El Rock Y La Juventud

El Rock Y La Juventud

Música rock

Música rock es un género de la música popular que se desarrolló durante y después de la década de 1960, en particular en el Reino Unido y los Estados Unidos. Tiene sus raíces en la década de 1940 y 1950 rock and roll, Sí en gran medida influenciado por el rhythm and blues y música country. La música rock también se basó mucho en una serie de otros géneros como el blues y popular, Y las influencias de incorporarse jazz, clásica y las fuentes musicales.

Musicalmente, el rock se ha centrado en la guitarra eléctrica, Por lo general como parte de un grupo de rock con guitarra bajo y tambores. Por lo general, el rock es la música de canciones con un ritmo basado en 4.4 utilizando un verso-estribillo forma, Pero el género se ha convertido en muy diversos y comunes características musicales son difíciles de definir. Al igual que música pop, Letras a menudo el estrés amor romántico, sino también frente a una amplia variedad de otros temas que son frecuentemente sociales o políticos en el énfasis. El predominio de la roca por músicos blancos, hombres ha sido visto como uno de los factores clave que definen los temas explorados en la música rock. Rock pone un mayor grado de énfasis en la musicalidad, actuaciones en vivo, y una ideología de la autenticidad de la música pop.

A finales de 1960 una serie de distintos sub-géneros de la música rock había surgido, incluidos los híbridos como folk rock, blues-rock, Country Rock y jazz-rock fusión, Muchos de los cuales han contribuido al desarrollo de rock psicodélico influenciado por la contra-cultural escena psicodélica. nuevos géneros que surgieron de esta escena incluido rock progresivo, Que amplió los elementos artísticos; glam rock, Que destacó el talento para el espectáculo y el estilo visual y las diversas y perdurables principales sub-género de metales pesados, Que hace hincapié en el volumen, potencia y velocidad. En la segunda mitad de la década de 1970, punk rock intensificará y reaccionó en contra de algunas de estas tendencias para producir una forma cruda, energía de la música se caracteriza por la abierta crítica política y social. Punk fue una influencia en la década de 1980 en el desarrollo posterior de otros sub-géneros, incluyendo Nueva Ola, post punk y, finalmente, la rock alternativo movimiento. Desde el rock alternativo década de 1990 comenzó a dominar la música rock e introducirse dentro de la corriente principal en forma de grunge, Britpop, Y indie rock. Además sub-géneros de fusión han surgido desde entonces, incluyendo pop punk, rap rock, Y rap metal, Así como intentos conscientes de revisar la historia del rock, incluyendo el garage rock/post punk revival al comienzo del nuevo milenio.

La música rock también ha incorporado y sirve como vehículo para los movimientos culturales y sociales, lo que lleva a las principales sub-culturas, incluyendo mods y rockeros en el Reino Unido y el “hippie”Contracultura que se extienden desde San Francisco en los EE.UU. en la década de 1960. Del mismo modo, 1970 punk, la cultura dio lugar a la visual distintivo godo y emo subculturas. La herencia de la tradición popular de la canción protesta, La música rock se ha relacionado con el activismo político, así como los cambios en las actitudes sociales de raza, sexo y drogas, y es a menudo visto como una expresión de la rebelión juvenil contra los adultos consumismo y la conformidad.

Características

Red Hot Chili Peppers en 2006, mostrando un cartel cuarteto para una banda de rock de un vocalista, guitarrista, bajista y baterista

El sonido del rock es tradicionalmente centrada en el guitarra eléctrica, Que surgió en su forma moderna en la década de 1950 con la popularización del rock and roll.[1] El sonido de la guitarra eléctrica en la música rock es típicamente el apoyo de la eléctrica guitarra bajo pionero en la música de jazz en la misma época,[2] y percusión producidos a partir de una kit de batería que combina los tambores y platillos.[3] Este trío de instrumentos a menudo se ha complementado con la inclusión de otros, particularmente los teclados como el piano, Órgano Hammond y sintetizadores.[4] Un grupo de músicos de rock que se llama una La banda de rock o grupo de rock y por lo general consiste de dos a cinco miembros. Clásicamente, una banda de rock toma la forma de un cuarteto cuyos miembros cubren una o varias funciones, incluyendo vocalista, guitarrista, el guitarrista, bajista, baterista y, ocasionalmente, la de teclista u otros instrumentalista.[5]

La música rock es tradicionalmente construida sobre una base de simples ritmos unsyncopated en un 4.4 metro, Con un lazo repetitivo del tambor nuevo golpe en los tiempos dos y cuatro.[6] Las melodías son a menudo derivados de mayores modos musicales, Incluido el Dorian y Mixolydian, Así como principales y menores modos. Armonías van desde la común tríada hasta el paralelo cuartos y quintas partes y progresiones armónicas disonantes.[6] canciones de rock de mediados de los años 1960 a menudo se utiliza la verso-estribillo estructura derivados de blues y música popular, pero no ha habido una considerable variación de este modelo.[7] Los críticos han subrayado el eclecticismo y la diversidad estilística de la roca.[8] Debido a su compleja historia y tendencia a pedir prestado a otras formas musicales y culturales, se ha argumentado que “es imposible a la música rock se unen a una definición estrictamente delimitadas musical”.[9]

A diferencia de muchos estilos anteriores de la música popular, canciones de rock se han ocupado de una amplia gama de temas adicionales en el amor romántico, incluyendo el sexo, la rebelión contra el establecimiento, las preocupaciones sociales y estilos de vida.[6] Estos temas fueron heredados de una variedad de fuentes, incluyendo el Estaño Callejón Pan tradición pop, música folk y el rhythm and blues.[10] El predominio de músicos de clase blancos, hombres y medio a menudo en la música rock ha observado a menudo[11] y el rock ha sido visto como una apropiación de negro formas musicales para un público masculino joven, blanca y grande.[12] Como resultado se ha visto como la articulación de las preocupaciones de este grupo, tanto en estilo y letras.[13]

Desde la roca término comenzó a usarse en lugar de rock and roll de mediados de 1960, ha sido a menudo contrasta con la música pop, con la que ha compartido muchas características, pero de la cual es a menudo distanciados por un énfasis en la maestría musical, en vivo desempeño y un enfoque en temas serios y progresistas en el marco de una ideología de la autenticidad que se combina frecuentemente con la conciencia de la historia del género y el desarrollo.[14] De acuerdo con Simon Frith “El rock era algo más que pop, algo más de rock and roll. Músicos de rock combinado énfasis en la habilidad y técnica con el concepto romántico del arte como la expresión artística, original y sincero”.[14] En el nuevo milenio el término rock A veces se ha utilizado como manta plazo formas, incluyendo como música pop, música reggae, la música soul, E incluso hip hop, Con el que se ha visto influido, pero en contraste a menudo a través de gran parte de su historia.[15] De fondo (1960-principios de 1950) Rock and roll Artículo principal: Rock and roll Ver también: Orígenes del rock and rolly Rockabilly A black and white photograph of Elvis Presley standing between two sets of bars Elvis Presley en un tiro de promoción de los Jailhouse Rock en 1957

Los fundamentos de la música rock en el rock and roll, que se originó en los Estados Unidos durante la década de 1940 y principios de 1950, y rápidamente se extendió a gran parte del resto del mundo. Su origen inmediato radica en una mezcla de varias juntas negro musicales géneros de la época, incluyendo el rhythm and blues y música gospel, Con country y western.[16] En 1951, Cleveland, Ohio disk jockey Alan Freed comenzó el ritmo de juego y la música blues para un público multirracial, y se acredita con el primer uso de la frase “rock and roll” para describir la música.[17]

El debate que rodea registro debe ser considerado como el primera piedra y el registro del rodillo. Un candidato es “Rocket 88″Por Jackie Brenston y su Delta Cats (de hecho, Ike Turner y su banda The Kings of Rhythm), grabado por Sam Phillips de Sun Records en el año 1951.[18] Cuatro años más tarde, Bill Haley’S “Rock Around the Clock”(1955) se convirtió en la primera piedra y la canción rollo al principio Billboard , las más importantes revistas y listas de éxitos, y abrió la puerta en todo el mundo para esta nueva ola de la cultura popular.[19]

Se ha argumentado que “Está bien (Mama)” (1954), Elvis Presley’S el primer single para el sello Sun en Memphis, Fue la primera piedra y el registro del rodillo,[20] pero, al mismo tiempo, Big Joe Turner’S “Shake, Rattle & Roll”, Más tarde cubiertos por Haley, ya estaba en la parte superior de la Billboard de R & B charts. Otros artistas de rock and roll éxitos incluidos Chuck Berry, Bo Diddley, Fats Domino, Little Richard, Jerry Lee Lewis, Y Gene Vincent.[18] Al poco de rock and roll fue la fuerza principal en ventas de discos de América y crooners, Tales como Eddie Fisher, Perry Como, Y Patti Page, Que había dominado la década anterior de la música popular, que se encuentra el acceso a las listas de éxitos reducido considerablemente.[21]

El rock and roll se ha visto que conduce a una serie de distintos sub-géneros, incluyendo rockabilly, que combina el rock and roll con la música “hillbilly” país, que se jugó por lo general y registró a mediados de la década de 1950 por cantantes blancos como Carl Perkins, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly y con el mayor éxito comercial, Elvis Presley.[22] Por el contrario Doo wop hizo hincapié en varias partes armonías vocales y letras sin sentido de acompañamiento (de la que el género más tarde obtuvo su nombre), que contaron con el apoyo general, con la instrumentación de luz y tuvo sus orígenes en la década de 1930 y 40 africanos grupos vocales de América.[23] Actúa como Los Cuervos, Los pingüinos, Los Dorados y Los turbantes todos los resultados obtuvo importantes, y grupos como The Platters, Con canciones como “The Great Pretender”(1955), y The Coasters con canciones humorísticas como “Yakety Yak”(1958), clasificada entre las rocas de mayor éxito y los actos roll de la época.[24] La época también vio el crecimiento de la popularidad de la guitarra eléctrica, Y el desarrollo de una roca en particular y el estilo rollo de jugar a través de exponentes tales como Chuck Berry, Link Wray, Y Scotty Moore.[25]

En el Reino Unido, el jazz tradicional y popular movimientos trajo de visita blues artistas a Gran Bretaña.[26] Lonnie Donegan’S 1.955 éxito “Rock Línea de la isla”Fue una gran influencia y contribuyó a desarrollar la tendencia de música skiffle grupos en todo el país, muchos de los cuales, incluyendo John Lennon’S The Quarrymen, Pasó a tocar rock and roll.[27]

Los comentaristas tradicionalmente han percibido una disminución del rock and roll a finales de 1950 y comienzos de 1960. En 1959, la muerte de Buddy Holly, The Big Bopper y Richie Valens en un accidente aéreo, la salida de Elvis para el ejército, el retiro de Little Richard a convertirse en un predicador, el procesamiento de Jerry Lee Lewis y Chuck Berry y la ruptura de la soborno escándalo (que implicaban grandes figuras, incluyendo a Alan Freed, el soborno y la corrupción en la promoción de los actos individuales o canciones), dio la sensación de que la roca inicial y era rollo había llegado a su fin.[18] El “entre años” Artículo principal: Rock and roll Ver también: Doo Wop, británico de rock and roll, Y Soul A color photograph of Chubby Checker standing with a microphone Chubby Checker en el 2005

El período de la década de 1960 después de 1950 y principios, entre el final del período inicial de la innovación y lo que se conoce en los EE.UU. como el “Invasión Británica”, Se ha considerado tradicionalmente como una época de pausa para el rock and roll. Más recientemente, algunos autores han hecho hincapié en las innovaciones y tendencias importantes en este período sin que la futura evolución no hubiera sido posible.[28][29] Mientras el rock and roll, en particular a través de la llegada de rockabilly, vio el mayor éxito comercial de los artistas intérpretes masculinos y negro, en esta época el género estaba dominado por artistas de negro y mujeres. El rock and roll no había desaparecido a finales de la década de 1950 y parte de su energía se puede ver en el Twist baile de moda de los años 60, principalmente en beneficio de la carrera de Chubby Checker.[29] Habiendo muerto en la década de 1950, doo wop disfrutado de un renacimiento en el mismo período, con éxitos como de los actos El Marcels, Los Piratas, Maurice Williams y Shep y las candilejas.[24] El aumento de la grupos de chicas como El Chantels, Los Playeros y Los Cristales hizo hincapié en las armonías y la producción pulida que estaba en contraste con la roca antes and roll.[30] Algunos de los éxitos del grupo más importante niña eran producto de la Brill Building Sonido, el nombre del bloque en Nueva York, donde muchos compositores se basaron, que incluía el número 1 golpeó la Shirelles “¿Me amarás mañana”En 1960, escrito por la asociación de Gerry Goffin y Carole King.[31]

Cliff Richard tuvo la primera británico de rock and roll éxito con “Move It”, Marcando el comienzo de manera efectiva el ruido de rock británico.[32] Al comienzo de la década de 1960, su grupo de apoyo The Shadows fue el grupo más exitoso instrumentales de grabación.[33] Si bien el rock ‘n’ roll se desvanecía en el pop ligero y baladas, British grupos de rock en clubes y bailes locales, fuertemente influenciado por los pioneros del blues-rock como Alexis Korner, Estaban empezando a jugar con una intensidad y una unidad rara vez se encuentran en blanco actúa de América.[34]

También fue importante la llegada de la música soul como una fuerza comercial importante. En desarrollo fuera de ritmo y blues con una nueva inyección de la música gospel y pop, liderado por pioneros como Ray Charles y Sam Cooke desde mediados de la década de 1950, a principios de los años 60 figuras como Marvin Gaye, James Brown, Aretha Franklin, Curtis Mayfield y Stevie Wonder dominaban el R & B charts y abriéndose paso en las listas de éxitos principales, ayudando a acelerar su eliminación de la segregación, mientras que Motown y Stax / Volt Los registros fueron convirtiendo en las principales fuerzas en la industria discográfica.[35] Todos estos elementos, incluyendo las armonías cierre de doo wop y los grupos de chicas, el cuidadosamente escribir canciones del Brill Building de sonido y los valores de producción pulida del alma, han sido vistos como influyen en la Merseybeat sonido, sobre todo los primeros trabajos de The Beatles, Ya través de ellos la forma de la música rock más tarde.[36] Algunos historiadores de la música también han señalado a los avances técnicos importantes e innovadores que construyó en el rock and roll en este período, incluyendo el tratamiento electrónico del sonido por los innovadores, tales como Joe Meek, Y los métodos de producción elaborada de la Wall of Sound perseguido por Phil Spector.[29] Navegar por la música Artículo principal: Navegar por la música

El rock instrumental y rodar por primera vez por artistas como Duane Eddy, Link Wray, y The Ventures fue desarrollado por Dick Dale quien agregó distintivo “mojado” reverberación, Recogiendo una rápida alternativa, así como de Oriente Medio y las influencias de México, que produce el golpe regionales “Let’s Go Trippin “En 1961 y el lanzamiento de la locura de la música surf. Al igual que Dale y su Del-Tonos, Bandas de surf más temprano se formaron en el sur de California, incluyendo el Bel-Airs, La Challengers, Y Eddie & The Showmen la.[37] El Chantays obtuvo un éxito superior a diez nacionales “Tubería”En 1963 y probablemente la mejor canción de surf conocida fue de 1.963″Limpie fuera”, Por el Surfaris, Que alcanzó el número 2 y número 10 en las listas de Billboard en 1965.[38]

La creciente popularidad del género dirigido grupos de otras zonas para intentar su mano. Estos incluyen Los astronautas, A partir de Boulder, Colorado, The Trashmen, A partir de Minneapolis, Minnesota, Que había un número de 4 con el sencillo “Surfin Bird” en 1964 y La Riviera de South Bend, Indiana, Que alcanzó el número 5 en 1964 con “California Sun”.[39] El Atlantic, A partir de Sydney, Australia, Hizo una importante contribución al género, con su éxito “Bombora” (1963).[39] Europea bandas instrumentales en esta época por lo general se centró más en la roca y el estilo más papel desempeñado por las sombras, pero Las Dakotas, Que fueron la banda de apoyo para la cantante británica Merseybeat Billy J. Kramer, Ha recibido atención como músicos de surf con “Cruel Sea” (1963), que fue cubierto posteriormente por American bandas de surf instrumental, incluyendo The Ventures.[40]

música surf alcanzó su mayor éxito comercial como la música vocal, en particular la labor de la The Beach Boys, Formada en 1961 en el sur de California. Sus primeros álbumes incluye tanto surf rock instrumental (entre ellos covers de música de Dick Dale) y canciones vocales, sobre la base de rock and roll y Doo wop y las armonías cierre de los actos vocal pop como el Cuatro estudiantes de primer año.[39] Su primer cuadro éxito “Surfin ‘“En 1962 alcanzó el Billboard Top 100 y ayudó a hacer la locura de la música surf en un fenómeno nacional.[41] Desde 1963 el grupo comenzó a salir de detrás de surf como tema como Brian Wilson se convirtió en su principal compositor y productor, pasando por los temas más generales de la adolescencia masculina, incluidos los automóviles y una niña en canciones como “Fun, Fun, Fun”(1964) y”California Girls” (1965).[41] surf vocal Otros actos seguidos, incluyendo one-hit wonder como Ronny y el Daytona con “G. T. O.” (1964) y Rip Chords con “Hey Little Cobra”, que alcanzaron los diez primeros, pero el otro acto sólo para lograr un éxito sostenido con la fórmula se Jan & Dean, Que había un número 1 con el sencillo “Surf City” (co-escrita con Brian Wilson) en 1963.[39] La locura de la música surf y las carreras de casi todos los actos de surf terminó efectivamente con la llegada de la invasión británica de 1964.[39] Sólo los Beach Boys fueron capaz de mantener una carrera creativa en la década de 1960, produciendo una serie de singles y álbumes, incluyendo el muy respetado Pet Sounds en 1966, lo que les hizo, sin duda, la única roca de América o acto emergente que podría rivalizar con los Beatles.[41] Emergencia (mediados a finales de 1960) La invasión británica Artículo principal: Invasión Británica Ver también: Batir la músicay ritmo y blues británico Individual black and white headshots of the four members of the Beatles The Beatles de llegar a Nueva York en enero de 1964 al comienzo de la Invasión Británica

A finales de 1962, lo que se convertiría en la escena del rock británico había comenzado con grupos beat como los Beatles, Gerry & The Pacemakers y Centauros del desierto de Liverpool y Freddie y Dreamers, Herman’s Hermits y The Hollies desde Manchester. Se basó en una amplia gama de influencias americanas como alma, el rhythm and blues y la música surf,[42] inicialmente reinterpretar melodías estándar americano y jugar para los bailarines. Bandas como Los animales de Newcastle y Ellos de Belfast,[43] y en particular los de Londres, como The Rolling Stones y The Yardbirds, Eran mucho más directamente influenciado por el rhythm and blues y blues más tarde.[44] Pronto estos grupos fueron componiendo su propio material, que combina formas EE.UU. de la música y la infusión con una energía de alto ritmo. bandas Beat tiende a la “hinchables, melodías irresistibles”, mientras que a principios ritmo y blues británico actos tienden hacia una menor sexualmente inocentes, las canciones más agresivas, a menudo la adopción de una postura anti-establishment. Hubo, sin embargo, particularmente en las primeras etapas, crossover musical considerable entre las dos tendencias.[45] En 1963, liderados por los Beatles, un fantástico grupo había comenzado a alcanzar el éxito nacional en Gran Bretaña, que pronto será seguido en las listas por el ritmo y blues más centrado actos.[46]

En 1964 los Beatles logrado un gran avance a la popularidad en los Estados Unidos. “I Wanna Hold Your Hand”Fue la banda de primer número 1 en las listas Billboard Hot 100, El gasto de siete semanas en la parte superior y un total de 15 semanas en la lista.[47][48] Su primera aparición en el Ed Sullivan Show el 9 de febrero, aprovechando un estimado de 73 millones de espectadores (en el momento un récord para un programa de televisión estadounidense) a menudo se considera un hito en la cultura pop estadounidense. The Beatles se convirtió en la banda de rock más vendido de todos los tiempos y que se siguieron en las listas de EE.UU. por numerosas bandas británicas.[45] Durante los dos años siguientes artistas británicos dominaron a sus propias y las listas de éxitos de EE.UU. con Peter y Gordon, The Animals, Manfred Mann, Petula Clark, Freddie y Dreamers, Wayne Fontana y los Mindbenders, Herman’s Hermits, Los Rolling Stones, The Troggs, Y Donovan todos los que tienen uno o más el número 1 de singles.[47] Otros actos importantes que formaron parte de la invasión incluido The Kinks y The Dave Clark Five.[49][50]

La invasión británica ayudó a internacionalizar la producción del rock and roll, abriendo la puerta a posteriores británico (e irlandés) artistas intérpretes o ejecutantes para alcanzar el éxito internacional.[51] En Estados Unidos sin duda significó el final de la música surf instrumental, grupos vocales y la niña (por un tiempo) la ídolos adolescentes, Que había dominado las listas de Estados Unidos en la década de 1950 y 60.[52] Se mella en la carrera de los actos establecidos R & B como Fats Domino y Chubby Checker e incluso a veces descarriló el éxito de la carta de sobrevivir a grupos de rock and roll, como Elvis.[53] La invasión británica también jugó un papel importante en el surgimiento de un género distinto de la música rock, y consolidó la primacía del grupo de rock, basado en las guitarras y los tambores y producir su propio material como cantautores.[23] Garage rock Artículo principal: Garage rock A tinted photograph of five members of the D-Men performing with guitars, drums and keyboards El D-Men (Más tarde El Fifth Estate) En 1964

garage rock era una forma de música rock amateur, particularmente frecuente en América del Norte a mediados de la década de 1960 y llamada así por la percepción de que fue ensayado en un garaje de la familia suburbana.[54][55] canciones de rock de garaje giraba en torno a los traumas de la vida de la escuela secundaria, con canciones de “mentir niñas” que son particularmente comunes.[56] La letra y la entrega fueron más agresivos que era común en aquella época, a menudo con voces guturales y gritos que se disolvió en gritos incoherentes.[54] Iban desde la música del crudo de un acorde (como las semillas) A la calidad del músico casi de estudio (incluido los Knickerbockers, los restos, Y el Fifth Estate). También hubo variaciones regionales en muchas partes del país con el florecimiento escenas particularmente en California y Texas.[56] Los estados del Noroeste del Pacífico de Washington y Oregon había tal vez el sonido regionales más definido.[57]

El estilo ha ido evolucionando desde escenas regionales ya en 1958. “Una Tall Cool” (1959) por The Wailers y “Louie Louie”Por The Kingsmen (1963) son ejemplos principales de este género en su etapa de formación.[58] En 1963, soltero garaje banda se mete en las listas nacionales en mayor número, incluyendo Paul Revere y los Raiders (Boise),[59] los Trashmen (Minneapolis)[60] y la Riviera (South Bend, Indiana).[61] Otras bandas de garaje influyentes, tales como los Sonics (Tacoma, Washington), nunca llegó a la Billboard Hot 100.[62] En este primer período muchas bandas fueron fuertemente influenciados por surf rock y hubo una polinización cruzada entre el rock de garaje y rock fraternidad, A veces visto como un mero subgénero del rock de garaje.[63]

La invasión británica de 1964–1966 bandas de garaje gran influencia, dándoles una audiencia nacional, llevando a muchos (a menudo surf o hot rod grupos) para adoptar un acento británico invasión, y alentando a muchos más grupos a la forma.[56] Miles de bandas de garaje estaban vigentes en los EE.UU. y Canadá en la época y cientos producido éxitos regionales.[56] Algunos ejemplos son: “La Bruja” de Tacoma Los Sonics (1965), “¿Dónde vas a ir” por Detroit Los segmentos no relacionados (1967), “I Got Chica Noticias para Usted” de Miami Los observadores de aves (1966) y “1–2−5″ de Montreal The Haunted. A pesar de decenas de bandas de firmar con sellos regionales importantes o grandes, la mayoría fueron fracasos comerciales. Hay acuerdo general en que el rock de garaje alcanzó su punto máximo, tanto comercial como artísticamente alrededor de 1966.[56] En 1968 el estilo desaparecido en gran parte de las listas nacionales y en el plano local como músicos aficionados ante la universidad, el trabajo o la proyecto.[56] Los nuevos estilos se había desarrollado para reemplazar garage rock (incluyendo blues-rock, rock progresivo y Country Rock).[56] En Detroit garage rock quedó con vida hasta principios de los 70, con bandas como los MC5 y The Stooges, Que emplea un estilo mucho más agresivo. Estas bandas empezaron a ser etiquetados punk rock y ahora se ve a menudo como proto-punk o proto-hard rock.[64] Pop rock Artículo principal: Pop rock Ver también: Popy Power pop A color photograph of Don and Phil Everly on stage with guitars The Everly Brothers en el 2006

El término pop se ha utilizado desde principios del siglo XX para referirse a la música popular en general, pero desde mediados de la década de 1950 comenzó a ser utilizado para un género distinto, dirigido a un mercado joven, a menudo caracterizado como una alternativa más suave hasta el rock and roll.[65][66] A raíz de la invasión británica, de alrededor de 1967, se utilizó cada vez más en oposición a la música rock, para describir una forma que era más comercial, efímera y accesible.[14] A diferencia de la música rock era vista como enfocado en el trabajo prolongado, sobre todo discos, se asocia a menudo con particular sub-culturas (como la contra-cultura), Hizo hincapié en los valores artísticos y la “autenticidad”, hizo hincapié en actuaciones en vivo y virtuosismo instrumental o vocal y fue visto a menudo como encapsulación de la evolución progresiva en lugar de simplemente refleja las tendencias actuales.[14][65][66][67]

Sin embargo, mucho pop y el rock ha sido muy similar en sonido, instrumentos e incluso el contenido lírico. Los términos “pop-rock” y “power pop” se han utilizado para describir la música más comercial exitoso que utiliza elementos de, o la forma de, la música rock.[68] Pop-rock se ha definido como un gran “optimismo de la música rock representado por artistas como Elton John, Paul McCartney, The Everly Brothers, Rod Stewart, Chicago, Y Peter Frampton.”[69] En contraste, la auto-publicación de música crítico George Starostin lo define como un subgénero de la música pop que utiliza pegadizas canciones pop que son en su mayoría basada en la guitarra. Starostin afirma que la mayor parte de lo que tradicionalmente se llama “power pop” cae en el subgénero de rock pop y que el contenido lírico de pop rock es “normalmente secundaria a la música.”[70] El término power pop fue acuñado por Pete Townshend de The Who en 1966, pero no muy utilizada hasta que se aplicó a bandas como Badfinger en la década de 1970, que demostraron algunos de los de mayor éxito comercial de la época.[71] A lo largo de su historia ha habido grupos de rock que han utilizado elementos de pop, pop y artistas que han utilizado la música rock como base para su trabajo, o luchado por el rock “autenticidad”. Blues-rock Artículo principal: Blues-rock Ver también: blues británico A black and white photograph of Eric Clapton with a guitar on stage Eric Clapton realizar en Barcelona en 1974

Si bien el primer impacto de la Invasión Británica en la música popular norteamericana fue a través de un fantástico y los actos de R & B basado en el impulso fue tomada pronto por una segunda ola de bandas que se han inspirado más directamente de American blues, Incluyendo los Rolling Stones y The Yardbirds el.[72] músicos de blues británico de finales de 1950 y principios de los 60 se había inspirado en la reproducción acústica de figuras como Lead Belly, Que fue una gran influencia en la moda de skiffle, y Robert Johnson.[73] Cada vez más se ha adoptado un fuerte sonido amplificado, a menudo centrada en la guitarra eléctrica, basado en la Chicago blues, Sobre todo después de la gira de Inglaterra por Muddy Waters en 1958, lo que provocó Cyril Davies y el guitarrista Alexis Korner para formar la banda Blues Incorporated.[74] La banda que participan e inspiró muchas de las figuras de los siguientes blues británico boom, incluidos los miembros de los Rolling Stones y Crema, La combinación de normas blues y formas con la instrumentación de rock y el énfasis.[34]

El otro foco clave para blues británico fue de alrededor de John Mayall que formaron la Bluesbreakers, Entre cuyos miembros figuran Eric Clapton (Después de su salida de The Yardbirds) y más tarde Peter Green. Especialmente significativo fue el lanzamiento de Blues automáticos con Eric Clapton (Bingo) álbum (1966), considerada una de las grabaciones seminales blues británico y el sonido de las cuales fue emulado tanto en Gran Bretaña y los Estados Unidos.[75] Eric Clapton pasó a formar supergrupos Cream, Blind Faith y Derek and the Dominos, Seguido de una extensa carrera en solitario que ayudó a llevar el blues-rock en la corriente.[74] Verde, junto con la sección rítmica de la Bluesbreaker Mick Fleetwood y John McVie, Formado Peter Green Fleetwood Mac, Que disfrutaron de algunos de los mayores éxitos comerciales del género.[74] En los años 60 Jeff Beck, También un ex-alumno de los Yardbirds, se trasladó de blues-rock en la dirección de heavy rock con su banda, El grupo de Jeff Beck.[74] El último fue el guitarrista de The Yardbirds Jimmy Page, Que pasó a formar El New Yardbirds que rápidamente se convirtió en Led Zeppelin. Muchas de las canciones en sus tres primeros álbumes, y en ocasiones más adelante en sus carreras, fueron las expansiones en las canciones de blues tradicional.[74]

En América del blues-rock se había iniciado en la década de 1960 por el guitarrista Lonnie Mack,[76] pero el género empezó a despegar a mediados de los años 60 como un acto desarrollado un sonido similar a los músicos de blues británico. Clave de los actos incluidos Paul Butterfield (Cuya banda actuó como Mayall’s Bluesbreakers en Gran Bretaña como punto de partida para muchos músicos de éxito), Canned Heat, Los primeros Jefferson Airplane, Janis Joplin, Johnny Winter, The J. Geils Band y Jimi Hendrix con su tríos de energía, The Jimi Hendrix Experience y Band of Gypsys, Cuya guitarra virtuosismo y talento para el espectáculo sería uno de los más imitados de la década.[74] Blues-rock de bandas de los estados del sur, como Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd, Y ZZ Top, Incorporó elementos país en su estilo para producir distintivo Southern Rock.[77]

Los primeros grupos de blues-rock a menudo imitado del jazz, tocando largas improvisaciones, que participan, que más tarde sería un elemento importante del rock progresivo. De alrededor de 1.967 bandas como Cream y The Jimi Hendrix Experience había comenzado a alejarse de la música puramente basada en el blues a la psicodelia.[78] En la década de 1970 de blues-rock se había vuelto más pesado y más riff basado, ejemplificado por el trabajo de Led Zeppelin y Deep Purple, Y las líneas entre el blues-rock y hard rock “Apenas visible”,[78] como bandas comenzó a grabar discos estilo de rock-.[78] El género se continuó en la década de 1970 por figuras como George Thorogood y Pat Travers,[74] pero, sobre todo en la escena británica (excepto tal vez por la aparición de grupos como Statu quo y Foghat que se trasladaron hacia una forma de alta energía y repetitivo rock boogie), Las bandas se centró en metales pesados la innovación, y el rock-blues comenzó a deslizarse fuera de la corriente principal.[79] Folk rock Artículo principal: Folk rock Ver también: Eléctrica popular A black and white photograph of Joan Baez and Bob Dylan singing while Dylan plays guitar Joan Baez y Bob Dylan en 1963

En la década de 1960, la escena que se había desarrollado fuera de la la música folk americana reactivación había crecido a un importante movimiento, utilizando la música tradicional y nuevas composiciones en un estilo tradicional, por lo general en los instrumentos acústicos.[80] En Estados Unidos el género fue iniciado por figuras como Woody Guthrie y Pete Seeger y, a menudo identificado con progresiva o política laboral.[80] En las cifras de principios de los sesenta como Joan Baez y Bob Dylan había pasado a primer plano en este movimiento como cantautores.[81] Dylan había comenzado a llegar a un público general con éxitos como “Blowin ‘in the Wind”(1963) y”Maestros de la Guerra”(1963), lo que trajo”canciones de protesta”A un público más amplio,[82] pero, aunque empezando a influir en cada uno de rock, y música popular se había mantenido en gran medida los géneros por separado, a menudo con el público se excluyen mutuamente.[83]

Los primeros intentos de combinar elementos del folk y el rock, con los animales “Casa del Sol Naciente”(1964), que fue la canción popular primer éxito comercial que se registró con la instrumentación del rock and roll[84] y los Beatles “I’m a Loser”(1964), posiblemente la primera canción de los Beatles para ser influenciada directamente por Dylan.[85] El movimiento folk rock por lo general cree que han despegado con The Byrds”Grabación de Dylan”Mr. Tambourine Man”, Que encabezó las listas en 1965.[83] Con los miembros que habían formado parte de la escena folk café-con sede en Los Ángeles, los Byrds aprobó la instrumentación de rock, la batería incluida y 12 cadenas Rickenbacker guitarras, que se convirtió en un elemento importante en el sonido del género.[83] Más tarde ese año Dylan adoptado instrumentos eléctricos, tanto a la escándalo de los puristas del folk muchos, con sus “Like a Rolling Stone”Convertirse en EE.UU. solo golpe.[83] Folk rock en particular se inició en California, donde se llevó actúa como The Mamas & the Papas y Crosby, Stills y Nash para pasar a la instrumentación eléctrica, y en Nueva York, donde dio lugar a los artistas incluidos The Lovin ‘Spoonful y Simon y Garfunkel, Con la acústica de este último “Los Sonidos del Silencio”(1965) se vuelve a mezclar con instrumentos de rock para ser el primero de muchos éxitos.[83]

Estos actos influido directamente en los artistas británicos como Donovan y Fairport Convention.[83] En 1969, Fairport Convention abandonado su mezcla de American cubre y Dylan canciones de influencia para reproducir música popular tradicional Inglés en instrumentos eléctricos.[86] Este popular eléctrica fue tomada por grupos como Pentangle, Steeleye Span y La banda Albion, Que a su vez impulsó a los grupos irlandeses como Horslips y actúa como el escocés JSD banda, De Spencer Feat. y más tarde Cinco mano Reel, Para usar su música tradicional para crear una marca de rock celta en la década de 1970.[87]

Folk rock alcanzó su pico de popularidad comercial en el período 1967–1968, antes de que muchos actos se alejó en una variedad de direcciones, incluyendo Dylan y los Byrds, que comenzó a desarrollar Country Rock.[88] Sin embargo, la hibridación de folk y el rock ha sido visto como teniendo una gran influencia en el desarrollo de la música rock, con lo que en los elementos de la psicodelia, y ayudar a desarrollar las ideas de la cantante y compositora, la canción protesta y los conceptos de “autenticidad” .[83][89] rock psicodélico Artículo principal: rock psicodélico A black and white photograph of Jimi Hendrix playing a guitar Jimi Hendrix realizar en la televisión holandesa en 1967

música psicodélica de LSD-Ambiente inspirado comenzó en la escena folk, con sede en Nueva York Holy Modal Rounders usando el término en su grabación de 1964 “Hesitation Blues”.[90] El primer grupo que se anuncian como rock psicodélico fueron los 13th Floor Elevators de Texas, a finales de 1965, produciendo un álbum que hicieron su dirección clara, con The Psychedelic Sounds Of The 13th Floor Elevators el año siguiente.[90] The Beatles introducido muchos de los principales elementos del sonido psicodélico al público en este período, con “Me siento muy bien”Por medio de comentarios guitarra, a finales de 1965, el Rubber Soul álbum incluía el uso de un sitar sobre el tema “Norwegian Wood”Y se emplea backmasking en 1966 su única cara B “Lluvia”Y otras pistas que aparecieron en su Revólver álbum de ese mismo año.[91]

rock psicodélico en particular se inició en la escena musical de California emergentes como grupos siguieron los Byrds desde el folk hasta el rock folk de 1965.[91] El estilo de vida psicodélica ya había desarrollado en San Francisco y fueron productos especialmente prominentes de la escena Los Grateful Dead, Country Joe y el pez, La Gran Sociedad y Jefferson Airplane.[91] The Byrds progresó rápidamente de folk rock puro en 1966 con su single “Eight Miles High”, Ampliamente adoptadas para ser una referencia al uso de drogas. En Gran Bretaña posiblemente la banda más influyente en el género fueron The Yardbirds,[91] que, con Jeff Beck como guitarrista, cada vez más movido en el territorio psicodélico, añadiendo a un buen ritmo improvisado “rave up”, el canto gregoriano y las influencias mundo de la música a canciones como “Still I’m Sad” (1965) y “Over Under Sideways Down “(1966).[92] Desde 1966, el Reino Unido de metro escena con sede en el norte de Londres, con el apoyo de nuevos actos incluidos Pink Floyd, Tráfico y Soft Machine.[93] Ese mismo año folk Donovan-álbum influenciado éxito Sunshine Superman, Considerado uno de los discos de música pop psicodélico en primer lugar, así como los estrenos de las bandas de blues rock Cream y The Jimi Hendrix Experience, que extendió los atascos pesados ​​de guitarra se convirtió en una característica clave de la psicodelia.[91]

rock psicodélico alcanzó su apogeo en los últimos años de la década. 1967 vio a los Beatles lanzará su declaración definitiva psicodélica en Sargento. Pepper’s Lonely Club de Corazones de banda, Incluyendo el tema polémico “Lucy en el cielo con diamantes”Y los Rolling Stones, respondió más tarde ese año con Sus Majestades Satánicas Solicitud.[91] Pink Floyd produjo lo que se ve generalmente como su obra más psicodélica El Piper en las puertas del amanecer.[91] En Estados Unidos la Verano de Amor fue precedida por la Human Be-In evento y alcanzó su pico en el Monterey Pop Festival, Este último ayudando a hacer grandes estrellas americanas de Jimi Hendrix y The Who, cuyo único “Puedo ver por millas”Incursionó en territorio psicodélico.[94] grabaciones clave fueron Jefferson Airplane Surrealistic Pillow y The Doors’ Strange Days.[95] Estas tendencias culminó en el 1969 Festival de Woodstock, Que vio la actuación de la mayoría de los actos principales psicodélico, pero al final de la década de rock psicodélico estaba en retirada. Brian Wilson de los Beach Boys, Brian Jones de los Rolling Stones, Peter Green de Fleetwood Mac y Syd Barrett de Pink Floyd fueron temprano “bajas de ácido”, la experiencia de Jimi Hendrix y Cream se separó antes de finales de la década y muchos actos sobrevivir alejado de la psicodelia en más de vuelta a lo básico “rock con raíces”, la experimentación más amplia del rock progresivo , o el riff de rock pesado con carga.[91] Progresión (finales de 1960 hasta mediados de 1970) Las raíces de rock Artículo principal: Las raíces de rock Ver también: Campo de rocky Southern Rock

Las raíces de rock es el término que ahora se utiliza para describir un alejamiento de lo que algunos veían como los excesos de la escena psicodélica, a una forma más básica del rock and roll que incorporaba sus influencias originales, sobre todo la música country y el folk, lo que lleva a la creación de country rock y rock sureño.[96] En 1966 Bob Dylan fue a Nashville para grabar el álbum Blonde on Blonde.[97] Esto, y la posterior con mayor claridad los países de influencia álbumes, han visto como la creación del género de país folk, Una ruta seguida por una serie de, músicos populares en gran parte acústica.[97] Otros actos que siguieron a la vuelta a lo básico tendencia fueron el grupo canadiense La Banda y el de California con sede en Creedence Clearwater Revival, Los cuales mezcla de rock and roll con base folk, el country y el blues, para estar entre las bandas más exitosas e influyentes de la década de 1960.[98] El mismo movimiento se inició la grabación de las carreras de solistas de California como Ry Cooder, Bonnie Raitt y Lowell George,[99] e influyó en la obra de artistas consagrados como los Rolling Stones Beggar’s Banquet (1968) y de los Beatles Let It Be (1970).[91] A color photograph of four members of The Eagles on stage with guitars Los Eagles durante su 2008–2009 Largo camino para salir de gira Eden

En el año 1968 Gram Parsons registrados Seguridad en el Hogar con la Banda Internacional Submarino, Posiblemente el primer verdadero country-rock álbum.[100] Más tarde ese año se unió a los Byrds de Cariño del Rodeo (1968), considerado uno de los discos más influyentes en el género.[100] The Byrds continuó en el mismo sentido, pero Parsons dejó de ser acompañado por otro ex-miembro de The Byrds Chris Hillman en la formación de The Flying Burrito Brothers que ayudó a establecer la respetabilidad y los parámetros del género, antes de Parsons se fue a seguir una carrera en solitario.[100] rock de Campo fue particularmente popular en la escena musical de California, donde fue adoptado por grupos como los corazones y flores, Poco y Nuevos Jinetes de la pradera roja,[100] el Beau Brummels[100] y el Banda Nitty Gritty Dirt.[101] Algunos artistas también disfrutó de un renacimiento mediante la adopción de sonidos país, entre ellas: la Everly Brothers, De una sola vez ídolo de los adolescentes Rick Nelson que se convirtió en el líder de la banda Stone Canyon, el ex Monkee Mike Nesmith que formaron la Primer Encuentro Nacional de banda, Y Neil Young.[100] El Dillards se, excepcionalmente, un acto país, que se trasladó hacia la música rock.[100] El mayor éxito comercial de country rock se produjo en la década de 1970, con el artista como el The Doobie Brothers, Emmylou Harris, Linda Ronstadt y el Aguilas (Formado por miembros de la Burritos, Poco y Stone Canyon Band), que surgió como uno de los grupos de rock más exitosas de todos los tiempos, produciendo álbumes que incluyen Hotel California (1976).[102]

Los fundadores del rock del Sur son por lo general piensa que es el Allman Brothers Band, Que desarrolló un sonido distintivo, en gran parte derivados de blues rock, Pero incorporando elementos de boogie, El alma, y ​​el país en la década de 1970.[77] El acto de mayor éxito para seguir ellos fueron Lynyrd Skynyrd, Quien ayudó a establecer el “good ol ‘boy”Imagen de la sub-género y la forma general de la guitarra de rock 1970.[77] Sus sucesores incluye la fusión / instrumentistas progresiva Dixie Dregs, El país más influenciado por Fuera de la ley, El jazz de tendencia Wet Willie y (incorporando elementos de R & B y gospel) la Ozark Mountain Daredevils.[77] Después de la pérdida de los miembros originales de la Allman y Lynyrd Skynyrd, el género comenzó a decaer en popularidad en la década de 1970, pero se mantuvo la década de 1980 con actos como .38 Special, Molly Hatchet y La banda de Marshall Tucker.[77] Rock progresivo Artículo principal: Rock progresivo Ver también: Electronic rocky Kraut rock A color photograph of members of the band Yes on stage Prog-rock Sí actuando en concierto en Indianápolis en 1977

rock progresivo, un término usado a veces de manera intercambiable con el arte rupestre, Fue un intento de ir más allá de establecer las fórmulas musicales, experimentando con diferentes instrumentos, tipos de canto, y las formas.[103] Desde mediados de la década de 1960 The Left Banke, The Beatles, The Rolling Stones y los Beach Boys, fue pionero en la inclusión de clavecines, viento y cadena secciones en sus grabaciones para producir una forma de Barroco de rock y se puede escuchar en singles como Procol Harum’S “A Whiter Shade of Pale”(1967), con su introducción Bach inspirado.[104] The Moody Blues utilizó una orquesta completa en su álbum Días del Futuro Pasado (1967) y posteriormente creó los sonidos de orquesta con sintetizadores.[103] orquestación clásica, los teclados y sintetizadores eran una edición frecuentes al formato de rock establecida de guitarras, bajo y batería en el rock progresivo posterior.[105]

Instrumentales eran comunes, mientras que las canciones con letras a veces conceptuales, abstractos o basados ​​en fantasía y la ciencia ficción.[106] The Pretty Things’ SF Sorrow (1968), de The Who Tommy (1969) y The Kinks “ Arthur (o la decadencia y caída del Imperio Británico) (1969) introdujo el formato de óperas rock y abrió la puerta a álbumes conceptuales, A menudo contando una historia épica o abordar un tema general de cola.[107] King Crimson’S 1969 el álbum debut, En la Corte del Rey Carmesí, Que mezclan riffs de guitarra de gran alcance y mellotron, Con jazz y música sinfónica, Se suele tomar como la grabación clave en el rock progresivo, ayudando a la adopción generalizada del género en la década de 1970 entre las actuales bandas de blues-rock y psicodelia, así como los actos de nueva formación.[103]

La vibrante Canterbury escena actos vio siguientes Soft Machine de la psicodelia, a través de influencias del jazz, hacia el hard rock más amplia, incluyendo Caravana, Hatfield y el Norte, Gong, Y Nacional de Salud.[108] Un mayor éxito comercial fue disfrutado por Pink Floyd, que también se alejó de la psicodelia después de la salida de Syd Barrett en 1968, con Lado Oscuro de la Luna (1973), considerada como una obra maestra del género, convirtiéndose en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos.[109] Se ha producido un énfasis en el virtuosismo instrumental, con Sí mostrando las habilidades de ambos guitarrista Steve Howe y el teclista Rick Wakeman, Mientras que Emerson, Lake & Palmer eran un supergrupo que produjo algunas de las obras técnicamente más exigentes del género.[103] Jethro Tull y Génesis ambos perseguidos muy diferentes, pero claramente Inglés, las marcas de la música.[110] Renacimiento, Formado en 1969 por el ex-The Yardbirds Jim McCarty y Keith Relf, ​​se convirtió en una banda de alto concepto con la voz de tres octavas de Annie Haslam.[111] La mayoría de bandas británicas dependía de un culto relativamente pequeño siguiente, pero un puñado, como Pink Floyd, Genesis y Jethro Tull, logró producir singles top ten en el país y romper el mercado americano.[112]

La marca americana de rock progresivo varió entre el ecléctico e innovador Frank Zappa, Captain Beefheart y Sangre, Sudor y Lágrimas,[113] a las bandas de rock pop más orientado como Boston, Extranjero, Kansas, Viaje y Estigio.[103] Estos, junto a bandas británicas Supertramp y ELO, Todos demostraron una influencia del rock progresivo y si bien el ranking entre los actos de mayor éxito comercial de la década de 1970, la emisión en la era de pompa o terreno del rock, Que duraría hasta los costos de muestra compleja (a menudo con puesta en escena teatral y efectos especiales), se sustituye por más económico festivales de rock como los principales eventos en vivo en la década de 1990.[114]

La línea fundamental del género dio lugar a discos como Mike Oldfield’S Tubular Bells (1973), el primer registro, y el éxito mundial, para la Virgin Records etiqueta, que se convirtió en uno de los pilares del género.[103] rock instrumental fue particularmente significativa en la Europa continental, lo que bandas como Kraftwerk, Tangerine Dream, Puede y Fausto para eludir la barrera del idioma.[115] Su sintetizador-pesada “Kraut rock”, Junto con el trabajo de Brian Eno (Por un tiempo el teclista con Roxy Music), Sería una gran influencia en posteriores synth rock.[103] Con la llegada del punk rock y los cambios tecnológicos en la década de 1970, el rock progresivo fue despedido cada vez más como pretenciosas y exageradas.[116][117] Muchas bandas se disolvió, pero algunos, como Genesis, ELP, Yes y Pink Floyd, regularmente anotó diez álbumes más exitosos tours en todo el mundo acompaña.[64] Algunas bandas que surgieron a raíz del punk, tales como Siouxsie and the Banshees, Ultravox y Simple Minds, Mostraron la influencia del progresivo, así como su más generalmente reconocido influencias punk.[118] Jazz rock Artículo principal: Jazz rock A color photograph of Jaco Pastorius sitting on a stool and playng a bass guitar Jaco Pastorius de Weather Report en 1980

A finales de la década de 1960 jazz rock emergió como una salida distinta sub-género del blues rock, psicodelia y escenas de rock progresivo, mezclando el poder del rock con la complejidad musical y los elementos de improvisación del jazz. rock Muchos de los primeros músicos de EE.UU. y había comenzado a rodar en el jazz y llevó a algunos de estos elementos en la nueva música. En Gran Bretaña, el sub-género de blues rock, y muchos de sus principales figuras, como Ginger Baker y Jack Bruce de crema, había salido de la jazz británico escena. A menudo señalada como la primera grabación de jazz-rock de verdad es el único álbum por el relativamente desconocido sede en Nueva York El Spirit con Out of Sight and Sound (1966). El primer grupo de bandas que conscientemente utilizar la etiqueta fueron de R & B orientados a bandas de rock blanco, que hizo uso de secciones de viento de jazz, como Electric Flag, Sangre, Sudor y Lágrimas y Chicago, Para convertirse en algunos de los actos con más éxito comercial de la década de 1960 más tarde y principios de 1970.[119]

Británica actos a surgir en el mismo período de la escena del blues, para hacer uso de los aspectos tonales y de improvisación del jazz, incluidos Núcleo[120] y el Graham Bond y John Mayall spin-off Coliseo. Desde el rock psicodélico y las escenas de Canterbury vino Soft Machine, Que, se ha sugerido, produjo una de las fusiones artísticamente con éxito de los dos géneros. Tal vez la fusión más aclamados por la crítica llegó desde el lado del jazz de la ecuación, con Miles Davis, Sobre todo influenciado por la obra de Hendrix, la incorporación de la instrumentación de rock en su sonido para el álbum Bitches Brew (1970). Fue una gran influencia en posteriores rock influenciado por artistas de jazz, incluyendo Herbie Hancock, Chick Corea y Weather Report.[119] El género comenzó a desaparecer a finales de 1970, como una forma más suave de la fusión comenzó a tomar a su público,[121] sino que actúa como Steely Dan,[121] Frank Zappa y Joni Mitchell jazz registrado importantes de influencia de álbumes en este período, y ha seguido siendo una influencia importante en la música rock.[119] Glam rock Artículo principal: Glam rock A color photograph of David Bowie with an acoustic guitar David Bowie durante la Ziggy Stardust and the Spiders Tour en 1972

Glam rock surgió de la psicodelia Inglés y escenas de arte rupestre de la década de 1960 y puede verse como una extensión de y la reacción contra las tendencias.[122] Musicalmente diversas, que varían entre el rock simple y revivalismo rollo de figuras como Alvin Stardust a la roca complejo arte de Roxy Music, y puede ser vista tanto como una moda como un sub-género musical.[122] Visualmente es una malla de varios estilos, que van desde la década de 1930 Hollywood glamour, a través de 1950 recurso de casación pin-up de sexo, antes de la guerra Cabaret teatro, Victoriana literarias y simbolista estilos, la ciencia ficción, A la antigua y ocultismo misticismo y mitología, Que se manifiesta en la ropa extravagante, maquillaje, peinados, y botas con suela de plataforma.[123] Glam es más conocido por su ambigüedad sexual y de género y las representaciones de androginia, Al lado de un uso extensivo de teatro.[124] Fue prefigurada por la manipulación de la identidad de género de espectáculo y los actos de América como El Cockettes y Alice Cooper.[125]

Los orígenes del glam rock se asocian con Marc Bolan, Que había cambiado el nombre a su dúo de folk, T. Rex y llevado hasta los instrumentos eléctricos a finales de la década de 1960. A menudo citado como el momento de la creación es su aparición en el programa de televisión del Reino Unido Top of the Pops en diciembre de 1970 vistiendo el brillo, para llevar a cabo lo que sería su primer número uno solo “Montar una Cisne Blanco”.[126] A partir de 1971, ya una estrella de menor importancia, David Bowie desarrolló su personaje Ziggy Stardust, incorporando elementos de maquillaje profesional, el mimo y el rendimiento en su actuar.[127] Estos artistas fueron seguidos pronto en el estilo de los actos incluidos Roxy Music, Dulce, Slade, Mott the Hoople, Barro y Alvin Stardust.[127] Aunque un gran éxito en las listas de éxitos individuales en el Reino Unido, muy pocos de estos músicos fueron capaces de hacer un impacto serio en los Estados Unidos; Bowie fue la gran excepción convertirse en una estrella internacional y provocó la adopción de estilos glam entre actúa como Lou Reed, Iggy Pop, New York Dolls y Jobriath, A menudo conocida como “piedra brillo” y con un contenido lírico más oscuro que sus homólogos británicos.[128] En el Reino Unido la roca brillo término se utiliza con mayor frecuencia para referirse a la versión extrema del glam perseguido por Gary Glitter y sus músicos apoyan la Glitter Band, Que entre ellos ha conseguido dieciocho singles top ten en el Reino Unido entre 1972 y 1976.[129] Una segunda oleada de grupos de rock glam, incluyendo Suzi Quatro, Roy Wood’S Wizzard y Las chispas, Dominado las listas británicas único de cerca de 1974 a 1976.[127] De disposiciones vigentes, otros no suele considerarse esencial para el género, también adoptó los estilos glam, incluyendo Rod Stewart, Elton John, Reina y, por un tiempo, incluso los Rolling Stones.[127] También fue una influencia directa en los actos que saltó a la fama más tarde, incluyendo Beso y Adam Ant, Y menos directamente en la formación de rock gótico y glam metal así como en el punk rock, que ayudó a poner fin a la moda de glamour de cerca de 1976.[128] Glam desde entonces ha disfrutado esporádicas recuperaciones modestas a través de bandas como Chainsaw Kittens, The Darkness[130] y en la Ley n R ‘crossover B Príncipe.[131] Soft Rock, hard rock y heavy metal a principios Artículos principales: Soft Rock, Hard rock, Y Heavy metal A color photograph of the band Led Zeppelin on stage Led Zeppelin vivo en El estadio de Chicago en enero de 1975

Desde finales de 1960 se hizo común a la música rock se dividen la corriente principal en el rock suave y duro. rock suave se deriva a menudo de folk rock, con instrumentos acústicos y poner más énfasis en la melodía y las armonías.[132] Grandes artistas incluidos Carole King, Cat Stevens y James Taylor.[132] Alcanzó su auge comercial a mediados de los años 70 a los actos como Billy Joel, América y la reforma de la Fleetwood Mac, Cuya Rumores (1977) fue el álbum más vendido de la década.[133] Por el contrario, el rock duro era más a menudo derivados de blues-rock y se jugó más fuerte y con más intensidad.[134] A menudo se hizo hincapié en la guitarra eléctrica, tanto como un instrumento de ritmo con riffs repetitivos y simples como un solo plomo instrumento, y era más probable que se utilicen con la distorsión y otros efectos.[134] acciones clave incluyen la invasión británica bandas como The Who y The Kinks, así como los artistas psicodélicos época como Cream, Jimi Hendrix y El grupo de Jeff Beck.[134] Hard rock, las bandas de influencia de que gozó de éxito internacional en la década de 1970 incluyó más tarde la reina,[135] Thin Lizzy,[136] Aerosmith y AC / DC.[134]

Desde finales de 1960 el metal pesado término comenzó a usarse para describir algo de rock duro jugar con el volumen aún más y la intensidad, por primera vez como un adjetivo y por la década de 1970 como un sustantivo.[137] El término fue utilizado por primera vez en la música en Steppenwolf’S “Nacido para ser salvaje”(1967) y empezó a ser asociado con bandas pioneras como la de Boston Blue Cheer y Michigan Grand Funk Railroad.[138] En 1970 tres bandas británicas clave se habían desarrollado los sonidos característicos y estilos que ayudar a formar el sub-género. Led Zeppelin elementos añadidos de fantasía a su riff de blues-rock cargado, Deep Purple presentada en los intereses sinfónica y medieval de sus frases de rock progresivo y Sábado Negro aspectos introducidos de la gótico y la armonía entre modos de transporte, Ayudando a producir un “oscuro” de sonido.[139] Estos elementos fueron tenidos por una “segunda generación” de las bandas de heavy metal en la década de 1970, incluyendo: Judas Priest, OVNI, Motörhead y Del arco iris de Gran Bretaña; Beso, Ted Nugent, Y Blue Oyster Cult de los EE.UU.; Rush de Canadá y Scorpions de Alemania, todos los que marca la expansión de la popularidad del subgénero.[139] A pesar de la falta de airplay y muy poca presencia en las listas de sencillos, a finales del decenio de 1970 heavy metal construido un número considerable de seguidores, especialmente entre los adolescentes varones de la clase trabajadora en América del Norte y Europa.[140] rock cristiano Artículo principal: rock cristiano A color photograph of the band Stryper on stage under a large cross of lights Stryper en el escenario en 1986

Rock ha sido criticado por algunos líderes religiosos cristianos, que lo han condenado como inmoral y anti-cristiana y demoníaco aún.[141] Sin embargo, el rock cristiano comenzó a desarrollarse a finales de 1960, en particular de la Jesús movimiento comenzando en el sur de California, y surgió como un sub-género en la década de 1970 con artistas como Larry Norman, Por lo general visto como el primer gran “estrella” del rock cristiano.[142] El género ha sido especialmente popular en el De los Estados Unidos.[143] Muchos artistas de rock cristiano tienen vínculos con la música cristiana contemporánea escena, mientras que otras bandas y artistas están estrechamente vinculados a música independiente. Desde la década de 1980 los artistas de rock cristiano han obtenido éxito comercial, incluyendo figuras como el artista de cruce de América del evangelio a pop Amy Grant y la cantante británica Cliff Richard.[144] Mientras que estos artistas fueron en gran medida aceptable en las comunidades cristianas de la adopción de estilos de rock pesado y glam metal de bandas como Petra y Stryper, Que alcanzó éxito comercial considerable en la década de 1980, fue más controvertida.[145][146] Desde la década de 1990 hubo un número creciente de actos que trataron de evitar la etiqueta de banda cristiana, y prefieren ser vistos como grupos que también eran cristianos, incluyendo P.O.D y Collective Soul.[147] Punk y sus consecuencias (a mediados de los años 1970 y 1980) Punk rock Artículo principal: Punk rock Ver también: Protopunky Hardcore punk A color photograph of Patti Smith on stage with a microphone Patti Smith, Realizando en 1976

El punk rock se desarrolló entre 1974 y 1976 en los Estados Unidos y el Reino Unido. Arraigado en el rock de garaje y otras formas de lo que hoy conocemos como música protopunk, bandas de punk rock evitó los excesos percibidos del rock 1970 la corriente principal.[148] Crearon rápido, la música de bordes definidos, por lo general con canciones cortas, instrumentación simplificada, ya menudo política, las letras anti-sistema. Punk abarca una DIY (Hágalo usted mismo) ética, con muchas bandas de auto-producción de sus grabaciones y su distribución a través de canales informales.[149]

A finales de 1976, actúa como el Ramones y Patti Smith, En la ciudad de Nueva York, y el Sex Pistols y The Clash, En Londres, fueron reconocidos como la vanguardia de un nuevo movimiento musical.[148] El año siguiente vio el punk rock extendiendo por todo el mundo. Punk con rapidez, aunque brevemente, se convirtió en un fenómeno cultural importante en el Reino Unido. En su mayor parte, el punk se arraigó en las escenas locales que tienden a rechazar la asociación con la corriente principal. Un asociado subcultura punk surgido, expresando rebeldía juvenil y se caracteriza por distintivo estilos de la ropa y una variedad de ideologías anti-autoritario.[150]

A comienzos de la década de 1980, más rápido, los estilos más agresivos como el hardcore y Oi! se había convertido en la principal vía de punk rock.[151] Dado que la popularidad inicial del punk rock en la década de 1970 y el renovado interés creado por el renacimiento punk de la década de 1990, el punk rock sigue teniendo muchos seguidores de metro fuerte.[152] Esto ha dado lugar a varias cepas de evolución de hardcore punk, tales como D-beat (Un subgénero de distorsión pesada influencia de la banda de Reino Unido Aprobación de la gestión), anarco-punk (Por ejemplo, Craso), grindcore (Por ejemplo, Napalm Death), Y crust punk.[153] Músicos identificarse con o inspirados por el punk también se persigue una amplia gama de otras variaciones, dando lugar a Nueva Ola, post-punk y el rock alternativo movimiento.[148] Nueva Ola Artículo principal: Nueva ola de música Ver también: Nueva románticosy Synthpop A black and white photograph of Debbie Harry on stage with a microphone Deborah Harry de la banda Blondie, Realizando en el Maple Leaf Gardens de Toronto en 1977

Aunque el punk rock es un fenómeno social importante y musical, logró menos en el camino de las ventas de discos (se distribuye por medio de etiquetas especiales, tales como pequeños Stiff Records),[154] o la difusión radial de América (como la escena de la radio sigue siendo dominado por los formatos tradicionales, como las discoteca y álbum de rock orientado a).[155] El punk rock ha atraído devotos del arte y el mundo universitario y las bandas antes un deportivo más alfabetizada, el enfoque artístico, tales como Talking Heads, Y Devo comenzaron a infiltrarse en la escena punk, en algunos sectores de la descripción de “New Wave” comenzó a ser utilizado para diferenciar estas bandas de punk menos abiertamente.[156] ejecutivos de la discográfica, que había sido en su mayoría desconcertado por el movimiento punk, reconoció el potencial de los más accesibles actos New Wave y comenzó agresivamente a la firma y la comercialización de cualquier banda que podría reclamar una conexión remota al punk o New Wave.[157] Muchas de estas bandas, como The Cars, Y El Go-Go’s se puede ver como grupos de pop comercializado como New Wave;[158] otros actos existentes, incluyendo La Policía, The Pretenders y Elvis Costello, Utiliza el movimiento de la Nueva Ola como el trampolín para una carrera relativamente larga y exitosa crítica,[159] mientras que el “flaco empate” bandas ejemplificado por The Knack,[160] o el fotogénico Blondie, Comenzó como actos punk y se trasladó a un territorio más comercial.[161]

Entre 1982 y 1985, influenciado por Kraftwerk, David Bowie, y Gary Numan, New Wave británica fue en la dirección de tales románticos como Nueva Spandau Ballet, Ultravox, Duran Duran, A Flock of Seagulls, Culture Club, Talk Talk y el Eurythmics, A veces utilizando el sintetizador para reemplazar todos los demás instrumentos.[162] Este período coincidió con el surgimiento de MTV y dio lugar a una gran cantidad de exposición para esta marca de synthpop, creando lo que se ha caracterizado como un segunda invasión británica.[163] Algunas bandas de rock más tradicional adaptada a la edad de vídeo y se benefició de la MTV Airplay, La mayoría, obviamente, Dire Straits, Cuya “Dinero para nada”Suavemente se burló de la estación, a pesar de que había ayudado a hacer de ellos estrellas internacionales,[164] pero en el rock en general orientado a la guitarra fue eclipsado comercialmente.[165] Post-punk Artículo principal: Post-punk Ver también: Rock góticoy Música industrial A color photograph of members of the band U2 performing on stage U2 realizar en el Madison Square Garden en noviembre de 2005

Si hardcore más directamente perseguido el desmontado de la estética punk y new wave llegaron a representar el ala comerciales, post-punk surgió en la década de 1970 más tarde y principios de los 80 como su lado más artístico y desafiante. Las principales influencias junto a bandas de punk se The Velvet Underground, The Who, Frank Zappa y Captain Beefheart, y el de Nueva York basado en no wave escena que hizo hincapié en el rendimiento, incluyendo bandas como James Chance y contorsiones de la, ADN y Sonic Youth.[166] Los primeros contribuyentes al género incluye las bandas de EE.UU. Pere Ubu, Devo, The Residents y Talking Heads.[166]

La primera ola del punk británica de post-incluidos Banda de los Cuatro, Siouxsie and the Banshees y Joy Division, Que puso menos énfasis en el arte que sus contrapartes de EE.UU. y más en las cualidades emocionales oscuro de su música.[166] Bandas como Siouxsie and the Banshees, Bauhaus, The Cure, Y Las Hermanas de la Misericordia, Movido cada vez más en esta dirección a la roca que se encuentran gótico, que se había convertido en la base de un importante sub-cultura por la década de 1980.[167] territorio emocional similar fue perseguido por los actos de Australia como La fiesta de cumpleaños y Nick Cave.[166] Los miembros de la Bauhaus y Joy Division explorado nuevos territorios estilísticos como Love and Rockets y New Order , respectivamente.[166] Otro movimiento temprana post-punk era la música industrial[168] desarrollado por bandas británicas Throbbing Gristle y Cabaret Voltaire, Y la sede en Nueva York- El suicidio, Usando una variedad de técnicas electrónicas y de muestreo que emula el sonido de la producción industrial y que se convertiría en una gran variedad de formas de la música post-industrial en la década de 1980.[169]

La segunda generación de bandas post-punk británico que rompió a principios de 1980, incluyendo La caída, El Grupo de Pop, El Mekons, Echo and the Bunnymen y Teardrop Explodes, Tienden a alejarse de la oscuridad paisajes sonoros.[166] Podría decirse que la banda más exitosa para salir de post-punk de Irlanda U2, Que incorporó elementos de la imaginería religiosa, junto con el comentario político en su música a menudo se himno, y por la década de 1980 se había convertido en una de las bandas más grandes del mundo.[170] Aunque muchas bandas post-punk continuó grabando y llevar a cabo, se redujo en un movimiento a mediados de la década de 1980 como actos disuelto o se mueve a explorar otras áreas de otros musicales, pero no ha dejado de influir en el desarrollo de la música rock y ha sido visto como un elemento importante en la creación del movimiento de rock alternativo.[171] Nuevas olas y géneros en el heavy metal Artículo principal: Heavy metal Ver también: NWOBHM, Glam metal, Y De metal extremo A color photograph of members of the band Iron Maiden on stage with guitars Iron Maiden, Una de las bandas centrales de la Nueva Ola de Heavy Metal Británico en el 2006

Aunque muchas bandas establecidas siguió tocando y grabando, el heavy metal sufrió una interrupción en la cara del movimiento punk a mediados de la década de 1970. Parte de la reacción vio la popularidad de bandas como Motörhead, que había adoptado una sensibilidad punk, y Judas Priest, que creó un sonido despojado, en gran medida la eliminación de los restantes elementos de la música blues, de su álbum de 1978 Stained Class.[172] Este cambio de dirección se comparó con el punk y en la década de 1970 se conoció como la nueva ola del heavy metal británico (NWOBHM).[173] Estas bandas fueron seguidos pronto por los actos incluidos Iron Maiden, Vardis, Diamond Head, Sajón, Def Leppard y Veneno, Muchos de los cuales comenzó a disfrutar de un éxito considerable en los EE.UU..[174] En el mismo período Eddie Van Halen se estableció como un virtuoso de la guitarra de metal después de su banda auto-titulado álbum de 1978.[175] Randy Rhoads y Yngwie Malmsteen También se estableció virtuosos, asociadas a lo que sería conocido como el de metal neoclásico estilo.[176]

Inspirado por NWOBHM y el éxito de Van Halen, una escena de metal comenzó a desarrollar en el sur de California desde la década de 1970, sobre la base de los clubes de Los Ángeles Sunset Strip inclusive bandas como Quiet Riot, Ratt, Mötley Crüe, Y W.A.S.P., Que, junto con los actos de estilo similar como Nueva York Twisted Sister, Incorporó el teatro (ya veces de maquillaje) de glam rock actúa como Alice Cooper y Kiss.[175] Las letras de estas bandas de glam metal característico destacó hedonismo y el comportamiento salvaje y musicalmente se distingue por una rápida del fuego destrozar la guitarra solistas, coros himnos, y un relativamente melódica, el enfoque orientado hacia el pop.[175] A mediados de la década de 1980 las bandas comenzaban a emerger de la escena de Los Ángeles que persigue una imagen glam menos y un sonido más crudo, en particular Guns N ‘Roses, Rompiendo con las listas de éxitos Appetite for Destruction (1987), y Jane’s Addiction, Que surgió con su disco debut No hay nada impactante, Al año siguiente.[177]

A finales de la década de 1980 de metal fragmentado en varios subgéneros, incluyendo thrash metal, Que se desarrolló en los EE.UU. desde el estilo conocido como speed metal, Bajo la influencia del hardcore punk, con la guitarra de bajo registro de riffs normalmente superpone trituración conduce.[178] Letras expresa a menudo nihilista puntos de vista o hacer frente a las cuestiones sociales utilizando un lenguaje visceral, sangriento. Fue popularizado por los “cuatro grandes del Thrash”: Metallica, Ántrax, Megadeth, Y Asesino.[174] Death metal se desarrolló a partir del thrash, sobre todo influenciado por el veneno de las bandas y Slayer. Florida Muerte y el Área de la Bahía Poseía hizo hincapié en los elementos de la lírica blasfemia, brujería y milenarismo, Con voces guturales entregan generalmente como “gutural, “De tono alto gritar, Complementado por downtuned, altamente distorsionada guitarras y extremadamente rápido contrabajo percusión.[179] Negro de metal, Una vez más influenciado por Venom y por primera vez por Dinamarca Mercyful Fate, Suiza Hellhammer y Celtic Frost, Y de Suecia Bathory, Había muchas similitudes en el sonido de death metal, pero a menudo intencionalmente lo-fi en la producción y un mayor énfasis en satánico y pagano temas.[180][181] Bathory fue particularmente importante en la inspiración de los sub-géneros de más Viking metal y folk metal.[182] Power metal surgió en Europa a finales de 1980 como una reacción a la dureza de la muerte y de metal negro y fue establecido por Alemania Helloween, Que combina un enfoque melódico con thrash de la velocidad y la energía.[183] Inglaterra Dragon Force?[184] y la Florida Iced Earth[185] tienen un sonido en deuda con NWOBHM, mientras que los actos tales como la Florida Kamelot, Finlandia Nightwish, De Italia Rhapsody of Fire, Y de Rusia Catarsis cuentan con un teclado basado en “Sinfónico” de sonido, A veces empleando orquestas y cantantes de ópera. A diferencia de otros sub-géneros Doom metal, Influenciado por el rock gótico, disminuyó la música, con bandas como Inglaterra Pagan Altar y Witchfinder General y los Estados Unidos Pentagrama, San Vito y Problemas, Haciendo hincapié en la melodía, guitarras abajo afinado, un “grueso” o “pesado” de sonido y un ambiente sepulcral.[186][187] Corazón de piedra Artículo principal: Corazón de piedra A black and white photograph of Bruce Springsteen on stage with a guitar Bruce Springsteen en Berlín Oriental en 1988

estadounidense de rock orientado a la clase trabajadora corazón, que se caracteriza por un estilo musical directo, y la preocupación por las vidas de ordinario, de cuello azul pueblo de Estados Unidos, desarrollado en la segunda mitad de la década de 1970. La roca corazón término fue utilizado por primera vez para describir Del Medio Oeste terreno del rock grupos como Kansas, REO Speedwagon y Styx, pero que llegó a ser asociado con una forma más social en cuestión de rock con raíces más directamente influenciados por el folk, country y rock and roll.[188] Se ha visto como un medio oeste americano y Rust Belt contraparte al rock país Costa Oeste y el rock sureño de la América del Sur.[189] Liderados por figuras que habían sido inicialmente identificados con la onda punk y Nueva, fue más influenciado por artistas como Bob Dylan, The Byrds, Creedence Clearwater Revival y Van Morrison, y la roca básica de 60 de garaje y los Rolling Stones.[190]

Ejemplificado por el éxito comercial de cantautores Bruce Springsteen, Bob Seger, Y Tom Petty, Junto con menos actos conocido como Southside Johnny and the Asbury Jukes y Joe Grushecky y Houserockers la, Que en parte fue una reacción al mensaje declive urbano-industrial en el Este y Centro-Oeste, a menudo habitan en las cuestiones de la desintegración social y el aislamiento, al lado de una buena forma de tiempo de rock and roll revivalismo.[190] El género alcanzó su auge comercial, artístico e influyente a mediados de la década de 1980, con Springsteen Nacido en los EE.UU. (1984), encabezó las listas en todo el mundo y el desove de una serie de singles top ten, junto con la llegada de artistas como John Mellencamp, Steve Earle y el cantante más suave y compositores tales como Bruce Hornsby.[190] También se puede escuchar como una influencia en artistas tan diversos como Billy Joel,[191] Kid Rock[192] y The Killers.[193]

rock de Heartland se desvaneció como un género reconocido por la década de 1990, como la música rock en general, y de cuello azul y blanco que trabajan temas de clase, en particular, la pérdida de influencia con el público más joven, y como artistas corazón se volvió hacia obras más personales.[190] Muchos artistas de rock corazón siguen registrando hoy con éxito crítico y comercial, sobre todo, Bruce Springsteen, Tom Petty y John Mellencamp, aunque sus obras se han convertido en más personal y experimental, y ya no se ajustan fácilmente en un solo género. Más nuevos artistas cuya música tal vez habría sido etiquetados de rock corazón había sido lanzado en la década de 1970 o de 1980, como Missouri Bottle Rockets y de Illinois Uncle Tupelo, A menudo se encuentran etiquetados alt-country.[194] El surgimiento del rock alternativo Artículo principal: Rock alternativo Ver también: Colegio de rock, Jangle pop, Indie pop, Dream pop, Y Shoegaze A color photograph of the band R.E.M. on stage R.E.M. fue un éxito rock alternativo banda en la década de 1980

El rock alternativo término fue acuñado en la década de 1980 para describir a los artistas de rock que no se ajustaban a la música mainstream de la época. Bandas denominado “alternativa” no tenía estilo unificado, pero eran vistos como distinta de la música comercial. bandas alternativas estaban vinculados por su deuda colectiva de punk rock, a través de hardcore, new wave o el movimiento post-punk.[195] Importantes bandas de rock alternativo de la década de 1980 en los EE.UU. incluyen R.E.M., Hüsker Dü, Jane’s Addiction, Sonic Youth, Y el Pixies,[195] y en el Reino Unido The Cure, New Order, La cadena de Jesús y María, Y The Smiths.[196] Artistas se limitaron en gran medida a sellos discográficos independientes, La construcción de una extensa escena de música alternativa sobre la base de universidad de radio, Fanzines, giras, y el boca a boca.[197]

Pocos de estos primeros grupos, con las excepciones de REM y The Smiths, alcanzó éxito comercial, pero a pesar de la falta de ventas de álbumes espectaculares, que ejerció una influencia considerable en la generación de músicos que la mayoría de edad en los años 80 y terminó rompiendo con éxito comercial en la década de 1990. Estilos de rock alternativo en los EE.UU. durante la década de 1980 incluyen jangle pop, Asociadas a las primeras grabaciones de REM, que incorporó las guitarras sonando a mediados del decenio de 1960 el pop y el rock y el rock de la universidad, se utiliza para describir las bandas alternativas que se inició en la radio circuito de la universidad y la universidad, incluidos los actos tales como 10,000 Maniacs y The Feelies.[195] En el Reino Unido de rock gótico fue dominante en la década de 1980, pero a finales de la década del indie pop o sueño[198] como Primal Scream, Bogshed, Half Man Half Biscuit y The Wedding Present, Y lo que se denominó shoegaze bandas como My Bloody Valentine, Paseo, Exuberante, Capitular, Y el Boo Radleys.[199] Especialmente vibrante fue el Madchester escena, producido bandas como Happy Mondays, La Inspiral Carpets, Y Stone Roses.[196][200] La década siguiente sería ver el éxito de grunge en los Estados Unidos y britpop en el Reino Unido, con lo que el rock alternativo en la corriente principal. Alternativa va la corriente principal (la década de 1990) Grunge Artículo principal: Grunge A color photograph of two members of the band Nirvana on stage with guitars Nirvana (En la foto aquí en 1992) popularizó el grunge en todo el mundo.

Descontentos por el pop comercializado y producido altamente y el rock a mediados de la década de 1980, en las bandas Del estado de Washington (Especialmente en el Seattle área) formó un nuevo estilo de rock que contrasta fuertemente con la música mainstream de la época.[201] El género en desarrollo llegó a ser conocido como “grunge”, un término que describa el sonido sucio de la música y el aspecto descuidado de la mayoría de los músicos, que activamente se rebelaron contra las imágenes más cuidadas de los artistas populares.[201] Grunge fusionado elementos de hardcore punk y metales pesados en un solo sonido, y la utilización pesados ​​de la guitarra la distorsión, pelusa y comentarios.[201] La letra fue generalmente apáticos y llenos de angustia y, a menudo en cuestión temas como la alienación social y la trampa, aunque también era conocido por su humor negro y la parodia del rock comercial.[201]

Bandas como Green River, Soundgarden, La Melvins y Skin Yard fue pionera en el género, con Mudhoney convirtiéndose en el mayor éxito a finales de la década. Sin embargo, grunge permanecido en gran medida un fenómeno local hasta 1991, cuando Nirvana’S Nevermind se convirtió en un gran éxito gracias al single “Smells Like Teen Spirit”.[202] Nevermind era más melódico que sus predecesores, pero la banda se negó a emplear a la promoción de las empresas tradicionales y los mecanismos de comercialización. Durante 1991 y 1992, otros álbumes del grunge como Pearl Jam’S Diez, De Soundgarden Badmotorfinger y Alice in Chains’ La suciedad, Junto con el Temple of the Dog disco con los miembros de Pearl Jam y Soundgarden, se convirtió en uno de los 100 álbumes más vendidos.[203] El éxito popular de estas bandas grunge se le solicite Rolling Stone a Seattle apodo de “el nuevo Liverpool.”[204] etiquetas de registro principales firmado la mayoría de las bandas de grunge que queda en Seattle, mientras que una segunda oleada de actos se trasladó a la ciudad con la esperanza de éxito.[205] Sin embargo, con la muerte de Kurt Cobain y la posterior disolución de Nirvana en 1994, gira por problemas de Pearl Jam y la salida de Alicia en el País cantante Chains Layne Staley en 1996, el género comenzó a declinar, en parte para ser eclipsado por Britpop y más comercial que suena post-grunge.[206] Britpop Artículo principal: Britpop A color photograph of Noel and Liam Gallagher of the band Oasis on stage Oasis realizar en el año 2005

Britpop emergió de la escena de rock alternativo británico de la década de 1990 y se caracterizó por las bandas sobre todo influenciado por la música de guitarra británica de los años 1960 y 1970.[196] The Smiths fueron una gran influencia, al igual que bandas de la Madchester escena, que se había disuelto en la década de 1990.[51] El movimiento se ha visto en parte como una reacción en contra de varias tendencias con sede en EE.UU., musicales y culturales en la década de 1980 y principios de 1990, en particular la grunge fenómeno y como una reafirmación de la identidad del rock británico.[196] Britpop fue variada en estilo, sino que se utiliza a menudo melodías pegadizas y ganchos, además de letras con las preocupaciones sobre todo británicos y la adopción de la iconografía de la década de 1960 Invasión Británica, incluyendo los símbolos de la identidad británica previamente utilizados por los mods.[207] Fue lanzado alrededor de 1992 con versiones de grupos como Gamuza y Difuminar, Que pronto se les unieron otros, incluyendo Oasis, Pulpa, Supersoplón y Elastica, Que produjo una serie de álbumes y singles top ten.[196] Durante un tiempo la lucha entre Blur y Oasis fue construido por la prensa popular en “La Batalla del Britpop”, inicialmente ganó de Blur, Oasis, pero con el logro de un mayor éxito a largo plazo e internacional, que influyen directamente en una tercera generación de bandas de Britpop, incluyendo El Boo Radleys, Ocean Colour Scene y Reparto.[208] grupos Britpop trajeron el rock alternativo británico a la corriente principal y formaron la columna vertebral de un mayor movimiento cultural británico conocido como Cool Britannia.[209] A pesar de sus bandas más populares, en particular Blur y Oasis, fueron capaces de extender su éxito comercial en el extranjero, especialmente a los Estados Unidos, el movimiento había caído en gran parte en dos por la final de la década.[196] Post-grunge Artículo principal: Post-grunge A color photograph of members of the Foo Fighters on stage with instruments Foo Fighters realizar un show acústico en el 2007

El término post-grunge fue acuñado para la generación de bandas que siguieron a la aparición en la corriente principal, y la posterior interrupción, de las bandas grunge de Seattle. las bandas de post-grunge emulado sus actitudes y la música, pero con un sonido más comercial de radio-amigable.[206] A menudo trabajó a través de las grandes discográficas y llegó a incorporar diversas influencias desde el pop tintineo, pop-punk, metal alternativo o hard rock.[206] El término post-grunge estaba destinado a ser peyorativo, lo que sugiere que eran simplemente musicalmente derivados, o una respuesta cínica a un movimiento “auténtico” rock.[210] Desde 1994, el ex baterista de Nirvana Dave Grohl’S nueva banda, el Foo Fighters, Ayudó a popularizar el género y definir sus parámetros.[211]

Algunas bandas de post-grunge, como Candlebox, Eran de Seattle, pero el sub-género se ha caracterizado por una ampliación de la base geográfica del grunge, con bandas como Los Ángeles Audioslave, Y de Georgia Collective Soul y fuera de los EE.UU. a la de Australia Silverchair y Gran Bretaña Bush, Que todos los post-grunge cimentó como uno de los más viables comercialmente sub-géneros de la década de 1990.[195][206] Aunque las bandas artista masculino predominó, como solista femenina Alanis Morissette’S álbum de 1995 Jagged Little Pill, Etiquetado como post-grunge, también se convirtió en un éxito multi-platino.[212] Bandas como Credo y Nickelback tomó post-grunge en el siglo 21 con un éxito comercial considerable, abandonando la mayor parte de la angustia y la ira del movimiento original de los himnos más convencionales, narraciones y canciones románticas, y fueron seguidos en este sentido por actos nuevos, entre ellos Shinedown, Seether y 3 Doors Down.[210] Pop punk Artículo principal: Pop punk A color photograph of members of the group Green Day on stage with instruments Green Day desempeño en el 2009

Los orígenes del punk pop década de 1990 se puede ver en las bandas más orientadas canción de la década de 1970 como el movimiento punk The Buzzcocks y The Clash, Un éxito comercial New Wave actúa como The Jam y The Undertones, Y el más hardcore-elementos influencia de rock alternativo en la década de 1980.[213] Pop-punk tiende a utilizar melodías power pop y cambios de acordes de punk con ritmos rápidos y fuertes guitarras.[214] música Punk sirvió de inspiración para algunas bandas con sede en California en sellos independientes a principios de 1990, incluyendo Rancio, Pennywise, Weezer y Green Day.[213] En 1994, Green Day se mudó a un sello grande y produjo el álbum Dookie, Que encontró una nueva, en gran parte adolescentes, el público y demostró un sorprendente éxito de ventas de diamantes, dando lugar a una serie de exitosos sencillos, incluidos dos números uno en los EE.UU..[195] Ellos fueron seguidos pronto por el debut homónimo de Weezer, que generó tres sencillos top ten en los EE.UU..[215] Este éxito abrió las puertas para las ventas multi-platino de la banda de punk metal The Offspring con Smash (1994).[195] Esta primera ola del punk pop llegó a su apogeo comercial con Green Day Nimrod (1997) y The Offspring Americana (1998).[216]

Una segunda oleada del punk pop fue encabezado por Blink-182, Con su álbum de avance Enema of the State (1999), seguido por bandas como Good Charlotte, Bowling for Soup y Sum 41, Que hizo uso del humor en sus videos y tenía un tono más radio-amigable con su música, sin perder la velocidad, algunos de la actitud e incluso el aspecto de 1970 punk.[213] Más tarde, las bandas pop-punk, incluyendo Simple Plan, All-American Rejects y Fall Out Boy, Tenía un sonido que ha sido descrito como más cercano a 1980 hardcore, sin dejar de alcanzar el éxito comercial considerable.[213] Indie rock Artículo principal: Indie rock Ver también: Riot grrrl, música Lo-fi, Post rock, Math rock, Roca del espacio, Sadcore, Y Pop barroco A black and white photograph of five members of the group Pavement standing in front of a brick wall indie lo-fi banda de rock Pavimento en el 2006

En la década de 1980 los términos de indie rock y rock alternativo se usan indistintamente.[217] A mediados de la década de 1990, como elementos del movimiento comenzó a atraer el interés de la corriente principal, en particular del grunge y britpop, post-grunge y el pop-punk, la alternativa término comenzó a perder su significado.[217] Esas bandas siguiendo los contornos menos comercial de la escena se refiere cada vez más por el sello indie.[217] Se caracterizan por intento de mantener el control de sus carreras por la liberación de álbumes en sus propios sellos independientes o pequeños, si bien depende del turismo, la palabra de boca en boca, y en estaciones de radio independientes o de la universidad para la promoción.[217] Unidos por una ética más que una propuesta musical, el movimiento de rock indie que abarca una amplia gama de estilos, desde las bandas con bordes duros, bajo la influencia del grunge-como The Cranberries y Superchunk, Bandas experimentales a través de “hágalo usted mismo como Pavimento, A los cantantes de folk punk, tales como Ani Di Franco?.[195][196] Se ha observado que el rock indie tiene una proporción relativamente alta de mujeres artistas en comparación con los géneros de rock anteriores, una tendencia ejemplificada por el desarrollo de las feministas informado Riot grrrl música.[218] Muchos países han desarrollado un amplio local indie escena, floreciente, con bandas con la popularidad suficiente como para sobrevivir en el interior del país respectivo, pero prácticamente desconocida fuera de ellos.[219]

A finales de la década de 1990 muchos sub-géneros reconocibles, la mayoría con sus orígenes en el movimiento alternativo años 80, se incluyeron en el marco del indie. Lo-fi evitaron las técnicas de grabación pulido para un DIY ethos y fue encabezado por Beck, Sebadoh y Pavimento.[195] El trabajo de Talk Talk y Slint ayudó a inspirar tanto post rock, un estilo experimental, influido por jazz y la música electrónica, Por primera vez por Bark Psychosis y el incorporado en actos tales como Tortuga, Stereolab, Y Laika,[220][221] así como los principales a más denso y complejo, math rock de guitarra, desarrollado por actos como Polvo y Chávez.[222] roca espacial parecía volver a las raíces progresivas, con aviones no tripulados actos pesados ​​y minimalista como Spaceman 3, Los dos grupos creados a partir de su separación, Espectro y Spiritualized, Y más tarde grupos como Volar ataque del platillo, Godspeed You Emperador Negro! y Quickspace.[223] Por el contrario, Sadcore hizo hincapié en el dolor y el sufrimiento a través del uso melódico de instrumentación acústica y electrónica en la música de bandas como American Music Club y Red House Painters,[224] mientras que el resurgimiento del pop barroco reaccionado contra la música lo-fi y experimental, poniendo énfasis en la melodía y la instrumentación clásica, con artistas como Arcade Fire, Belle and Sebastian y Rufus Wainwright.[225] de metal alternativo, rap rock y nu metal Artículo principal: Heavy metal Ver también: Metal alternativo, Rap rock, Rap metal, Y Nu metal A color photograph of members of the group Linkin Park performing on and outdoor stage Linkin Park desempeño en el 2009

de metal alternativo surgido de la escena hardcore de rock alternativo en los EE.UU. a finales de la década de 1980, pero ganó un público más amplio después de grunge irrumpió en la corriente principal en la década de 1990.[226] Los primeros grupos de metal alternativo mezcla una gran variedad de géneros con la sensibilidad de metal hardcore y pesado, con artistas como Jane’s Addiction y Primus la utilización de prog-rock, Soundgarden y Corrosion of Conformity con garage punk, The Jesus Lizard y Casco mezcla ruido-rock, Ministerio y Nine Inch Nails influenciado por la música industrial, Monster Magnet entrando en psicodelia, Pantera, Sepultura y White Zombie la creación de groove metal, Mientras que Biohazard y Faith No More se dirigió a hip hop y el rap.[226]

El hip hop había ganado la atención de grupos de rock en la década de 1980, incluyendo The Clash con “Los siete magníficos”(1981) y Blondie con”Rapto” (1981).[227][228] Los primeros actos de cruce incluido Run DMC y el Beastie Boys.[229] Detroit rapero Esham se hizo conocido por su “rap ácido” estilo, que fusionó rap con un sonido que se basaba a menudo en el rock y el heavy metal.[230][231] Raperos que la muestra incluye canciones de rock Ice-T, El Fat Boys, LL Cool J, Public Enemy y Whodini.[232] La mezcla de thrash metal y el rap fue iniciada por Ántrax en su comedia de 1987 de influencia única “Soy un hombre”.[232]

En 1990, Faith No More irrumpió en el mainstream con su single “Épica, A menudo visto como la primera combinación verdaderamente exitosa del heavy metal con rap.[233] Esto allanó el camino para el éxito de las bandas existentes, como 24–7 Spyz y Living Colour Y? nuevos actos incluidos Rage Against the Machine y Red Hot Chili Peppers, Que el rock fusión y hip hop, entre otros factores.[210][232] Entre la primera oleada de artistas para obtener éxito comercial como el rock rap se 311,[234] Bloodhound Gang,[235] y Kid Rock.[236] Un sonido más metálico - nu metal - Fue perseguido por grupos como Limp Bizkit, Korn y Nudo corredizo.[232] Más tarde, en la década de este estilo, que contenía una mezcla de grunge, punk, metal, rap y el plato rascarse, Generó una ola de bandas de éxito como Linkin Park, P.O.D. y Staind, Que se clasifican a menudo como rap metal o nu metal, el primero de los cuales son la banda más vendido del género.[237]

En 2001, el nu metal alcanzó su pico con álbumes como Staind Break the Cycle, P.O.D ‘s Satélite, De Slipknot Iowa y Linkin Park es Hybrid Theory. También surgieron nuevas bandas como Perturbado, Banda de rock post-grunge/hard Godsmack y Papa Roach, Cuyo disco debut Infestar se convirtió en un éxito de platino.[238] Sin embargo, en 2002 había indicios de que la popularidad de la corriente principal de nu metal fue debilitando.[210] largo quinto disco de Korn esperado Intocables de Eliot Ness, Y Papa Roach segundo álbum Lovehatetragedy, No se vendió tan bien como sus versiones anteriores, mientras que las bandas de nu metal se jugaron más frecuencia en las emisoras de radio de rock y MTV comenzó a enfocarse en pop punk y emo.[239] Desde entonces, muchas bandas han cambiado a un hard rock más convencional o el sonido de música heavy metal.[239] Post-pop británico Artículo principal: Post-pop británico A color photograph of four members of Coldplay performing with instruments in front of a brick building

Coldplay en el 2008

De alrededor de 1997, creció como la insatisfacción con el concepto de Cool Britannia, y como un movimiento Britpop comenzó a disolverse, bandas emergentes comenzaron a evitar la etiqueta de pop británico y seguir produciendo música derivada de ella.[240][241] Muchas de estas bandas tienden a mezclar elementos del rock británico tradicional (o de rock británica trad),[242] sobre todo de los Beatles, Rolling Stones y Small Faces,[243] con influencias americanas, e incluso como post-grunge.[244][245] Procedentes de todo el Reino Unido (con varias importantes bandas emergentes del norte de Inglaterra, Escocia, Gales e Irlanda del Norte), los temas de su música tiende a ser menos parroquialmente centrada en inglés, Inglés y la vida de Londres y más introspectivo de lo que se en el caso de pop británico en su apogeo.[246][247] Esto, junto a una mayor disposición a colaborar con la prensa estadounidense y los aficionados, pueden haber ayudado a algunos de ellos para alcanzar el éxito internacional.[248]

las bandas de post-pop británico se ha visto como la presentación de la imagen de la estrella de rock como una persona común y su música cada vez más melódica fue criticado por ser suave o derivados.[249] Post-pop británico bandas como The Verve con Urban Hymns (1997), Radiohead de OK Computer (1997), Travis de El hombre que (1999), Stereophonics de Rendimiento y Cócteles (1999), Alimentador de Echo Park (2001) y, en particular Coldplay de su álbum debut Paracaídas (2000), alcanzó gran éxito internacional en general que la mayoría de los grupos de pop británico que les habían precedido, y fueron algunos de los actos con más éxito comercial de la década de 1990 y principios de 2000, podría decirse que proporciona una plataforma de lanzamiento para la posterior garage rock o post-punk, Que también ha sido visto como una reacción a su marca introspectivo del rock. El nuevo milenio (la década de 2000) Post-hardcore y emo Artículos principales: Post-Hardcore y Emo Ver también: Screamo A color photograph of members of the band Fugazi performing on state with the heads of an audience in the foreground

Los miembros del Fugazi realizar en el año 2002

Post-hardcore desarrollado en los EE.UU., especialmente en el de Chicago y Washington, DC áreas, a principios de los a mediados de 1980, con bandas que fueron inspiradas por la ética “hágalo usted mismo” y la música de guitarra pesados ​​del hardcore punk, pero influenciados por el post-punk, ya la adopción de formatos de canciones, las estructuras musicales más complejas y las letras a veces más melódico. Las bandas existentes que pasado de hardcore incluido Fugazi.[253] Desde finales de 1980 fueron seguidos por grupos como Arena movediza,[254] Girls Against Boys[255] y The Jesus Lizard.[256] Las bandas que se formaron en la década de 1990 incluye Jueves,[257] Tres veces,[258] Pinzón,[259] y Poison the Well.[260]

Emo también emergió de la escena hardcore en 1980 Washington, DC, en un principio como “emocore”, que se utiliza como un término para describir a bandas que estaban a favor voz expresiva sobre el abrasivo más común, ladrando estilo.[261] El estilo fue iniciado por bandas Rites of Spring y Abrazo, El último formado por Ian MacKaye, Cuya Dischord Records se convirtió en un importante centro de la escena emo emergentes DC, liberando el trabajo de Rites of Spring, Dag Nasty, Nation of Ulysses y Fugazi.[261] Fugazi convertido en la banda emo temprana definitiva, obtener una base de fans entre los seguidores de rock alternativo, por lo menos no por su posición abiertamente anti-comercial.[261] La escena emo principios de funcionar como un metro, con bandas de corta duración liberación de los discos de vinilo pequeña ejecutarse en pequeños sellos independientes.[261] A mediados de los años 90 el sonido del emo se definió por bandas como Quebrador de fauces y Sunny Day Real Estate que incorpora elementos del grunge y el rock más melódico.[262] Sólo después de la irrupción del grunge y el pop punk en la corriente emo hizo venir a una mayor atención con el éxito de Weezer Pinkerton (1996) el álbum, que utilizó pop punk.[261] Finales de 1990 las bandas se basó en la obra de Fugazi, SDRE, Jawbreaker y Weezer, incluyendo The Promise Ring, The Get Up Kids, Trenza, Texas Is the Reason, Juana de Arco, Jets to Brazil y con más éxito Jimmy Eat World, Y por el fin del milenio fue uno de los estilos indie más populares en los EE.UU..[261]

Emo irrumpieron en la cultura dominante en la década de 2000 con el éxito de platino de Jimmy Eat World Bleed American (2001) y Dashboard Confessional’S Los lugares que ha llegado a temer la mayoría de los (2003).[263] El emo nueva tenía un sonido mucho más que la corriente principal en los años 90 y un atractivo mucho mayor entre los adolescentes de sus encarnaciones anteriores.[263] Al mismo tiempo, el uso del término emo se expandió más allá del género musical, llegando a ser asociados con la moda, el peinado y cualquier música que expresa la emoción.[264] El término emo se ha aplicado por los críticos y periodistas a una variedad de artistas, incluidos los actos de multi-platino como Fall Out Boy[265] y My Chemical Romance[266] y grupos tan dispares como Paramore[265] y Panic at the Disco,[267] incluso cuando se protesta por la etiqueta. Para el año 2003 las bandas post-hardcore también había captado la atención de los principales sellos discográficos y comenzó a disfrutar de éxito comercial en las listas de popularidad.[257][258] Algunas de estas bandas fueron vistos como una rama más agresiva de las emociones y teniendo en cuenta la etiqueta a menudo vaga de screamo.[268] Alrededor de este tiempo, una nueva ola de bandas post-hardcore comenzó a emerger en la escena que incorporó más punk pop y estilos de rock en su música, incluyendo The Used,[269] Hawthorne Heights,[270] Sentidos Opuestos,[271] Desde el principio hasta el final[272] y Esmeril[273] y las bandas de Canadá Silverstein[274] y Alexisonfire.[275] bandas británicas como Funeral For A Friend,[276] The Blackout[277] y Enter Shikari También se ha avanzado.[278] Garage rock revival post-punk Artículos principales: Garage rock revival y Post-punk revival a color photograph of members of the group the Strokes performing on stage

The Strokes realizar en 2006

En la década de 2000, un nuevo grupo de bandas que han jugado un despojado abajo y hacia atrás a lo básico versión de la guitarra de rock, surgido en la corriente principal. Se caracterizaron diversas como parte de un garage rock, post-punk o la reactivación de la Nueva Ola.[279][280][281][282] Debido a que las bandas de vino de todo el mundo, citó diversas influencias (desde el blues tradicional, a través de la Nueva Ola al grunge), y adoptado diferentes estilos de vestir, su unidad como un género ha sido discutida.[283] Ha habido intentos de revivir el garage rock y elementos del punk en los años 1980 y 1990 y en 2000 escenas había crecido en varios países.[284] La escena del rock de Detroit incluido The Von Bondies, Electric Six, The Dirtbombs y The Detroit Cobras[285] y la de Nueva York Radio 4, Yeah Yeah Yeahs y El Rapto.[286] En otros lugares, otros artistas menos conocidos, como Billy Childish y El Medways Buff de Gran Bretaña,[287] The (International) Noise Conspiracy de Suecia,[288] The 5.6.7.8 ‘s de Japón,[289] y el Oblivians de Memphis disfrutó de un éxito underground, regional o nacional.[290]

El éxito comercial de estas escenas fue dirigido por cuatro bandas: The Strokes, Que emergió de la escena club de Nueva York con su álbum debut Is This It (2001); The White Stripes, De Detroit, con su tercer álbum Glóbulos Blancos (2001); The Hives de Suecia después de su álbum recopilatorio Su banda favoritas Nueva (2001), y The Vines de Australia con Altamente evolucionado (2002).[291] Ellos fueron bautizados por los medios de comunicación como el “El” bandas, y apodado “Los salvadores del rock ‘n’ roll”, lo que lleva a las acusaciones de exageración.[292] Una segunda ola de bandas que lograron obtener el reconocimiento internacional como resultado del movimiento incluido Negro Rebel Motorcycle Club, The Killers, Interpol y Kings of Leon de los EE.UU.,[293] The Libertines, Arctic Monkeys, Bloc Party, Editores, Franz Ferdinand y Placebo del Reino Unido,[294] Jet de Australia[295] y The Datsuns y El D4 de Nueva Zelanda.[296] Contemporáneo de heavy metal metalcore, y el metal retro Artículo principal: Heavy metal Ver también: Metalcorey Nueva Ola de Heavy Metal de América A color photograph of two members of the group Children of Bodom standing on a stage with guitars, drums are visible in the background

Children of Bodom, Actuando en el 2007 Maestros del Rock festival

Metal sigue siendo popular en la década de 2000, sobre todo en la Europa continental. En el nuevo milenio los países escandinavos se había convertido en una de las zonas de producción de bandas innovadoras y exitosas, mientras que Bélgica, Holanda y especialmente en Alemania fueron los mercados más importantes.[297] Establecido bandas de metal continental que coloca varios álbumes en el top 20 de las listas alemanas entre 2003 y 2008, incluyendo banda finlandesa Children of Bodom,[298] acto de Noruega Dimmu Borgir,[299] Alemania Blind Guardian[300] y de Suecia Hammerfall.[301]

Metalcore, originalmente un híbrido estadounidense de thrash metal y hardcore punk, surgido como una fuerza comercial a mediados de la década de 2000.[302][303] Que tenía sus raíces en la crossover thrash estilo desarrollado dos décadas antes por bandas como Suicidal Tendencies, Imbeciles putrefactos sucios, Y Stormtroopers Of Death y siguió siendo un fenómeno subterráneo a través de la década de 1990.[304] En 2004, metalcore melódico, influenciado por melodic death metal, Fue lo suficientemente popular para Killswitch Engage’S The End of Heartache y Shadows Fall’S Dentro de la Guerra para debutar en el número 21 y número 20, respectivamente, en el Billboard álbum gráfico.[305][306] Bullet For My Valentine, De Gales, irrumpieron en el top 5 en los EE.UU. y listas británicas con Grita Fuego Objetivo (2008).[307] bandas de metalcore han tenido espacios privilegiados en Ozzfest y el Download Festival.[308] Cordero de Dios, Relacionados con una mezcla de estilos del metal, alcanzó el número 2 en el Billboard listas en 2009 con Ira.[309]

El éxito de estas bandas y otros como Trivium, Que han dado a conocer tanto metalcore y recta thrash álbumes, y Mastodonte, Que jugó en una progresiva /lodos reclamaciones estilo, inspirado por un renacimiento del metal en los Estados Unidos, llamado por algunos críticos de la “New Wave of American Heavy Metal”.[310][311] Sus raíces han sido relacionados con la música de los actos como Pantera, Biohazard y Machine Head, a partir de Nueva York hardcore, Thrash metal y punk, ayudando a inspirar a un alejamiento de la Nu Metal de la década de 2000 y la vuelta a los riffs y solos de guitarra.[312][313]

El término “retro-metal” se ha aplicado a bandas como sede en Texas La Espada, California High on Fire, Suecia Brujería, Y de Australia Wolfmother.[314] La Espada Edad de Winters (2006), se basó en la obra de Negro Sabbath y Pentagram,[315] mientras que la brujería agregó elementos de folk y rock psicodélico[316] y de Wolfmother auto-titulado álbum debut 2005 elementos combinados de los sonidos de Deep Purple y Led Zeppelin.[317] Electrónico digital de rock Artículo principal: Electronic rock Ver también: Laptronica, Indie electrónica, Electroclash, Dance-punk, Y New rave A color photograph of two members of the group Justice standing in front of a brick wall

Gaspard Augé y Xavier de Rosnay de Justicia en el año 2001

En la década de 2000, como la tecnología de computadoras se volvieron más accesibles y software de música avanzada, se hizo posible la creación de música de alta calidad con poco más que una sola ordenador portátil.[318] Esto dio lugar a un aumento masivo en la cantidad de música electrónica de producción nacional a disposición del público en general a través de Internet en expansión,[319] y nuevas formas de rendimiento, tales como laptronica[318] y viven de codificación.[320] Estas técnicas también comenzó a ser utilizado por las bandas existentes, como con rock industrial acto álbum de Nine Inch Nails Año Cero (2007),[321] y por el desarrollo de los géneros que el rock se mezcla con las técnicas digitales y los sonidos, incluyendo electroclash indie electrónica, dance-punk y el New Rave.

electrónica independiente, que había comenzado en los años 90 con bandas como Stereolab y Disco Inferno, Se inició en el nuevo milenio como la nueva tecnología digital desarrollada, con actos como Difusión del Reino Unido, Justicia de Francia, Lali Puna de Alemania y El Servicio Postal, Y Ratatat de los EE.UU., mezcla una variedad de sonidos indie con la música electrónica, en gran parte producidos en pequeños sellos independientes.[322][323] El Electroclash subgénero comenzó en Nueva York a finales de la década de 1990, la combinación de synth pop, el techno, el punk y el arte de la performance. Fue por primera vez por I-F con su tema “Space Invaders son fumadores de hierba” (1998),[324] y perseguido por artistas como Felix da Housecat,[325] Melocotones, Chicks on Speed,[326] y Ladytron.[327] Se ganó la atención internacional a principios del nuevo milenio y se extendió a las escenas en Londres y Berlín, pero rápidamente se desvaneció como un género reconocible.[328] Dance-punk, mezcla sonidos post-punk con discoteca y canguelo, Se había desarrollado en la década de 1980, pero fue revivido entre algunas bandas del garage rock / post-punk revival en los primeros años del nuevo milenio, en particular entre los de Nueva York actúa como Los mentirosos, The Rapture y Radio 4, junto con actos orientados a la danza-que adoptaron los sonidos de rock, tales como Out Hud.[329] En Gran Bretaña la combinación de indie-punk con la danza se llamó new rave en la publicidad de Los Klaxons y el término fue tomado y aplicado por el NME a las bandas[330] incluyendo Trash Fashion,[331] Nueva Pony Club Joven,[332] Hadouken!, Late of the Pier, Test Icicles[333] y Shitdisco,[330] la formación de una escena con una estética visual similar a la anterior música rave.[330][334] Impacto social Artículo principal: Efectos sociales de la música rock A color photograph showing people sitting on grass, in the foreground a back and a white male look at each other

De 1969 Festival de Woodstock fue visto como una celebración del estilo de vida contracultural.

La popularidad de la música rock en todo el mundo entiende que se convirtió en una influencia importante en la cultura, la moda y las actitudes sociales. Diferentes sub-géneros del rock fueron adoptadas por, y se convirtió en fundamental para la identidad de un gran número de sub-culturas. En los años 1950 y 1960, respectivamente, los jóvenes británicos adoptaron la Teddy Boy y Rockers subculturas, que giró en torno a EE.UU. de rock and roll.[335] La contra-cultura de la década de 1960 se asoció estrechamente con el rock psicodélico.[335] A mediados de la década de 1970 subcultura punk se inició en los EE.UU., pero se le dio un aspecto distintivo de la diseñadora británica Vivian Westwood, Una mirada que se extendió en todo el mundo.[336] Fuera de la escena punk, el Godo y subculturas Emo creció, los cuales presentan distintivos estilos visuales.[337]

Cuando una cultura rock internacional desarrollados, que fue capaz de sustituir cine como las principales fuentes de influencia de la moda.[338] Paradójicamente, los seguidores de la música rock a menudo desconfía del mundo de la moda, que ha sido visto como elevar la imagen de arriba sustancia.[338] modas Rock se han visto como la combinación de elementos de diferentes culturas y períodos, así como la expresión de opiniones divergentes sobre la sexualidad y el género, y la música rock en general se ha observado y criticado por facilitar una mayor libertad sexual.[338][339] Rock también se ha asociado con diversas formas de consumo de drogas, incluido el estimulantes adoptadas por algunos mods en la primera mitad de la década de 1960, a través del LSD vinculados con el rock psicodélico de finales de 1960 y principios de 1970, y en ocasiones a cannabis, cocaína y la heroína, Todo lo cual ha sido elogiada en la canción.[340][341]

Rock ha sido acreditado con el cambio de actitudes hacia la raza mediante la apertura de cultura afro-americana a las audiencias blanco, pero al mismo tiempo, el rock ha sido acusado de apropiación y explotación de esa cultura.[342][343] Mientras que la música rock ha absorbido muchas influencias occidentales y la presentó al público las diferentes tradiciones musicales,[344] la propagación mundial de la música rock ha sido interpretado como una forma de imperialismo cultural.[345] La música rock heredado la tradición popular de canción protesta, Haciendo declaraciones políticas sobre temas como la guerra, la religión, la pobreza, los derechos civiles, la justicia y el medio ambiente.[346] El activismo político alcanzado un pico de corriente con el “No saben que es Navidad?”Sola (1984) y Live Aid concierto de Etiopía en 1985, que, aunque con éxito la sensibilización de la pobreza mundial y los fondos de ayuda, también han sido criticados (junto con eventos similares), para proporcionar una fase de auto-engrandecimiento y el aumento de los beneficios de las estrellas de rock involucradas.[347]

Desde su música antigua roca de desarrollo se ha asociado a la rebelión contra las normas sociales y políticos, más evidente en el rock and rechazo rollo de una cultura del adulto-dominada, la contra-cultura de rechazo del consumismo y el conformismo y el rechazo del punk de toda forma de convención social ,[348] Sin embargo, también puede ser visto como proporcionar un medio de explotación comercial de tales ideas y de desviar los jóvenes lejos de la acción política.

Rock music. (2011, June 7). In Wikipedia, The Free Encyclopedia. Retrieved 05:35, June 7, 2011, from http://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Rock_music&oldid=432950865

Música rock

La música rock o meramente rock es un género musical contemporáneo encaminado a englobar cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll. Suele interpretarse, entre otros muchos instrumentos que ocasionalmente se adicionan, con guitarra, batería, y bajo. Muchos estilos de música rock también utilizan instrumentos de teclado como el órgano, el piano, o los sintetizadores. La música rock normalmente tiene un fuerte contratiempo, y a menudo se centra en la guitarra, tanto eléctrica como acústica.

El primitivo rock se deriva de una gran cantidad de fuentes, principalmente blues, rythm and blues y country, pero también del gospel, pop tradicional, jazz y folk. Todas estas influencias combinadas en una simple, estructura musical basada en blues «que era rápida, bailable y pegadiza».

Rock and roll y música rock [editar]

El término rock and roll ha englobado desde siempre todos los géneros que derivan de él al ser la única vertiente y término predominante. Pero posteriormente, debido a la creciente popularidad de muchos de esos géneros derivados, se ha creado un término que es puramente contemporáneo para englobarlos, con la misma función que venía cumpliendo el término rock and roll, y que se diferencia a partir de la contracción derivada de éste (rock), música rock, por lo que rock and roll es el sinónimo histórico de música rock y todos los géneros hoy englobados en música rock derivan de él de forma directa o indirecta.

De esta forma, el término rock deriva del término rock and roll, pero hoy día conserva dos significados según la Real Academia de la Lengua Española: un género musical característico y popularizado en los 50 (que se corresponde con la definición de rock and roll) y cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll, que sería, por tanto, la definición del género contemporáneo música rock, y que ha cumplido durante tanto tiempo el término rock and roll.

Música rock. (2008, 6) de agosto. Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de consulta: 07:00, agosto 8, 2008 from http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=M%C3%BAsica_rock&oldid=19265802.


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