o un chip de almacenamiento a través de un tiempo la exposición. El proceso se realiza a través mecánica, químicos o digitales dispositivos conocidos como cámaras.

La palabra proviene de la palabras griegas φως phos (“Luz”), y γραφις Graphis (“Lápiz”, “pincel”) o γραφη graphe, Así que significa “dibujar con luz” o “la representación por medio de líneas” o “dibujo”. Tradicionalmente, el producto de la fotografía ha sido llamado un fotografía. El término foto es una abreviatura, muchas personas también los llaman imágenes. En fotografía digital, el término imagen ha comenzado a reemplazar fotografía. (El término imagen es tradicional en geométrica óptica.)

Cine

El cine es el proceso de hacer un movimiento de la imagen, desde una concepción inicial y la investigación, a través de escritura de guiones, rodaje y grabación, animación y otros efectos especiales, montaje, sonido y trabajar la música y la distribución por último a una audiencia, se refiere ampliamente a la creación de todo tipo de películas, documentales que abarca, las cepas del teatro y la literatura en el cine, y las prácticas poéticas o experimental, y se utiliza a menudo para referirse a los procesos basados en vídeo, también.

Equipo de arte

Los artistas visuales ya no se limitan a los medios tradicionales del arte. Las computadoras han sido utilizadas como una herramienta cada vez más comunes en el arte visual desde la década de 1960. Utilización de ordenadores en las artes visuales incluyen el la captura de o la creación de imágenes y formas, la edición de las imágenes y las formas (incluyendo la exploración de múltiples composiciones) Y luego la final prestación y / o impresión (Incluyendo impresión en 3D).

Equipo de arte es cualquier el arte en el que computadoras desempeñado un papel en la producción o exhibición de la obra de arte. Este arte puede ser una imagen, sonido, animación, video, CD-ROM, DVD, videojuegos, página web, algoritmo, rendimiento o la galería de la instalación. Muchas disciplinas tradicionales son la integración de digitales tecnologías y, en consecuencia, las líneas entre las obras tradicionales del arte y nuevos medios de comunicación las obras creadas usando las computadoras se han desdibujado. Por ejemplo, un artista puede combinar la tradicional pintura con arte algorítmico y técnicas digitales. Como resultado, la definición de arte de la computadora por su producto final lo que puede ser difícil. Sin embargo, este tipo de arte está comenzando a aparecer en piezas de museo de arte, aunque todavía tiene que demostrar su legitimidad como á la forma misma y de esta tecnología es ampliamente visto en el arte contemporáneo más como una herramienta más que una forma como con la pintura.

uso de la computadora ha desdibujado las distinciones entre ilustradores, fotógrafos, editores de fotografía, modeladores en 3-DY artistas de artesanía. prestación sofisticado y software de edición ha llevado a los desarrolladores de imagen de múltiples talentos. Fotógrafos puede llegar a ser artistas digitales. Ilustradores pueden llegar a ser animadores. Artesanía puede ser asistido por ordenador o el uso imágenes generadas por ordenador como una plantilla. Equipo clipart uso también ha hecho una clara distinción entre las artes visuales y diseño de la página menos evidente debido a la facilidad de acceso y edición de imágenes prediseñadas en el proceso de paginar un documento, sobre todo para el observador inexperto.

Escultura

A continuación se muestra una copia del resumen introductorio de la página Escultura

Escultura es tres dimensiones obras de arte creadas por la configuración o combinación de materiales duros - normalmente piedra - O mármol, Metal, vidrio o madera. Más suave (“plástico”) materiales también se pueden utilizar, por ejemplo arcilla, textiles, Plásticos, polímeros y los metales más blandos.

El término se ha extendido a las obras del sonido, de texto y la luz.

Objetos encontrados se pueden presentar como esculturas. Los materiales pueden ser trabajados por el retiro, tales como tallado, O pueden montarse como por soldadura , Endurecido como por disparoO moldeado o Reparto. Superficie de decoración, tales como pintura se puede aplicar.[15] La escultura ha sido descrito como uno de los artes plásticas ya que puede implicar el uso de materiales que se puede moldear o modulada.

La escultura es una importante forma de arte público. Una colección de escultura en un jardín ajuste puede ser contemplado como un Jardín de Esculturas.

Así, incluso la definición más restringida podría incluir Arquitectura, Cerámica, Collage, Arte conceptual, Dibujo, Arte en vidrio, Land Art, Industria del metal, Mosaico, Pintura, Papel de arte, El uso de plásticos dentro de la artes o como una forma de arte en sí, Grabado, Escultura, Arte Textil, Soldadura, Para trabajar la madera, Cine, Fotografía En Película, Los nuevos medios de arte.

Visual arts. (2011, February 21). In Wikipedia, The Free Encyclopedia. Retrieved 21:17, February 22, 2011, from http://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Visual_arts&oldid=415099728


Arte

Arte es el producto o el proceso de elementos deliberadamente la organización (a menudo con simbólica importancia) de una manera que influye y afecta a uno o más de los sentidos, emociones, Y intelecto. Abarca una amplia gama de actividades humanas, las creaciones, y los modos de expresión, incluyendo música, la literatura, película, fotografía, escultura, Y pinturas. El significado del arte se explora en una rama de la filosofía conocido como estética, E incluso disciplinas como la la historia y psicología analizar su relación con los seres humanos y de las generaciones.

Tradicionalmente, el término el arte se utilizó para referirse a cualquier habilidad o maestría. Esta concepción ha cambiado durante el Romántico período, cuando el arte llegó a ser visto como “una facultad especial de la mente humana para ser clasificados con la religión y la ciencia”.[1] En general, el arte se hace con la intención de estimular pensamientos y emociones.

Evaluación

Filósofo Richard Wollheim distingue tres enfoques para evaluar el valor estético del arte: la realista, Por el que la calidad estética es un valor absoluto independiente de cualquier punto de vista humano, la objetivista, Por lo que también es un valor absoluto, sino que depende de la experiencia humana en general, y la relativista posición, Por lo que no es un valor absoluto, sino que depende y varía en función de la experiencia humana de los seres humanos diferentes.[2] Un objeto puede ser caracterizado por las intenciones, o falta de ella, de su creador, independientemente de su propósito aparente. Una taza, que aparentemente se puede utilizar como un contenedor, puede ser considerado arte si se destinan exclusivamente como un adorno, mientras que una pintura puede ser considerado arte si en serie.

La naturaleza del arte ha sido descrito por Wollheim como “uno de los más esquivos de los problemas tradicionales de la cultura humana”.[3] Se ha definido como un vehículo para la expresión o comunicación de emociones e ideas, un medio para explorar y apreciar elementos formales por su propio bien, y como mimetismo o representación. León Tolstoi identificar el arte como una utilización de medios indirectos para comunicarse de una persona a otra.[4] Benedetto Croce y R.G. Collingwood avanzadas de la idealista opinión de que el arte expresa las emociones, y que la obra de arte, fundamentalmente, existe en la mente del creador.[5][6] La teoría del arte como forma tiene sus raíces en la filosofía de la Immanuel Kant, Y fue desarrollado a principios del siglo XX por Roger Fry y Clive Bell. El arte como mimetismo o representación tiene profundas raíces en la filosofía de la Aristóteles.[4] Más recientemente, los pensadores influidos por Martin Heidegger han interpretado el arte como el medio por el cual una comunidad se desarrolla por sí mismo un medio para la auto-expresión y de interpretación.

Definición

Britannica Online define el arte como “el uso de la habilidad y la imaginación en la creación de objetos estéticos, ambientes o experiencias que se pueden compartir con los demás.” Según esta definición de la palabra, las obras artísticas han existido desde hace casi tanto tiempo como la humanidad: Desde principios de el arte prehistórico a arte contemporáneoSin embargo, algunas teorías restringir el concepto a las sociedades occidentales modernas.[8] Adorno dijo en 1970: “Es ahora se da por sentado que nada de lo que se refiere a arte se puede dar por sentado nada más:. ni arte en sí mismo, ni el arte en relación con el todo, ni siquiera el derecho del arte de existir”[9] El primer sentido más amplio y de el arte es el que ha permanecido más cercano al significado más antiguo de América, que se podría traducir como “habilidad” o “artesanía”. Algunos ejemplos en este sentido resulta muy amplio incluyen artefacto, artificiales, artificio, médica artes, Y militares artes. Sin embargo, hay muchos otros usos coloquiales de la palabra, todos con alguna relación con su etimología.

El segundo sentido y más reciente de la palabra el arte es como una abreviatura de arte creativo o obras de arte. Obras de arte significa que una habilidad se utiliza para expresar la creatividad del artista, o la participación sensibilidad estética del público, o para señalar a la audiencia hacia la consideración de la más fino las cosas. A menudo, si la habilidad se utiliza de manera común o práctica, la gente considera un arte en lugar de arte. Del mismo modo, si la habilidad se está utilizando de una manera comercial o industrial, se considerará arte comercial en lugar de las bellas artes. Por otro lado, la artesanía y diseño a veces se consideran artes aplicadas. Algunos seguidores del arte han argumentado que la diferencia entre las bellas artes y artes aplicadas tiene más que ver con juicios de valor hechos sobre el arte que cualquier diferencia de definición clara.[10] Sin embargo, incluso obras de arte a menudo se tiene metas más allá de pura creatividad y la autoexpresión. El propósito de las obras de arte puede ser para comunicar ideas, como en el arte político, espiritual, filosófico o motivados, para crear un sentido de belleza (Véase el estética), Para explorar la naturaleza de la percepción, por placer, o para generar fuertes emociones. El objetivo también puede ser aparentemente inexistente.

El arte puede describir varias cosas: un estudio de la habilidad creativa, un proceso de utilización de la habilidad creativa, un producto de la habilidad creativa, o la experiencia de la audiencia con la habilidad creativa. Las artes creativas (el arte como disciplina) son un conjunto de disciplinas (artes) Que producen obras de arte (el arte como objetos) que se ven obligados por una unidad de personal (el arte como actividad) y el eco o reflejar un mensaje, el estado de ánimo, o el simbolismo para el espectador de interpretar (el arte como experiencia). Obras de arte puede ser definido por las interpretaciones a propósito, creadora de conceptos o ideas sin límites con el fin de comunicar algo a otra persona. Obras de arte pueden ser explícitamente para este fin o interpretarse en función de las imágenes u objetos. El arte es algo que estimula los pensamientos de un individuo, las emociones, creencias o ideas a través de los sentidos. Es también una expresión de una idea y puede tomar muchas formas diferentes y sirven para muchos propósitos diferentes. Aunque la aplicación de los conocimientos científicos para obtener una nueva teoría científica implica la habilidad y los resultados en la “creación” de algo nuevo, lo que representa la ciencia y no es la categoría de arte.

Historia

sculturas, pinturas rupestres, Pinturas rupestres, y petroglifos de la Del Paleolítico Superior que data de unos 40.000 años atrás, se han encontrado, pero el significado exacto de este arte es a menudo controvertido, porque tan poco se sabe acerca de las culturas que los produjeron. Los objetos de arte más antigua del mundo, una serie de pequeñas conchas, caracoles perforados cerca de 75.000 años de antigüedad, fueron descubiertos en una cueva de Sudáfrica. Muchos grandes tradiciones en el arte tienen una base en la técnica de una de las grandes civilizaciones antiguas: Antiguo Egipto, Mesopotamia, Persia, India, China, Antigua Grecia, Roma, así como Inca, Maya, Y Olmeca. Cada uno de estos centros de la civilización temprana desarrolló un estilo único y característico en su arte. Debido al tamaño y la duración de estas civilizaciones, más de sus obras de arte han sobrevivido y más de su influencia se ha transmitido a otras culturas y épocas posteriores. Algunos también han proporcionado los primeros registros de cómo los artistas trabajaron. Por ejemplo, este período del arte griego vio una veneración de la forma física humana y el desarrollo de habilidades equivalentes para mostrar la musculatura, el equilibrio, la belleza y proporciones anatómicamente correcta.

En Bizantino y El arte medieval de la Edad Media occidental, mucho arte centrado en la expresión de las verdades bíblicas y no materiales, y estilos que muestran la gloria más alta invisibles de un mundo celestial, tales como el uso de oro en el fondo de las pinturas, o en los mosaicos de vidrio y ventanas , que también presentó cifras en idealizada, dibujos (planos) formas. Sin embargo, una tradición realista clásica persistió en pequeñas obras bizantinas, y el realismo fue creciendo en el arte de la Europa católica.

Renacimiento del arte había un énfasis mucho mayor en la representación realista del mundo material, y el lugar de los seres humanos en él, que se refleja en la corporeidad del cuerpo humano, y el desarrollo de un método sistemático de perspectiva gráfica para describir la recesión en un espacio de imagen tridimensional.

En el este, el arte islámico’S el rechazo de iconografía llevado a énfasis en patrones geométricos, caligrafía, Y arquitectura. Más al este, la religión dominada estilos artísticos y las formas también. La India y el Tíbet vio énfasis en esculturas pintadas y la danza, mientras que la pintura religiosa prestado muchas convenciones de la escultura y la tendencia a los colores brillantes que contrastan con énfasis en los contornos. China vio el florecimiento de muchas formas de arte: el jade tallado, bronzework, cerámica (incluyendo la impresionante ejército de terracota del Emperador Qin), poesía, caligrafía, música, pintura, drama, ficción, etc estilos chinos varían mucho de una época a otra y cada uno es tradicionalmente el nombre de la dinastía gobernante. Así, por ejemplo, Dinastía Tang pinturas son monocromáticos y disperso, haciendo hincapié en paisajes idealizados, pero De la dinastía Ming pinturas están ocupados y colorido, y se centran en contar historias a través de establecimiento y la composición. los nombres de sus estilos Japón después de las dinastías imperiales también, y también vio la interacción tanto entre los estilos de caligrafía y la pintura. En madera de impresión llegó a ser importante en Japón a partir del siglo 17.

El oeste Siglo de las Luces en el siglo 18 vio representaciones artísticas de las certezas físicas y racional del universo de relojería, así como visiones políticamente revolucionaria de un mundo post-monárquica, tales como Blake’S retrato de Newton como un geómetra divino, o David’S pinturas propagandístico. Esto llevó a Romántico el rechazo de este a favor de las imágenes de la parte emocional y la individualidad de los humanos, ejemplificado en las novelas de Goethe. El siglo 19 vio entonces una serie de movimientos artísticos, tales como arte académico, Simbolismo, impresionismo y fauvismo entre otros.

La historia del arte del siglo XX es una narración de un sinfín de posibilidades y la búsqueda de nuevas normas, cada uno que es derribado en la sucesión por la siguiente. Por lo tanto los parámetros de Impresionismo, Expresionismo, Fauvismo, Cubismo, Dadaísmo, Surrealismo, Etc no se puede mantener mucho más allá del momento de su invención. Aumentar mundial interacción durante este tiempo vi una influencia equivalente de otras culturas en el arte occidental, como Pablo Picasso están influidos por la escultura africana. xilografía japonesa (que habían sido influenciados a través de Western dibujo del Renacimiento), tuvo una inmensa influencia en el impresionismo y el desarrollo posterior. Más tarde, esculturas africanas han sido ocupados por Picasso y en cierta medida por Matisse. Del mismo modo, el oeste ha tenido un impacto enorme en el arte oriental en los siglos 19 y 20, con las ideas occidentales, como originalmente Comunismo y Post-modernismo ejerciendo una poderosa influencia en los estilos artísticos.

Modernismo, la búsqueda idealista de la verdad, dio paso en la segunda mitad del siglo 20 a la realización de su inaccesibilidad. Relativismo fue aceptado como una verdad inevitable, lo que llevó al período de arte contemporáneo y la crítica posmoderna, Donde las culturas del mundo y de la historia se ve como el cambio de formas, que puede ser apreciado y extraídos de sólo con ironía. Además, la separación de las culturas es cada vez más borrosa y algunos sostienen que es más apropiado pensar en términos de una cultura global, en lugar de las culturas regionales.

Características

El arte tiende a facilitar la comprensión intuitiva y no racional, y por lo general conscientemente creada con esta intención.[cita requerida] Bellas artes intencionalmente no tiene ningún otro propósito.[dudoso – discutir] Como resultado de este impulso, las obras de arte son difícil de alcanzar, de refracción a los intentos de clasificación, ya que se puede apreciar en más de una manera, y con frecuencia son susceptibles a muchas interpretaciones diferentes. En el caso de Géricault’S Balsa de la Medusa, Un conocimiento especial sobre el naufragio que la pintura representa no es un requisito previo para la apreciación, sino que permite la apreciación de las intenciones políticas Géricault en la pieza. Incluso el arte que superficialmente se muestra un evento o un objeto mundano, podrá invitar a la reflexión sobre temas elevados.

Tradicionalmente, los mayores logros del arte demostrar un alto nivel de capacidad o de la fluidez dentro de un medio. Esta característica puede ser considerado como un punto de contención, ya que muchos artistas modernos (sobre todo, los artistas conceptuales) no se crean las obras que ellos conciben, o ni siquiera crear la obra en un sentido convencional, demostrativo. El arte tiene una capacidad de transformación: se atribuye particularmente atractivo estético o estructuras o formas de satisfacer a un conjunto original de los componentes no relacionados, pasiva.

Formas, géneros, medios y estilos

Las artes creativas a menudo son divididas en categorías más específicas, cada uno relacionado con su técnica, o medio, Tales como artes decorativas, artes plásticas, artes del espectáculoO la literatura. A diferencia de los campos científicos, el arte es uno de los pocos temas que son académicamente organizado de acuerdo a la técnica [1]

Un forma de arte es la específica forma, O la calidad de una expresión artística toma. Los medios de comunicación utilizan a menudo influyen en la forma. Por ejemplo, la forma de una escultura debe existir en el espacio en tres dimensiones, y responder a la gravedad. Las restricciones y limitaciones de un medio en particular se llaman así su cualidades formales. Para dar otro ejemplo, las cualidades formales de la pintura son la textura del lienzo, el color y la textura del pincel. Las cualidades formales de los videojuegos son la no linealidad, la interactividad y la presencia virtual. La forma de una determinada obra de arte está determinada tanto por las cualidades formales de los medios de comunicación, y las intenciones del artista.

Un género es un conjunto de convenciones y estilos dentro de un medio en particular. Por ejemplo, los géneros y reconocidos en el cine son occidental, horror y comedia romántica. Géneros de la música incluyen death metal y trip hop. Géneros en la pintura incluyen todavía la vida y paisaje pastoral. Una obra de arte puede doblar o combinar géneros, pero cada género tiene un grupo reconocible de convenciones, tópicos y tropos. (Una nota: la palabra género tiene un segundo significado mayores dentro de la pintura; la pintura de género era una frase usada en los siglos 17 y 19 al referirse específicamente a las pinturas de escenas de la vida cotidiana y se puede seguir utilizando de esta manera.) La gran ola de Kanagawa por Hokusai (Japón, 1760–1849), grabado en madera de color.

La estilo de una obra de arte, artista, o el movimiento es el método distintivo y la forma seguida por la materia respectiva. Cualquier maleza suelta, goteaba o la pintura abstracta vertido se llama expresionista. A menudo, un estilo se vincula con un determinado período histórico, un conjunto de ideas, y el movimiento artístico en particular. Así que Jackson Pollock se llama Expresionismo abstracto.

Debido a un estilo en particular puede tener significados culturales específicos, es importante ser sensible a las diferencias en la técnica. Roy Lichtenstein’S (1923–1997) pinturas no son puntillista, A pesar de su uso de puntos, porque no están alineados con los proponentes originales del puntillismo. Lichtenstein utiliza Ben-Day puntos: Son iguales de tiempo y crear zonas planas de color. Puntos de este tipo, utilizados en la impresión de medios tonos, se utilizaron originalmente en las historietas y los periódicos para reproducir el color. Lichtenstein por lo tanto utiliza los puntos como un estilo a la pregunta del “alto” el arte de la pintura con la “baja” el arte del cómic - formular comentarios sobre las diferencias de clase en la cultura. Lichtenstein se asocia así con el movimiento del arte pop americano (1960). El puntillismo es una técnica a finales de impresionismo (1880), desarrollado especialmente por el artista Georges Seurat, Que emplea puntos que están separados en una forma de crear variación en el color y la profundidad, en un intento de pintar las imágenes que estaban más cerca de la forma de ver realmente el color. Ambos artistas utilizan puntos, pero el particular estilo y la técnica se relacionan con el movimiento artístico adoptadas por cada artista.

Estas son todas las formas de comenzar a definir una obra de arte, para reducir el número. “Imagine que usted es un crítico de arte, cuya misión consiste en comparar los significados que se encuentra en una amplia gama de obras de arte individuales. ¿Cómo proceder con su tarea? Una forma de empezar es examinar los materiales de cada artista seleccionado en la fabricación de un objeto, la imagen . de vídeo, o un evento La decisión de lanzar una escultura en bronce, por ejemplo, inevitablemente los efectos de su significado, el trabajo se convierte en algo diferente de cómo podría ser si se hubiera fundido en oro o de plástico o de chocolate, incluso si todo lo demás acerca de la obras de arte sigue siendo el mismo. A continuación, puede examinar cómo los materiales en cada obra de arte se han convertido en un arreglo de formas, colores, texturas y líneas. Estas, a su vez, se organizan en varios patrones y estructuras de composición. En su interpretación, a usted le Comentario sobre cómo las características sobresalientes de la forma de contribuir al significado global de la obra acabada. [Pero al final] el significado de la mayoría de las obras de arte … no se ha agotado por una discusión de materiales, técnicas, y la forma. La mayoría de las interpretaciones también incluyen una discusión de las ideas y los sentimientos genera obras de arte. “[12] La habilidad y la artesanía Adán. Detalle de Miguel Ángel’S fresco en el Capilla Sistina (1511) Ver también: El arte conceptual y habilidad artística

El arte puede connotar un sentido de capacidad de formación o el dominio de una medio. El arte también puede simplemente se refieren al uso eficiente y desarrollado de un idioma para transmitir el significado con inmediatez y / o profundidad. El arte es un acto de expresar sentimientos, pensamientos y observaciones.[13] Hay un entendimiento de que se alcance con el material como consecuencia de su manejo, lo que facilita una de los procesos de pensamiento. Una opinión común es que el epíteto de “arte”, en particular en su sentido más elevado, requiere un cierto nivel de experiencia creativa del artista, ya sea una demostración de habilidad técnica o una originalidad en el enfoque estilístico como en las obras de Shakespeare, O una combinación de estos dos. Tradicionalmente, la habilidad de ejecución fue visto como una cualidad inseparable de arte y por lo tanto necesaria para su éxito, porque Leonardo da Vinci, El arte, ni más ni menos que sus otras actividades, fue una manifestación de la habilidad. Rembrandt’S de trabajo, ahora alabado por sus virtudes efímera, fue el más admirado por sus contemporáneos por su virtuosismo. A la vuelta del siglo 20, las actuaciones de los diestros John Singer Sargent fueron alternativamente admirado y visto con escepticismo por su fluidez manual, sin embargo, casi al mismo tiempo, el artista que se convertiría en iconoclasta más reconocidos y peripatético de la época, Pablo Picasso, Estaba completando una formación académica tradicional en la que se destacó.

Una crítica común de algunos contemporáneos el arte moderno se produce a lo largo de las líneas de oponerse a la aparente falta de habilidad o capacidad necesaria en la producción del objeto artístico. En el arte conceptual, Marcel Duchamp”S” Fuente “es uno de los primeros ejemplos de obras donde el artista utiliza objetos encontrados (ready-made”) y no ejerció tradicionalmente reconocido conjunto de habilidades. Tracey Emin’S Mi Casa O? Damien Hirst’S La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo seguir este ejemplo y también manipular la medios de comunicación. Emin dormido (y participan en otras actividades) en su cama antes de colocar el resultado en una galería como obra de arte. Hirst llegó con el diseño conceptual de la obra de arte, pero ha dejado la mayor parte de la eventual creación de muchas obras de los artesanos empleados. Famoso Hirst se basa por completo en su capacidad de producir conceptos impactante. La producción real en muchos trabajos conceptuales y de arte contemporáneo es una cuestión de ensamblaje de objetos encontrados. Sin embargo, hay muchos artistas modernistas y contemporáneos que continúan a sobresalir en las habilidades de dibujo y pintura y en la creación de manos a la obras de arte.

Juicio de valor

Algo en relación con lo anterior, la palabra el arte También se utiliza para aplicar juicios de valor, como en expresiones tales como “que la comida era una obra de arte” (el cocinero es un artista), o “el arte del engaño”, (el alto nivel alcanzado de la habilidad del engañador es elogió). Es este uso de la palabra como una medida de alta calidad y alto valor que le da el término de su sabor de la subjetividad.

Hacer juicios de valor, se requiere una base para la crítica. En el nivel más simple, una manera de determinar si el impacto del objeto en los sentidos cumple con los criterios que deben considerarse el arte es si se percibe como atractiva o repulsiva. Aunque la percepción es siempre de color por la experiencia, y es necesariamente subjetiva, se entiende comúnmente que lo que no es de alguna manera estéticamente satisfactoria no puede ser arte. Sin embargo, “bueno” el arte no siempre es regular o incluso estéticamente atractivo para la mayoría de los espectadores. En otras palabras, la motivación principal de un artista no tiene que ser la búsqueda de la estética. Además, el arte a menudo se representa terribles imágenes hechas por razones sociales, morales, o invitan a la reflexión. Por ejemplo, Francisco de Goya’S pintura que representa a los disparos de los Españoles 03 de mayo 1808 es una representación gráfica de un pelotón de fusilamiento ejecución de varios civiles súplica. Sin embargo, al mismo tiempo, las imágenes terribles ganas demuestra la capacidad artística de Goya en la composición y la ejecución y produce indignación ajuste social y política. Así, el debate continúa en cuanto a qué modo de satisfacción estética, en su caso, es preciso definir “arte”.

La asunción de nuevos valores o la rebelión contra las nociones aceptadas de lo que es estéticamente superior no es necesario que se producen al mismo tiempo que un completo abandono de la búsqueda de lo que es estéticamente atractivo. De hecho, lo contrario sucede a menudo, que la revisión de lo que popularmente se concibe como ser estéticamente atractiva permite un re-fortalecimiento de la sensibilidad estética, y una nueva apreciación de las normas del arte mismo. Innumerables escuelas han propuesto sus propias maneras de definir la calidad, sin embargo, todos parecen estar de acuerdo en al menos un punto: una vez que sus opciones estéticas son aceptadas, el valor de la obra de arte está determinada por su capacidad de trascender los límites de su medio elegido a la huelga algunos acordes universal por la rareza de la habilidad del artista o en su fiel reflejo en lo que se denomina zeitgeist. Comunicación

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El arte es a menudo la intención de atraer y conectar con las emociones humanas. Se puede despertar estética o morales sentimientos, y puede ser entendido como una forma de comunicar estos sentimientos. Artistas expresar algo, para que su público se despierta hasta cierto punto, pero no tiene que hacerlo conscientemente. Arte explora lo que comúnmente se denomina como la condición humana, Es decir, esencialmente lo que es ser humano. arte eficaz a menudo trae consigo una nueva comprensión sobre la condición humana de forma individual o en masa, que no necesariamente es siempre positivo, o necesariamente amplía los límites de la capacidad colectiva de la humanidad. El grado de habilidad que posee un artista afectará su capacidad para provocar una respuesta emocional y, por tanto proporcionar nuevos conocimientos, la habilidad de manipular a voluntad ejemplar muestra de habilidad y determinación. Objeto de arte Un Navajo alfombra hecho c. 1880.

El arte ha tenido un gran número de funciones diferentes a lo largo de su historia, por lo que su objetivo difícil de cuantificar abstracto o de cualquier concepto. Esto no implica que el objetivo del arte es “vago”, pero que ha tenido muchas razones único, diferente por ser creado. Algunas de estas funciones del arte se proporcionan en el siguiente esquema. Los propósitos diferentes de arte pueden ser agrupados de acuerdo con aquellos que no son motivados, y los que están motivados (Lévi-Strauss). Las funciones no por motivos de arte

Los fines no motivada de arte son los que son parte integral de ser humano, trascienden al individuo, o no cumplir con un propósito externo específico. Aristóteles dijo: “La imitación, entonces, es un instinto de nuestra naturaleza.” [14] En este sentido, el arte, la creatividad, los seres humanos es algo que debe hacer por su propia naturaleza (es decir, ninguna otra especie crea arte), y por lo tanto más allá de la utilidad.

1. Humano básico instinto de la armonía, el equilibrio, el ritmo. El arte en este nivel no es una acción o un objeto, sino un reconocimiento interno de equilibrio y armonía (belleza), y por lo tanto un aspecto del ser humano más allá de la utilidad.

2. La experiencia de lo misterioso. El arte proporciona una manera de experimentar uno mismo en relación con el universo. Esta experiencia a menudo se puede llegar sin motivación, como se aprecia el arte, la música o la poesía.

3. La expresión de la imaginación. Arte proporcionar un medio para expresar la imaginación en formas no gramaticales que no están vinculados a la formalidad del lenguaje hablado o escrito. A diferencia de las palabras, que vienen en secuencias y cada uno de los cuales tienen un significado definido, el arte ofrece una variedad de formas, símbolos e ideas con significados que son maleable.

4. la comunicación universal. El arte permite al individuo para expresar cosas hacia el mundo en su conjunto.[según a quién?] artistas de la Tierra a menudo se crean arte en lugares remotos que jamás será experimentado por otra persona. La práctica de colocar un mojón, O el montón de piedras en la cima de una montaña, es un ejemplo. (Nota:. No es necesario proponer una visión particular de Dios, o la religión) Arte creado de esta manera es una forma de comunicación entre el individuo y el mundo en su conjunto.[cita requerida]

5. Rituales y funciones simbólicas. En muchas culturas, el arte se utiliza en los rituales, representaciones y danzas como adorno o símbolo. Si bien éstas a menudo no tienen específicos utilitarios (motivado) propósito, los antropólogos saben que a menudo sirven a un propósito a nivel de significado dentro de una cultura en particular. Esto significa que no se presente por un solo individuo, pero a menudo es el resultado de muchas generaciones de cambio y de una relación cosmológica dentro de la cultura.

Motivado funciones del arte

Motivado propósitos del arte se refieren a acciones intencionales, consciente por parte de los artistas o creador. Estos pueden ser para lograr un cambio político, una opinión sobre un aspecto de la sociedad, para transmitir una emoción o estado de ánimo, para hacer frente a la psicología personal, para ilustrar otra disciplina, a (con el arte comercial) para vender un producto, o simplemente como un forma de comunicación.

1. Comunicación. Arte, en su forma más simple, es una forma de comunicación. Como la mayoría de las formas de comunicación tienen la intención o el objetivo dirigido hacia otra persona, este es un propósito motivados. artes ilustrativa, como la ilustración científica, son una forma de arte como comunicación. Los mapas son otro ejemplo. Sin embargo, el contenido no tiene que ser científica. Las emociones, estados de ánimo y los sentimientos también se comunican a través del arte.

2. El arte como entretenimiento. El arte puede tratar de lograr una determinada emoción o estado de ánimo, con el fin de relajar o entretener al espectador. Esto es a menudo la función de las industrias de arte de Películas y Video Juegos.

3. El vanguardista. Arte para el cambio político. Una de las funciones que definen el arte de principios del siglo XX ha sido la utilización de imágenes visuales para lograr un cambio político. Arte movimientos que este objetivo-dadaísmo, surrealismo, constructivismo ruso, y el expresionismo abstracto, entre otros-se conocen colectivamente como la vanguardista artes.

4. Arte para los propósitos psicológicos y la curación. El arte es también utilizado por los terapeutas de arte, psicoterapeutas y psicólogos clínicos arte terapia. La Diagnóstico de la serie de dibujo, Por ejemplo, se utiliza para determinar la personalidad y el funcionamiento emocional de un paciente. El producto final no es el objetivo principal en este caso, sino más bien un proceso de sanación, a través de actos creativos, se solicita. La pieza resultante de obras de arte también puede ofrecer conocimientos sobre los problemas experimentados por el sujeto y puede sugerir métodos adecuados para ser utilizados en las formas más convencionales de la terapia psiquiátrica.

5. Arte para la investigación social, la subversión y / o la anarquía. Aunque es similar al arte para el cambio político, el arte subversivo o deconstructivista puede tratar de cuestionar aspectos de la sociedad sin ningún tipo de objetivo político específico. En este caso, la función del arte puede ser simplemente para criticar algunos aspectos de la sociedad. públicamente, edificios, autobuses, trenes y puentes, por lo general sin permiso. Ciertas formas de arte, como el graffiti, también puede ser ilegal cuando se rompen las leyes (en este caso de vandalismo).

6. Arte para la propaganda, o comercialismo. El arte es a menudo utilizado como una forma de la propaganda, Y por lo tanto se puede utilizar para influir sutilmente concepciones populares o estado de ánimo. De manera similar, el arte que trata de vender un producto también influye en el estado de ánimo y las emociones. En ambos casos, el propósito del arte aquí es manipular sutilmente al espectador en una determinada respuesta emocional o psicológica hacia una idea u objeto en particular.[21]

Las funciones del arte descritas anteriormente no son mutuamente excluyentes, ya que muchos de ellos se superponen. Por ejemplo, el arte con el propósito de entretenimiento también puede tratar de vender un producto, es decir, las películas o videojuegos.

arte polémica

Théodore Géricault’S Balsa de la Medusa (C. 1820), fue un comentario social sobre un acontecimiento, sin precedentes en ese momento. Édouard Manet’S Le Déjeuner sur l’Herbe (1863), fue considerado un escándalo, no por la desnudo mujer, sino porque ella está sentada al lado de los hombres totalmente vestidos con la ropa de la época, en lugar de con ropas del mundo antiguo. John Singer Sargent’S Madame Gautreau Pierre (Madame X) (1884), causó un revuelo tan grande sobre el rojizo color de rosa para el color del lóbulo del oído de la mujer, considerada demasiado sugestiva y, supuestamente, arruinando la reputación de la modelo de alta sociedad.

En el siglo XX, Pablo Picasso’S Guernica (1937) utiliza detención cubista técnicas y marcado aceites monocromática, Para describir las consecuencias terribles de un atentado contemporáneas de un pequeño pueblo, el vasco antiguo. Leon Golub’S Interrogatorio III (1981), representa un desnudo femenino, detenido encapuchado atado a una silla, las piernas abiertas para mostrar sus órganos sexuales, rodeado por dos verdugos vestidos con ropa de diario. Andrés Serrano’S Piss Christ (1989) es una fotografía de un crucifijo, sagrado para la religión cristiana y que representa Cristo’S sacrificio y el sufrimiento final, sumergida en un vaso de orina del propio artista. El alboroto resultante condujo a los comentarios en el Senado de los Estados Unidos acerca de la financiación pública de las artes. Arte teorías

En el siglo XIX, los artistas se dedicaron fundamentalmente a las ideas de la verdad y belleza. El teórico de la estética John Ruskin, Quien defendió lo que él vio como el naturalismo de J. M. W. Turner, Vio el papel del arte como la comunicación por el artificio de una verdad esencial que sólo se puede encontrar en la naturaleza.[22]

La definición y evaluación de arte se ha vuelto especialmente problemática desde el siglo 20. Richard Wollheim distingue tres enfoques: el Realista, Por el que la calidad estética es un valor absoluto independiente de cualquier punto de vista humano, la Objetivista, Por lo que también es un valor absoluto, sino que depende de la experiencia humana en general, y la Relativista posición, Por lo que no es un valor absoluto, sino que depende y varía en función de la experiencia humana de los seres humanos diferentes.[23]

La llegada de Modernismo a la cabeza de finales del siglo XIX a una ruptura radical en la concepción de la función del arte,[24] y luego otra vez a finales del siglo XX con el advenimiento de postmodernismo. Clement Greenberg’S artículo de 1960 “Pintura Modernista” define el arte moderno como “el uso de métodos característicos de una disciplina para criticar a la disciplina en sí”.[25] Greenberg el que ha solicitado esta idea con el movimiento expresionista abstracto y lo utilizó como una manera de entender y justificar plana (no ilusionista) la pintura abstracta:

Realista, el arte naturalista había disimulado el medio, utilizando el arte de ocultar el arte, el arte del modernismo utiliza para llamar la atención sobre el arte. Las limitaciones que constituyen el medio de

pintura - la superficie plana, la forma de la ayuda, las propiedades del pigmento - fueron tratados por los viejos maestros como factores negativos que podría ser reconocido de manera implícita o indirecta. Bajo estas mismas limitaciones modernismo llegó a ser considerado como factores positivos, y se reconoció abiertamente.[25]

Después de Greenberg, varios teóricos del arte surgido importantes, tales como Michael Fried, T. J. Clark, Rosalind Krauss, Linda Nochlin y Griselda Pollock entre otros. Aunque sólo originalmente concebido como una forma de entender un conjunto específico de los artistas, la definición de Greenberg sobre el arte moderno es importante para muchas de las ideas del arte dentro de los distintos movimientos artísticos del siglo 20 y siglo 21.

Artistas pop como Andy Warhol se convirtió en dos notables e influyentes a través del trabajo y, posiblemente, incluyendo la crítica de la cultura popular, así como la del mundo del arte. Artistas de la década de 1980, 1990 y 2000 amplió esta técnica de autocrítica más allá gran arte a todas las imágenes culturales de decisiones, incluidas las imágenes de moda, cómics, carteles y la pornografía.

Clasificación de las controversias

Las controversias sobre si o no para clasificar algo como una obra de arte se conocen como las controversias sobre el arte de clasificación.

disputas clasificatorias en el siglo 20 han incluido cubista y impresionista pinturas, Duchamp’S Fuente, La películas, Imitaciones superlativo de billetes de banco, el arte conceptual, Y juegos de vídeo.[26]

El filósofo David Novitz ha argumentado que el desacuerdo sobre la definición del arte rara vez son el corazón del problema. Por el contrario, “las preocupaciones e intereses apasionados que chaleco seres humanos en su vida social” son “una parte tan importante de todas las controversias de clasificación de arte” (Novitz, 1996). Según Novitz, disputas clasificatorias son más frecuentes las disputas sobre los valores sociales y donde la sociedad está tratando de ir de lo que son acerca de la teoría correcta. Por ejemplo, cuando el Daily Mail criticado Hirst’S y Emin’S de trabajo con el argumento de “Por 1000 años el arte ha sido una de nuestras grandes fuerzas civilizadoras. Hoy en día, las ovejas en escabeche y sucias camas amenazan con hacer bárbaros de todos nosotros” que no están avanzando de una definición o una teoría sobre el arte, pero cuestionando el valor de Hirst y el trabajo de Emin.[27] En 1998, Arthur Danto, Sugirió un experimento mental que muestra que “la situación de un artefacto como el trabajo de los resultados del arte de las ideas de una cultura se refiere a ella, en lugar de sus cualidades físicas inherentes o perceptible. Interpretación cultural (una teoría del arte de algún tipo) es por lo tanto constitutiva de la de un objeto arthood “.[28][29]

Lucha contra el arte es una etiqueta para el arte que, intencionadamente, los desafíos de los parámetros establecidos y los valores del arte;[30] que es el término asociado con Dadaísmo y atribuido a Marcel Duchamp justo antes de la Primera Guerra Mundial,[30] cuando estaba haciendo el arte de objetos encontrados.[30] Uno de ellos, Fuente (1917), un urinario común, ha logrado un considerable importancia e influencia en el arte.[30] Lucha contra el arte es una característica del trabajo de los Internacional Situacionista,[31] el lo-fi Correo movimiento de arte, y la Young British Artists,[30] a pesar de que es una forma aún rechazada por el Stuckists,[30] que se describen como anti-anti-arte.

El arte ha sido percibida por algunos como pertenecientes a algunas clases sociales y, a menudo excluyendo a otros. En este contexto, el arte es visto como una actividad de clase alta asociado con la riqueza, la posibilidad de comprar arte y el ocio necesario para defender o disfrutar de ella. Por ejemplo, la palacios de Versalles o el Ermita en San Petersburgo con sus vastas colecciones de arte, reunida por la realeza fabulosamente ricos de Europa un ejemplo de este punto de vista. Coleccionar arte como es el privilegio de los ricos, o de los gobiernos y las instituciones.

Bellas y productos caros han sido los marcadores populares del estado en muchas culturas, y siguen siéndolo hoy en día. Ha habido un empuje cultural en la otra dirección por lo menos desde 1793, cuando el Museo del Louvre, que había sido un palacio privado de los reyes de Francia, se abrió al público como un museo de arte durante el Francés Revolución. La mayoría de los museos modernos y los programas públicos de educación artística para los niños en las escuelas se remonta a este impulso para que el arte al alcance de todos. Museos en los Estados Unidos tienden a ser los regalos de los más ricos a las masas (El Museo Metropolitano de Arte en Nueva York, por ejemplo, fue creado por John Taylor Johnston, Un ejecutivo del ferrocarril, cuyo personal colección de arte del museo semilla.) Pero a pesar de todo esto, por lo menos una de las funciones importantes del arte en el siglo 21 sigue siendo un indicador de la riqueza y el estatus social. Actuación de Joseph Beuys, 1978 : Todo el mundo de un artista - En el camino a la forma libertaria del organismo social.

Ha habido intentos de los artistas para crear arte que no puede ser comprado por los ricos como un objeto de estado. Uno de los motivadores principales originales de gran parte del arte de los años 1960 y 1970 fue la creación de arte que no puede ser comprada y vendida. Es “necesario presentar algo más que meros objetos” dijo que la guerra de los principales cargos del artista alemán Joseph Beuys. Este período vio el surgimiento de las cosas tales como performance, video arte, Y el arte conceptual. La idea era que si la obra de arte fue una actuación que no dejan nada atrás, o fue simplemente una idea, no podía ser comprada y vendida. “Democrática preceptos en torno a la idea de que una obra de arte es una mercancía impulsado la innovación estética que germinó a mediados de la década de 1960 y fue cosechado a lo largo de la década de 1970. Artistas en términos generales, en el epígrafe del arte conceptual … la sustitución de las actividades de ejecución y la publicación para el compromiso tanto con el material y las preocupaciones materialistas de la forma pintada o escultóricas … [que] trató de socavar el objeto de arte objeto de condición.”

En las décadas posteriores, estas ideas han sido un tanto perdidos como el mercado del arte ha aprendido a vender los DVD de edición limitada de obras de vídeo,[36] invitaciones a los más exclusivos performances de arte, y los objetos sobrantes de piezas conceptuales. Muchas de estas actuaciones crear obras que sólo son comprendidos por la élite que han sido educados acerca de por qué una idea o un vídeo o un pedazo de basura aparente puede ser considerado arte. El marcador del estado se convierte en la comprensión del trabajo en vez de necesariamente la propiedad, y la obra de arte sigue siendo una actividad de clase alta. “Con el uso generalizado de la tecnología de grabación de DVD en la década de 2000, los artistas, y el sistema de galerías que se deriva de sus ganancias de la venta de obras de arte, obtuvo un importante medio de controlar la venta de obras de arte de vídeo y el ordenador en ediciones limitadas para coleccionistas.

Art. (2011, February 9). In Wikipedia, The Free Encyclopedia. Retrieved 21:13, February 22, 2011, from http://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Art&oldid=413001770


Concepto de arte y de artes visuales

Según Arnold Hauser, las «obras de arte son provocaciones con las cuales polemizamos» mas que no nos las explicamos. Las interpretamos de acuerdo con nuestras propias finalidades y aspiraciones, les trasladamos un sentido cuyo origen está en nuestras formas de vida y hábitos mentales. Nosotros, «de todo arte con el cual tenemos una relación auténtica hacemos un arte moderno».

Hoy día, el arte ha establecido unos conjuntos de relaciones que permiten englobar dentro de una sola interacción la obra de arte, el artista o creador y el público receptor o destinatario. Hegel, en su Estética, intentó definir la trascendencia de esta relación diciendo que : «la belleza artística es más elevada que la belleza de la naturaleza, ya que cambia las formas ilusorias de este mundo imperfecto, donde la verdad se esconde tras las falsas apariencias para alcanzar una verdad más elevada creada por el espíritu».

Buscar la verdad detrás de las apariencias !, puede haber una finalidad más elevada y atractiva ? El arte se transforma así en la prolongación de la acción, ya que no trata de imitar o reproducir, sino que traduce una realidad metasensible para poner lo espiritual en la experiencia cotidiana.

La Victoria de Samotracia, anónimo, 190 a. C.

La Victoria de Samotracia, anónimo, 190 a. C.

El arte es también un juego con las apariencias sensibles, los colores, las formas, los volúmenes, los sonidos, etc. Es un juego gratuito donde se crea de la nada o de poco más que la nada una apariencia que no pretende otra cosa que engañarnos. Es un juego placentero que satisface nuestras necesidades eternas de simetría, de ritmo o de sorpresa. La sorpresa que para Charles Baudelaire, es el origen de la poesía. Así, según Kant, el placer estético deriva menos de la intensidad y la diversidad de sensaciones que de la manera, en apariencia espontánea, por la cual ellas manifiestan una profunda unidad, sensible en su reflejo, pero no conceptualizable.

Para Ernst Gombrich, «El arte, en realidad no existe. Únicamente hay artistas.». Más adelante, en la Introducción de su obra The Story of Art nos dice que no tiene nada de malo que nos deleitemos en el cuadro de un paisaje porque nos recuerda nuestra casa o en un retrato porque nos recuerda un amigo, ya que como hombres que somos, cuando miramos una obra de arte estamos sometidos a un conjunto de recuerdos que para bien o para mal influyen sobre nuestros gustos.

Siguiendo al mismo Gombrich, vemos como a los artistas también les sucede algo parecido : en el retrato de su hijo Nicolás, el gran pintor flamenco Rubens, lo representó hermoso ya que seguramente se sentía orgulloso del aspecto del niño y nos quiso transmitir su pasión de padre a la vez que artista; en el retrato de su madre, el gran pintor alemán Durero, la dibujó con la misma devoción y amor que Rubens sentía por su hijo, pero aquí vemos un estudio fiel de la cara de una mujer vieja, no hay belleza natural pero Durero, con su enorme sinceridad, creó una gran obra de arte.

Arte. (2008, 22) de agosto. Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de consulta: 22:30, agosto 24, 2008 from http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Arte&oldid=19623778.


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