Descripcion De Obras Escultoricas

Descripcion De Obras Escultoricas

Escultura

Escultura es tres dimensiones obras de arte creadas por la configuración o combinación de materiales duros - normalmente piedra - O mármol, Metal, vidrio o madera. Más suave (“plástico”) materiales también se pueden utilizar, por ejemplo arcilla, textiles, Plásticos, polímeros y los metales más blandos.

El término se ha extendido a las obras del sonido, de texto y la luz.

Objetos encontrados se pueden presentar como esculturas. Los materiales pueden ser trabajados por el retiro, tales como tallado, O pueden montarse como por soldadura , Endurecido como por disparoO moldeado o Reparto. Superficie de decoración, tales como pintura se puede aplicar.[1] La escultura ha sido descrito como uno de los artes plásticas ya que puede implicar el uso de materiales que se puede moldear o modulada.

La escultura es una importante forma de arte público. Una colección de escultura en un jardín ajuste puede ser contemplado como un Jardín de Esculturas.

Tipos de escultura

Algunas formas comunes de la escultura son:

          o Fuente - La escultura está diseñada con el movimiento el agua
          o Móvil (Véase también Calder Stabiles.)
          o Busto - Representación de una persona desde el pecho hasta
          o Estatua ecuestre - Normalmente muestra una persona importante a caballo
          o Ambiental escultura
          o Land Art

Materiales de la escultura a través de la historia

Escultores en general han tratado de producir obras de arte que son tan permanentes como sea posible, trabajando en materiales duraderos y con frecuencia costosos, tales como bronce y la piedra: mármol, piedra caliza, pórfido, Y granito. Más raramente, materiales preciosos, como de oro, plata, jade, Y de marfil fueron utilizados para obras criselefantinas. Más comunes y menos costosos materiales fueron utilizados para la escultura de un consumo más amplio, incluyendo vidrio, maderas duras (Por ejemplo, roble, caja / boj, Y lima / tilo); terracota y otros cerámica, Y los metales fundidos, tales como estaño y zinc (Matas).

Esculturas son a menudo pintadas, Pero generalmente pierden su pintura a tiempo, o restauradores. Muchas técnicas de pintura se han utilizado en la fabricación de la escultura, incluyendo temperatura, [Óleo], dorado, pintura de casa, en aerosol, esmalte y chorro de arena.[1][2][3]

escultores Muchos buscan nuevas formas y materiales para hacer arte. Jim Gary utilizados vidrieras y partes de automóviles, herramientas, piezas de la máquina, y el hardware. Uno de Pablo Picasso más famosas esculturas incluidas bicicleta las partes. Alexander Calder y otros modernistas hecho uso espectacular de pintadas de acero. Desde la década de 1960, acrílicos y otros plásticos se han utilizado también. Andy Goldsworthy hace sus esculturas efímeras inusual de casi todo los materiales naturales en un ambiente natural. Algunos escultura, como esculturas de hielo, esculturas de arena, Y gas de la escultura, Es deliberadamente breve.

Escultores menudo construir pequeñas obras preliminares denominado maquetas de materiales efímeros como yeso de París, Cera, arcilla o plastilina, como Alfred Gilbert hizo por ‘Eros en Piccadilly Circus, Londres. En Retroarchaeology, Estos materiales son generalmente el producto final.

Escultores utilizan a veces objetos encontrados.

Asia

Diferentes formas de la escultura se utilizaron en Asia, Con muchas piezas que se el arte religioso sobre la base de Hinduismo y El budismo (Arte budista) Y greco-budista arte. Una gran cantidad de Camboyano escultura hindú se conserva en Angkor, El saqueo sin embargo organizada ha tenido un fuerte impacto en muchos sitios alrededor del país. En Tailandia, la escultura fue casi exclusivamente de imágenes de Buda. Muchas esculturas o templos tailandeses son dorados, y en ocasiones enriquecido con incrustaciones. Véase también arte tailandés

Asia oriental

China

Artefactos de China datan el año 10.000 aC y expertos chinos artesanos había sido muy activo en la historia temprana, pero la mayor parte de lo que se muestra como la escultura viene de algunos periodos históricos seleccione. El primer período de interés ha sido el Dinastía Zhou del Oeste (1050–771 aC), de los que vienen de una variedad de complejos vasos de bronce fundido. El próximo período de interés fue el Dinastía Han (206 aC-220 dC), comenzando por la espectacular Ejército de Terracota , reunida en la tumba de Qin Shi Huang, La primera emperador de la importante pero de corta duración Dinastía Qin que precedió a la dinastía Han. Las tumbas excavadas en el período Han han puesto de manifiesto muchas figuras que se encuentran a ser vigoroso, directo y atractivo 2000 años después.

La escultura budista primero se encuentra saliendo de la Tres Reinos período (siglo 3), mientras que la escultura de la Grutas de Longmen cerca de Luoyang, La provincia de Henan (Wei del Norte, Del siglo 5 º y 6 º) ha sido ampliamente reconocida por su especial elegante cualidades.

El plazo ahora se considera que edad de oro de China es el Dinastía Tang, Coincidiendo con lo que en Europa se denomina a veces Edad Oscura). figuras decorativas como los que se muestra a continuación se hizo muy popular en la cultura del siglo vigésimo euro-americana, y se pusieron a disposición a granel, como señores de la guerra en la guerra civil china exportado a recaudar dinero. Considerado especialmente deseable y profundo, incluso, fue la escultura budista, a menudo monumentales, que comenzó en la dinastía Sui, inspirado en el arte greco-budista de Asia Central, y muchos son considerados tesoros del arte mundial.

Después de la dinastía Tang, los intereses occidentales en artefactos chinos cae drásticamente, a excepción de lo que podría considerarse como muebles ornamentales, y sobre todo los objetos de jade. La cerámica de muchos períodos que se ha recogido, y de nuevo el período Tang se destaca además por su sensación de libertad, fácil. escultura china no tiene desnudos, otros tal vez más que figuras hechas para la formación médica o el retrato a la práctica y muy poco en comparación con la tradición europea. Un lugar donde fue perseguido retrato escultórico, sin embargo, fue en los monasterios.

Casi nada, que no sean joyas, jade, cerámica o es recogida por los museos de arte después de la De la dinastía Ming terminó a finales del siglo 17, y absolutamente nada ha sido reconocida como la escultura desde el siglo 20 tumultuosa, aunque no había una escuela de escultura de influencia soviética del realismo social en las primeras décadas del régimen comunista, y como el cambio de siglo, chino artesanos comenzaron a dominar los géneros comerciales escultura (las placas colectoras, figuritas, juguetes, etc) y artistas vanguardistas chinos comenzaron a participar en la empresa Euro-Americana de arte contemporáneo.

Japón

Innumerables pinturas y esculturas se hicieron, a menudo bajo el patrocinio del gobierno. La mayoría de la escultura japonesa se asocia con la religión, y utilizar el medio “se negó a reducir la importancia del budismo tradicional. Durante el período Kofun del siglo III, esculturas de arcilla llamada Haniwa se construyeron tumbas exterior. Dentro de la Kondo en Hōryū-ji es una Trinidad Shaka (623), el Buda histórico, flanqueado por dos bodhisattvas y también el Guardian Reyes de las Cuatro Direcciones. La imagen de madera (9 º c.) de Sakyamuni, el “histórico” de Buda, consagrado en un edificio de secundaria en el Muro-ji, Es típica de principios de los años Heian escultura, con su voluminoso cuerpo, cubierto por cortinas gruesas pliegues tallados en la hompa-shiki (laminado de onda) de estilo, y su expresión austera, retirado faciales. La escuela Kei de escultores, en particular Unkei, creó un nuevo estilo, más realista de la escultura.

Asia Central

el arte greco-budista es la manifestación artística de Grecobudismo, Una cultura sincretismo entre el Griego clásico la cultura y la El budismo, Que se desarrolló durante un período de cerca de 1000 años en Asia Central, Entre las conquistas de Alejandro Magno en el Cuarto siglo aC, Y el Islámica conquistas de la CE del siglo séptimo. el arte greco-budista se caracteriza por el fuerte realismo idealista del arte helenístico y las primeras representaciones de Buda en forma humana, que han ayudado a definir el canon artístico (y particularmente, escultórico) por el arte budista en todo el continente asiático hasta el presente. También es un buen ejemplo de la diversidad cultural sincretismo entre las tradiciones orientales y occidentales.

Los orígenes del arte greco-budista se encuentran en la helenística reino greco-bactriano (250 aC-130 aC), situado en el actual Afganistán, De la que la cultura helenística irradió en el subcontinente indio con el establecimiento de la Reino Indo-Griego (180 aC-10 aC). En el marco del Indo-griegos y luego el Kushan, La interacción de la cultura griega y budista floreció en el área de Gandhara, En el día de hoy el norte de Pakistán, Antes de extenderse aún más en La India, Que influyen en el arte de la Mathura, Y luego el Hindú el arte de la Gupta imperio, Que debía extenderse al resto del sudeste de Asia. La influencia del arte greco-budista también se extendió hacia el norte, hacia la Asia Central, Afectando fuertemente el arte de la Cuenca del Tarim Y?, finalmente, las artes de la China, Corea, Y Japón.

Asia del Sur La India Las esculturas conocidas son de la primera La civilización del valle del Indo (3300–1700 aC), que se encuentran en los sitios en Mohenjo-Daro y Harappa en la actual Pakistán. Más tarde, cuando Hinduismo, El budismo, Y Jainismo desarrollarse más, la India produjo bronces y esculturas de piedra de gran complejidad, tales como las tallas famoso templo que adornan varios hindúes, jainistas y santuarios budistas. Algunos de ellos, como los templos de la cueva Ellora y Ajanta, Son ejemplos de arquitectura india excavado en la roca, Tal vez los regímenes más grande y ambicioso escultórico en el mundo.

Las esculturas de piedra arenisca rosada de Mathura evolucionó durante el Imperio Gupta período (siglo cuarto a sexto dC) para alcanzar una finura muy alto de ejecución y la delicadeza en el modelado. arte Gupta período posterior influiría en los estilos chinos durante la dinastía Sui y los estilos artísticos en el resto de Asia oriental. Más recientes esculturas en Afganistán, En estuco, esquisto o arcilla, exhibición mezcla muy fuerte del manierismo india post-Gupta y la influencia clásica. Los bronces de la célebre Chola dinastía (ca. 850–1.250) de sur de la India son de particular interés, la figura emblemática de la Nataraja siendo el ejemplo clásico. Las tradiciones de la escultura india continuará en los siglos 20 y 21 con, por ejemplo, el granito tallado de Mahabalipuram derivados de la Pallava dinastía. Contemporáneo de la escultura india suele polimorfa, sino que incluye personajes célebres, tales como Dhruva Mistry.

África sculturas africanas

El estilo, la clave de las características estéticas, materiales y técnicas utilizadas en la creación de una escultura refleja la región de donde es originario. Esculturas a menudo tienen funciones únicas que varían ampliamente de una región geográfica a otra.

En el oeste de África, los primeros esculturas más conocidas son de la cultura Nok de Nigeria, que data alrededor del 500 AC. Las cifras de esculturas de África occidental suelen tener cuerpos alargados, de formas angulares, y los rasgos faciales que representan un ideal más que un individuo. Estas cifras se utilizan en rituales religiosos. Están hechas para que las superficies que se han revestido con materiales que les impone para las ofrendas ceremoniales. En contraste con estas esculturas de África occidental son las de los pueblos Mande-hablando de la misma región. Las piezas Mande son de madera y tienen superficies grandes y planas. Sus brazos y las piernas tienen la forma de cilindros.

En África central, sin embargo, las principales características distintivas son caras en forma de corazón que se curvan hacia adentro y los patrones de visualización de círculos y puntos. Aunque algunos grupos prefieren más geométricas y angulares formas faciales, no todas las piezas son exactamente iguales, ni están hechos del mismo material. La materia prima es la madera, a pesar de marfil, hueso, piedra, arcilla, y el metal también se utilizan. La región del África central tiene muy llamativos estilos que son muy fáciles de identificar, lo que hace muy fácil la identificación regional. Africanos del Este no son conocidos por su escultura, pero, un tipo que se crea en esta área es esculturas polos, que son polos tallada en formas humanas, decorado con formas geométricas, mientras que las copas están tallados con figuras de animales, personas, y varios objetos. Estos polos son, pues, colocado junto a las tumbas y se asocian con la muerte y el mundo ancestral.

de barro más grande conocido del Sur de África fecha de figuras 400 a 600 dC, y tienen la cabeza cilíndrica. Estas figuras de arcilla tienen una mezcla de rasgos humanos y animales. Además de figuras de barro, también hay apoyos para la cabeza de madera que fueron enterrados con sus dueños. Los reposacabezas había estilos que van desde las formas geométricas a figuras de animales. Cada región tenía un estilo único y sentido a sus esculturas. El tipo de material y la finalidad para la creación de la escultura en África reflejan la región de la cual las piezas son creadas.

Egipto

La escultura monumental de Antiguo Egipto es mundialmente famosa, pero refinada y delicada pequeñas obras son también una característica. El antiguo arte de la escultura egipcia evolucionado para representar a los dioses del antiguo Egipto, y faraones, los reyes y reinas divina, en forma física. Muy estrictas convenciones fueron seguidos mientras elaboración estatuas: las estatuas masculinas eran más oscuras que el grupo femenino, en las estatuas sentado, las manos deben ser colocados en las rodillas y las normas específicas rigen aparición de todos los dioses egipcios. Las obras artísticas fueron clasificados de acuerdo con el exacto cumplimiento de todas las convenciones y los convenios fueron seguidos tan estrictamente que más de tres mil años, muy poco ha cambiado en el aspecto de las estatuas, excepto durante un breve período durante el gobierno de Akhenaton y Nefertiti en representación naturalista se animó.

Las Américas

Escultura en lo que hoy es América Latina se desarrolló en dos áreas separadas y distintas, Mesoamérica en el norte y Perú en el sur. En ambas áreas, la escultura fue inicialmente de piedra, y más tarde de terracota y el metal como las civilizaciones en estas zonas se hizo más conocimientos tecnológicos.[4] La región mesoamericana producido más escultura monumental, de las obras masivas de bloque como de la Olmeca y Tolteca culturas, a la soberbia de baja relieves que caracterizan la Maya y Azteca culturas. En la región andina, las esculturas fueron generalmente pequeños, pero a menudo muestran excelente habilidad.

En América del Norte, la madera fue esculpida para tótems, Máscaras, utensilios, Guerra canoas y una variedad de otros usos, con una variación distinta entre las diferentes culturas y regiones. Los estilos más desarrollados son los de la Costa del Pacífico del Noroeste, Donde un grupo de estilos formales elaboradas y estilizadas altamente desarrollados que forman la base de una gran tradición que está en un renacimiento en la actualidad (ver Bill Reid) Y se ha trasladado a otros medios tales como plata, oro y materiales modernos. La introducción de herramientas de metal introducido nuevas técnicas de talla, incluyendo el uso de un tipo negro de argilita, La pizarra también llamado negro, que es exclusivo para uso de artistas de la Haida personas. Miniatura tótem en argilita negro, desconocido escultor, UBC Museo de Antropología de la colección

Además de los tótems famosos, pintadas y talladas fachadas de las casas se complementaron con artículos de blogs tallada dentro y por fuera, así como figuras funerarias y otros objetos. Entre los Inuit del extremo norte, los estilos tradicionales de talla de marfil y piedra jabón se han ampliado a través del uso de herramientas modernas de energía en las nuevas orientaciones de la cultura inuit que, como es muy el arte de la Costa Noroeste, apreciado por los coleccionistas de arte por sus formas plásticas e innovador interpretación de la figura y la historia. La habitante-Tallada altar de Basílica de Notre-Dame (Montreal)

La llegada de la cultura europea católica adaptar fácilmente las competencias locales a la vigente Barroco estilo, produciendo enormemente elaborada retablos y otras esculturas en su mayoría de la iglesia en una variedad de estilos híbridos.[5] El más famoso de los ejemplos de este tipo en Canadá es el área del altar de la Basílica de Notre Dame en Montreal, Quebec, que fue tallada por los campesinos habitante los trabajadores. Más tarde, los artistas formados en la tradición académica occidental seguido estilos europeos hasta que en el siglo XIX se comenzó a dibujar de nuevo en las influencias indígenas, especialmente en el estilo barroco mexicano grotesco conocido como Churrigueresco. los pueblos indígenas también se adaptan la escultura de la iglesia en las variaciones en Carpintero gótico; Un ejemplo famoso es el Iglesia de la Santa Cruz en Skookumchuck Columbia Británica Hot Springs,. Frederic Remington, El Bronco Buster, Edición limitada # 17 del 20 de 1909.

La historia de la escultura en los Estados Unidos después de la llegada de los europeos refleja la fundación del siglo 18 del país en Romano los valores cívicos y republicanos El cristianismo protestante. En comparación con las zonas colonizadas por la escultura española, tuvo un comienzo muy lento en las colonias británicas, con cerca de ningún lugar en las iglesias, y se le dio sólo un impulso por la necesidad de afirmar la nacionalidad después de la independencia. escultura americana de mediados del siglo y finales de los 19 fue a menudo clásica, a menudo romántica, pero mostró una inclinación por una narración dramática, casi realismo periodístico. Los edificios públicos durante el último cuarto del siglo 19 y la primera mitad del siglo 20 a menudo proporcionan un marco arquitectónico para la escultura, especialmente en relieve. En la década de 1950, la educación escultura tradicional sería casi completamente reemplazada por un Bauhaus-Influenciado por la preocupación resumen diseño. Minimalista escultura sustituye la figura en lugares públicos y los arquitectos dejaron de usar casi en su totalidad o en la escultura en sus diseños. escultores modernos (siglo 21) el uso tanto de diseños inspirados en clásicos y abstractos. A partir de la década de 1980, hubo un giro hacia la escultura figurativa pública; para el año 2000, muchas de las nuevas obras públicas en los Estados Unidos eran figurativas en el diseño.

Europa

La primera escultura europea hasta la fecha representa a una mujer forma, Y se ha estimado en que data de hace 35.000 años. El descubrimiento en 2008 ha hecho que los expertos a revisar la historia del desarrollo del arte.

Griego-romano-clásico

Características únicas a la tradición clásica europea:

   1. cifras completo: con los jóvenes, atléticos hombres o con cuerpo desnudo femenino
   2. retratos: mostrar signos de la edad y el carácter fuerte
   3. el uso del traje clásico y los atributos de las deidades clásicas
   4. La preocupación por el naturalismo basado en la observación, a menudo a partir de modelos vivos.

Características que las acciones de la tradición clásica europea con muchos otros:

   1. personajes presentan una actitud de satisfacción distancia e interior
   2. detalles no perturbar el sentido del ritmo entre los volúmenes de sólidos y los espacios que los rodean
   3. piezas sensación sólida y más grande de lo que realmente son
   4. espacio ambiente se siente sagrada o atemporal

El tema de los desnudos

Una figura sin adornos en la escultura clásica griega era una referencia a la situación o el papel de la persona representada, la deidad u otro ser. Los atletas, las sacerdotisas y los dioses podían ser identificados por sus adornos o falta de ella.

La Renacimiento preocupación por la imaginería clásica griega, como el quinto siglo AC Doríforo de Policleto, Llevó a desnudos estatuas figurativas ser visto como la “forma perfecta” de la representación del cuerpo humano. Posteriormente, la desnudez de la escultura y la pintura ha representado a menudo una forma de ideal, ya sea la inocencia, la apertura o la pureza. esculturas de desnudos siguen siendo comunes. Como en la pintura, que se hacen a menudo como ejercicios en los esfuerzos por comprender la anatómicas estructura del cuerpo humano y desarrollar habilidades que le proporcionan una base para la fabricación de vestidos obra figurativa.

estatuas desnudas son por lo general ampliamente aceptado por muchas sociedades, en gran parte debido a la longitud de la tradición que apoya esta forma. En ocasiones, la forma desnuda señala objeciones, a menudo por grupos morales o religiosas. Ejemplos clásicos de esto son la eliminación de las partes de la escultura griega corresponde a los órganos genitales masculinos (en el Vaticano colección), y la adición de una hoja de parra para un molde de yeso de Miguel Ángel’S escultura del David de Reina Victoria’S visita a la Museo Británico. Antigua escultura griega. Una parte de los Frontón del Partenón, Que aparecen en el Museo Británico.

Gótico

escultura gótica evolucionó a partir del primer estilo rígido y alargado, aún en parte románico, en un espacio y naturalista sentir a finales del siglo 13 y principios del 12. Las estatuas de arquitectura en la occidental (Real) en el Portal Catedral de Chartres (C. 1145) son las primeras esculturas góticas y fueron una revolución en el estilo y el modelo para una generación de escultores. Antes de esto no ha habido tradición de escultura en Ile-de-France Tan? escultores fueron traídos de Borgoña. Catedral de Bamberg tuvo el mayor conjunto de escultura del siglo 13. En Inglaterra la escultura estaba más limitada a las tumbas y las decoraciones no figura. En Italia hay todavía una influencia clásica, pero gótico hecho incursiones en las esculturas de los púlpitos, como el púlpito del baptisterio de Pisa (1260) y el púlpito de Siena (1268). escultor holandés-borgoñón Claus Sluter y el gusto por el naturalismo marcó el comienzo del fin de la escultura gótica, evolucionando hacia el clasicista estilo renacentista a finales del siglo 15.

Renacimiento

Aunque el Renacimiento comenzó en diferentes momentos en diferentes partes de Europa (algunas áreas del arte creado ya en el estilo gótico que en otras áreas) la transición del gótico al Renacimiento en Italia fue señalado por una tendencia hacia el naturalismo con una inclinación de cabeza a la escultura clásica. Uno de los escultores más importantes del renacimiento clásico fue Donatello. El mayor logro de lo que los historiadores del arte se refieren como su período clásico es la estatua de bronce titulada David (No debe confundirse con el David de Michelangelo), que se encuentra actualmente en el Bargello en Florencia. En el momento de su creación, fue la primera estatua desnuda independiente desde la antigüedad. Concebido totalmente en la ronda e independiente de cualquier entorno arquitectónico, es generalmente considerada como la primera gran obra de la escultura renacentista. El movimiento afectó a todos los aspectos del arte, en todas partes de Italia, representada por la recuperación consciente de las fuentes arqueológicas de la antigua mesa de comedor, por el gran escultor Tullio Lombardo, Para el Roncade Castello di en el Véneto (la casa con el frontón primera independiente desde la antigüedad.)

Durante el Renacimiento principal, el tiempo de cerca de 1500 a 1520, Miguel Ángel fue un escultor activo con obras como David y el Piedad, Así como la Doni Virgen, Baco, Moisés, Raquel, Orgetorix, Y los miembros de la familia Medici. David de Miguel Ángel es posiblemente la escultura más famosa del mundo, que se dio a conocer el 8 de septiembre de 1504. Es un ejemplo de la contrapposto estilo de plantear la figura humana, que a su vez toma prestado de la escultura clásica. Miguel Ángel de David se diferencia de las representaciones anteriores de la materia en que David se muestra antes de su batalla con Goliat y no después de la derrota del gigante. En vez de ser mostrado la victoria sobre un enemigo mucho más grande que él, David se ve tensa y la batalla listo.

Manierista

Durante el período manierista, representaciones más abstractas fueron elogiados, (como la “Figura serpentinata” o “figura torcida”), dando más atención al color y la composición de lugar de representación realista de los sujetos en la pieza. Esto se ejemplifica en Giambologna’Secuestro s / Violación de las Sabinas, donde las cifras no están colocados de tal manera que es muy cómodo, e incluso humanamente posible, pero la posición y la emoción todavía encontrado. Otro ejemplo de la forma es Benvenuto Cellini’S 1540 sal bodega de oro y ébano, con Neptuno y Anfitrite (Tierra y agua) en forma alargada y posiciones incómodas (poco plausible plantea).

Barroco

En la escultura barroca, varias de las figuras asumido una nueva importancia, y no había un movimiento dinámico y la energía de las formas humanas, que en espiral alrededor de un vórtice central vacía, o hacia el exterior alcanzó en el espacio circundante. Por primera vez, la escultura barroca con frecuencia tenían múltiples ángulos de visión ideal. La característica de la escultura barroca añade elementos extra-escultórico, por ejemplo, de alumbrado oculto, o fuentes de agua. A menudo, los artistas barrocos fundidos escultura y la arquitectura pretende crear una experiencia transformadora para el espectador. Gian Lorenzo Bernini fue sin duda el escultor más importante de la época barroca. Sus obras se inspiran en la escultura helenística de la Antigua Grecia y Roma Imperial. Una de sus obras más famosas es El éxtasis de Santa Teresa (1647–1652).

Neo-clásica

El período neoclásico (c.1750–1850) fue una de las grandes épocas de la escultura pública, a pesar de sus “clásicos” prototipos fueron más propensos a ser copias romanas de esculturas helenísticas. En la escultura, los representantes más conocidos son el italiano Antonio Canova, El inglés John Flaxman y el danés Bertel Thorvaldsen. La manera neoclásica europea también se afianzó en los Estados Unidos, donde su máximo apogeo se produjo algo más tarde y se ejemplifica en las esculturas de Hiram Powers. [edición] Clasicismo moderno

Clasicismo moderno contrasta en muchos aspectos con la escultura clásica del siglo 19 que se caracterizó por los compromisos con el naturalismo (Antoine-Louis Barye) - Lo melodramático (François Rude) Sentimentalismo (Jean Baptiste Carpeaux) - O una especie de grandiosidad majestuosa (Lord Leighton). Varias direcciones diferentes en la tradición clásica se tomaron como el cambio de siglo, pero el estudio del modelo vivo y la tradición post-renacentista fue siendo fundamental para ellos. Rodin Los burgueses de Calais en Calais, Francia.

Auguste Rodin fue el escultor europeo más famoso del siglo 20. A menudo se le considera una escultura Impresionista, Al igual que sus alumnos Camille Claudel, Medardo Rosso, Paolo Troubetzkoy, Rik Wouters, Y Hugo Rheinhold, Tratando de modelo de un momento fugaz de la vida ordinaria. Fragmento de la tumba de Cipriano Kamil Norwid en la cripta de los bardos en La catedral del Wawel, Cracovia por el escultor Czeslaw Dźwigaj

Clasicismo moderno mostró un interés menor en el naturalismo y un mayor interés en la estilización formal. Se prestó mayor atención a los ritmos de los volúmenes y espacios - así como una mayor atención a las cualidades de contraste de la superficie (abierta, cerrada, plana, etc roto), mientras que menos se prestó atención a la narración de historias y convencer a los detalles de la anatomía o de vestuario . Se prestó mayor atención a los efectos psicológicos que al realismo físico. Se prestó mayor atención a mostrar lo que era eterna y el público, en lugar de lo que fue momentánea y privadas. Se prestó mayor atención a los ejemplos de arte sacro antiguo y medieval: Egipto, Oriente Medio, Asia, África, y Meso-americano. Grandiosidad era todavía una preocupación, pero en un más amplio, el contexto más en todo el mundo. Escultura de la Edad de los Descubrimientos y Portugués navegantes en De Lisboa, Portugal

Los primeros maestros del clasicismo moderno incluye: Aristide Maillol, Alexander Matveyev, José Bernard, Antoine Bourdelle, Georg Kolbe, Libero Andreotti, Gustav Vigeland, Jan Stursa, Constantin Brancusi.

Como avanzaba el siglo, el clasicismo moderno fue adoptado como el estilo nacional de los dos grandes imperios totalitarios europeos: Alemania nazi y la Rusia soviética, que co-optado por el trabajo de artistas anteriores como Kolbe y Wilhelm Lehmbruck en Alemania [6] Matveyev y en Rusia. La Alemania nazi había un niño de 12 años de ejecución, pero sobre los 70 años de la URSS, las nuevas generaciones de escultores fueron entrenados y escogidos dentro de su sistema, y un estilo distinto, realismo socialista, Desarrollado, que regresó a la insistencia del siglo 19 en el melodrama y el naturalismo.

formación clásica fue erradicado de la educación artística en el oeste de Europa (y América) en 1970 y las variantes clásicas del siglo 20 fueron marginados en la historia del modernismo. Sin embargo, el clasicismo se mantuvo como el fundamento de la educación artística en las academias soviéticas hasta 1990, proporcionando una base para el arte figurativo expresiva a través de Europa Oriental y algunas partes de Oriente Medio. Para el año 2000, la tradición clásica europea mantiene un gran atractivo para los espectadores - en especial los turistas - y en especial para la antigua, renacentista, barroco, y los períodos del siglo 19, pero espera una tradición educativa de revivir su desarrollo contemporáneo.

En el resto de Europa, y el De los Estados Unidos la moderna o clásica se convirtió en más decorativo / art deco (Paul Manship, José de Creeft, Carl Milles) O más abstractamente estilizados o más expresivo (y gótica) (Anton Hanak, Wilhelm Lehmbruck, Ernst Barlach, Arturo Martini) - O se convierte más en el Renacimiento (Giacomo Manzù, Venanzo Crocetti) O se mantuvo igual (Charles Despiau, Marcel Gimond).

Modernismo

movimientos modernistas escultura incluyen Cubismo, La abstracción geométrica, De Stijl, Suprematismo, Constructivismo, Dadaísmo, Surrealismo, Futurismo, Formalismo Expresionismo abstracto, Pop-Art, Minimalismo, Land Art, Y Instalación de arte entre otros. David Smith, CUBI VI, (1963), Museo de Israel, Jerusalén.

En los primeros días del siglo 20 Pablo Picasso revolucionó el arte de la escultura, cuando comenzó a crear sus construcciones formado mediante la combinación de diferentes objetos y materiales en una sola pieza construida de la escultura, - por otra parte. Picasso reinventó el arte de la escultura con su uso innovador de la construcción de una obra en tres dimensiones con material dispares. Así como el collage es un acontecimiento radical en dos dimensiones del arte, de modo que se construcción un desarrollo radical de una escultura. El advenimiento de la Surrealismo conducir a las cosas de vez en cuando se describe como “escultura” que no hubiera sido tan previamente, como “escultura involuntario” en varios sentidos, incluyendo coulage. En los últimos años Pablo Picasso se convirtió en un prolífico ceramista y Potter, Revolucionando la forma en El arte de cerámica se percibe. George E. Ohr y los escultores más contemporáneos como Pedro Voulkos, Kenneth Precio, Robert Arneson, Y George Segal y otros han utilizado con eficacia la cerámica como un medio importante integrante de su trabajo.

Del mismo modo, el trabajo de Constantin Brancusi a principios del siglo allanó el camino para la escultura más abstracta. En rebelión contra el naturalismo de Rodin y sus contemporáneos de finales del siglo 19, Brancusi destilada temas hasta sus esencias como lo demuestra su Pájaro en el espacio (1924) la serie. Estas formas con elegancia refinada se convirtió en sinónimo de la escultura del siglo 20.[7] En 1927, Brancusi ganó una demanda contra las autoridades aduaneras de EE.UU. que intentaron valor de su escultura en metal en bruto. La demanda llevó a los cambios jurídicos que permitan la importación de arte abstracto, libres de derechos.[8]

impacto de Brancusi, con su vocabulario de la reducción y la abstracción, es visto a través de los años 1930 y 1940, y ejemplificado por artistas como Gaston Lachaise, Sir Jacob Epstein, Henry Moore, Alberto Giacometti, Joan Miró, Julio González, Pablo Serrano, Jacques Lipchitz [9] y más tarde en el siglo por Carl Andre y Juan Segura agregó que el movimiento y la monumentalidad con el tema de la pureza de la línea.[10] Henry Moore, Figura reclinada, 1951, Museo Fitzwilliam, de Cambridge

Desde la década de 1950 Modernista tendencias de la escultura abstracta y figurativa han dominado la imaginación del público y la popularidad de la escultura modernista había marginado del enfoque tradicional. Picasso fue el encargado de hacer una maqueta para una enorme de 50 pies (15 m) de altura escultura pública que se construirá en Chicago, Conocido generalmente como el Chicago Picasso. Se acercó al proyecto con un gran entusiasmo, el diseño de una escultura que fue un tanto ambigua y polémica. ¿Qué representa la figura no se conoce, sino que podría ser un pájaro, un caballo, una mujer o una forma totalmente abstracta. La escultura, uno de los hitos más reconocibles en el centro de Chicago, se dio a conocer en 1967. Picasso se negó a pagar 100.000 dólares por ella, donando a la gente de la ciudad.

Durante la década de 1950 y la década de 1960 escultores abstractos comenzó a experimentar con una amplia gama de nuevos materiales y diferentes enfoques para la creación de su trabajo. imágenes surrealistas, la abstracción antropomórfica, nuevos materiales y combinaciones de fuentes de energía nuevas y variadas superficies y los objetos se convirtió en característica de la escultura modernista mucho nuevo. Los proyectos de colaboración con los diseñadores de paisaje, arquitectos, arquitectos paisajistas y amplió la zona exterior y la integración contextual.

Artistas como Isamu Noguchi, David Smith, Alexander Calder, Jean Tinguely, Richard Lippold, George Rickey, Louise Bourgeois y Louise Nevelson llegó a caracterizar el aspecto de la escultura moderna., y el Minimalista obras de Tony Smith, Robert Morris, Donald Judd, Larry Bell, Anne Truitt, Giacomo Benevelli, Arnaldo Pomodoro, Richard Serra, Dan Flavin y otros llevaron la escultura contemporánea resumen en nuevas direcciones.

En la década de 1960 Expresionismo abstracto, La abstracción geométrica y Minimalismo predominaban. Algunas obras de este período son: la Cubi obras de David Smith, Y el acero soldado obras de Sir Anthony Caro, El trabajo a gran escala de John Chamberlain, Y la escala de instalación del medio ambiente por las obras Mark di Suvero.

Durante los años 1960 y 1970 la escultura figurativa de artistas modernistas en las formas estilizadas de artistas como: Leonard Baskin, Ernest Trova, Marisol Escobar, Paul Thek y Manuel Neri llegó a ser popular. En la década de 1980 varios artistas, entre otros, la exploración de la escultura figurativa se Robert Graham en un estilo clásico articulado, y Fernando Botero llevar a su pintura “figuras de gran tamaño ‘en esculturas monumentales.

Minimalismo

Sitio Específico movimiento

Sitio específico y arte ambiental obras están representadas por los artistas: Donald Judd, Richard Serra, Robert Irwin, George Rickey, Y Christo y Jeanne-Claude llevó la escultura contemporánea resumen en nuevas direcciones. Artistas creados escultura ambiental en los sitios de expansión en el ‘land art en el oeste americano«Grupo de proyectos. Estos tierra de arte escultura o “arte de la tierra ‘escala del medio ambiente obras ejemplificado por artistas como Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell (Roden Crater) Y otros

La tierra de arte (Arte de la tierra) la escultura a escala del medio ambiente por las obras Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell y otros Spiral Jetty por Robert Smithson desde lo alto de Rozel Point, a mediados de abril de 2005

Postminimalismo

Artistas de Bollinger proyecto de ley, Eva Hesse, Sol Le Witt?, Winsor Jackie, Keith Sonnier, Bruce Nauman, Y Lucas Samaras, Entre otros fueron los pioneros de Postminimalista sculpture.The más tarde las obras de Robert Graham siguió evolucionando, a menudo en el arte público configuración, en el siglo 21.

También durante los años 1960 y 1970, artistas tan diversos como Stephen Antonakis, Chryssa, Walter De Maria, Dan Flavin, Robert Smithson, Robert Irwin, Claes Oldenburg, George Segal, Edward Kienholz, Duane Hanson, Y John De Andrea? explorar las imágenes de la abstracción y la figuración a través de Luz escultura, Land Art, Y instalación de arte de nuevas maneras.

Readymade

El término se encuentran el arte - más comúnmente objeto encontrado (en francés objet trouvé) o el ready-made - describe el arte creado a partir de la no disimulada, pero modificado a menudo, el uso de objetos que normalmente no se consideran arte, a menudo porque ya tienen una función mundana y utilitaria. Marcel Duchamp fue el creador de este a principios del siglo 20 con piezas como Fuente.

preocupación Krauss fue la creación de una explicación teórica adecuada que cabe en la evolución de Land Art, Escultura minimalista, Y arte en sitios específicos en la categoría de escultura. Para ello, su explicación creado una serie de oposiciones en torno a la relación de la obra a su entorno.

Algunas formas de la escultura moderna son practicados al aire libre, como Ambiental de arte y Ambiental esculturaY, a menudo a la vista de los espectadores, dándoles así parentesco con performance a los ojos de algunos. Esculturas de hielo es una forma de la escultura de hielo que utiliza como materia prima. Es popular en China, Japón, Canadá, Suecia y Rusia. esculturas de hielo función decorativa en algunas cocinas, especialmente en Asia. Esculturas cinéticas son esculturas que se han diseñado para moverse, que incluyen Móviles. Esculturas de nieve suelen ser tallada en un solo bloque de nieve de unos 6 a 15 pies (4,6 m) a cada lado y un peso de cerca de 20 - 30 toneladas. La nieve es densa en una forma después de haber sido producidos por medios artificiales o recogidos de la tierra después de una nevada. esculturas de sonido adoptar la forma de instalaciones de sonido en interiores, instalaciones al aire libre, tales como arpas eólicas, autómatas, o ser más o menos cerca de los instrumentos musicales convencionales. escultura de sonido es a menudo de sitio específico. Un Castillos de arena puede ser considerada como una escultura de arena. Sin peso Escultura (En el espacio exterior) como un concepto creado en 1985 por el artista holandés Martin Sjardijn. Lego escultura de ladrillo implica el uso común de piezas de Lego para construir esculturas realistas o artísticas, utilizando a veces cientos de miles de ladrillos. Arte juguetes se han convertido en otro formato para los artistas contemporáneos desde finales de 1990, tales como los producidos por Takashi Murakami y Kid Robot, Diseñado por Michael Lau, O hechos a mano por Michael Leavitt (artista).[11]

Situación social

A nivel mundial, escultores han sido por lo general los comerciantes cuyo trabajo no está firmado. Pero en el mundo clásico, Muchos Griego Antiguo escultores como Fidias comenzó a recibir reconocimiento individual en la Atenas de Pericles, y se hizo famoso y rico, presumiblemente. En el Edad Media, Artistas como el siglo 12 Gislebertus en ocasiones firmó su trabajo, y fueron buscados por diferentes ciudades, especialmente desde el Trecento en adelante en Italia, con figuras como Arnolfo di Cambio, Nicola Pisano y su hijo Giovanni. Muchos escultores también se practica en otras artes, a veces la pintura, como Andrea del Verrocchio O? arquitectura, Al igual que Giovanni Pisano, Miguel Ángel, o Jacopo Sansovino, Y mantiene grandes talleres.

Desde el Alto Renacimiento artistas como Miguel Ángel, Leone Leoni y Giambologna podría llegar a ser ricos, y ennoblecido, y entrar en el círculo de los príncipes. Mucho escultura decorativa en edificios sigue siendo un comercio, pero escultores producir piezas individuales fueron reconocidos en un nivel con los pintores. Al menos desde el siglo 18, la escultura también atrajo a estudiantes de clase media, aunque fue más lento para hacerlo que la pintura. Igualmente escultores mujeres tomaron más tiempo en aparecer que los pintores de las mujeres, y por lo general han sido menos importantes hasta el siglo 20 por lo menos.

Técnicas Talla de piedra

Talla de piedra es una actividad antigua donde las piezas de diamantes en bruto naturales piedra se forman por la retirada controlada de piedra. Debido a la permanencia de la materiales, La evidencia se puede encontrar que incluso las primeras sociedades entregado a alguna forma de trabajo de la piedra. Petroglifos (También llamados grabados rupestres) son quizás la forma más antigua: imágenes creado por la eliminación de parte de un rock superficie que se mantiene in situ, Mediante la incisión, el picoteo, la talla, y abrasión. la escultura monumental cubre grandes obras, y la escultura arquitectónica, que se une a los edificios. Hardstone talla es la talla para los propósitos artísticos de semi-preciosas piedras como jade, ágata, ónix, cristal de roca, ADRS o cornalina, Y un término general para un objeto hecho de esta manera. Grabado gemas son pequeñas gemas talladas, incluyendo camafeos, Originalmente utilizado como Juntas. [edición] Escultura de bronce

Bronce es el metal más popular para Reparto de metal esculturas; Un elenco escultura de bronce a menudo se llama simplemente un “bronce”. aleaciones comunes de bronce tienen la característica inusual y conveniente de ampliar un poco justo antes de que se impuso, llenando así los detalles más finos de un molde. Su fuerza y la falta de fragilidad (ductilidad) es una ventaja cuando las cifras en la acción se van a crear, especialmente en comparación con varios cerámica o materiales de piedra (ver escultura de mármol para varios ejemplos). [edición] Talla de madera Arnold Landor salvaje Henry, Realización de la escultura en Tíbet, 1905

Talla de madera es una forma de trabajar la madera por medio de una herramienta de corte en la mano (esto puede ser una herramienta eléctrica), lo que resulta en una figura de madera o figura (esto puede ser resumen en la naturaleza) o en la ornamentación escultórica de un objeto de madera.

Fundición

Fundición es un proceso de fabricación mediante el cual es (normalmente) un material líquido se vierte en un molde, que contiene una cavidad hueca de la forma deseada, y luego se deja solidificar. El bastidor sólido se expulsa o se rompe a cabo para completar el proceso.[12] Casting puede ser utilizado para formar metales líquidos calientes o materiales diversos que establecidos en frío después de la mezcla de los componentes (tales como epóxidos, concretas, yeso y arcilla). Casting es la más utilizada para la fabricación de formas complejas que de otro modo sería difícil o poco rentable para hacer por otros métodos.

Casting es un proceso de 6.000 años. El casting más antiguo es una rana de cobre de 3200 antes de Cristo.[13] El proceso de casting se divide en dos grupos distintos: el moldeado fungibles y no fungibles. Contaminación - daños visibles por lluvia ácida

Conservación

Esculturas son sensibles a las condiciones ambientales, tales como la temperatura, humedad y la exposición a la luz y la luz ultravioleta. Lluvia ácida También puede causar daño a ciertos materiales de construcción y los monumentos históricos. Esto se produce cuando el ácido sulfúrico bajo la lluvia reacciona químicamente con los compuestos de calcio en las piedras (piedra caliza, arenisca, mármol y granito) para crear yeso, Que luego se descama.

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Sculpture. (2010, December 12). In Wikipedia, The Free Encyclopedia. Retrieved 03:51, December 14, 2010, from http://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Sculpture&oldid=401932607


Descripción de obras escultóricas

Se llama escultura al arte de moldear el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales, figuras en volumen. Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado, y a veces el arte de la alfarería.

Desde los tiempos más remotos el hombre ha tenido la necesidad y la oportunidad de esculpir. Al principio lo hacían con los materiales más simples y que estaban a la mano: barro y madera. Después fueron empleándose la piedra, los metales y todos los demás que pueden verse en la sección “Materiales y técnicas tradicionales” y en “Materiales y técnicas de los tiempos.

A lo largo de la mayor parte de la historia de la humanidad, la mayoría de personas eran iletradas, y la escultura cumplió también una función didáctica o pedagógica, para explicar al pueblo determinados acontecimientos o conceptos. Así, en la Edad Media, en la época del arte románico, es frecuente referirse a los relieves de los tímpanos de las portadas como «catecismos pétreos» o «biblias en piedra», ejecutados para ilustrar a la población analfabeta.

La función ornamental puede estar ligada a alguna de las otras funciones, aunque a veces puede ser el objetivo principal, como ocurre con la decoración vegetal o la geométrica. En los estilos anicónicos, como el islámico o el hebreo, cumple un papel fundamental. También en gran medida la escultura del siglo XX, sobre todo la abstracta, cumple principalmente esta función.

Los antiguos griegos y romanos plasmaron en sus estatuas su concepción de ‘belleza ideal’, aunque la escultura como obra de arte, con valor propio, es un concepto moderno.

La escultura se divide en dos grandes ramas, la estatuaria y la escultura ornamental, según que represente la forma humana y exprese las concepciones suprasensibles del hombre o se ocupe en reproducir artísticamente los demás seres de la naturaleza, animales o vegetales. La primera lleva con propiedad el nombre de escultura y tiene un ideal propio, desempeñando la segunda un papel secundario al servir de auxiliar a la primera y a la Arquitectura.

La estatuaria a su vez comprende varios tipos: de bulto redondo y de relieve.

Escultura. (2008, 22) de agosto. Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de consulta: 02:38, agosto 23, 2008 from http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Escultura&oldid=19619928.


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