Elaboracion De Imagenes Figurativas O Abstractas

Elaboracion De Imagenes Figurativas O Abstractas

El arte abstracto

El arte abstracto utiliza un lenguaje visual de la forma, color y línea para crear una composición que puede existir con un cierto grado de independencia de referencias visuales en el mundo.[1] el arte occidental había sido, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo 19, sustentada por la lógica de perspectiva y un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de otras culturas que la europea se había convertido en accesibles y mostraban formas alternativas de describir la experiencia visual del artista. A finales del siglo 19 muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que abarcan los cambios fundamentales que tienen lugar en la tecnología, la ciencia y la filosofía. Las fuentes de las que los artistas sacaron sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las preocupaciones sociales e intelectuales en todos los ámbitos de la cultura occidental en ese momento.[2]

El arte abstracto, el arte no figurativo, el arte no-objetivo, y el arte no figurativo son términos vagamente relacionados. Son similares, aunque quizás no de significado idéntico.

Abstracción indica un alejamiento de la realidad en representación de imágenes en el arte. Este alejamiento de la representación exacta puede ser leve, o puede ser parcial, o puede ser completa. La abstracción es un continuo. Incluso el arte que aspira a la verosimilitud del más alto grado puede decirse que es abstracto, al menos en teoría, ya que la representación perfecta es probable que sea extremadamente difícil de alcanzar. Obras de arte que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma en formas que son visibles, se puede decir que en parte abstracta. Total de la abstracción no tiene rastro de toda referencia a nada reconocible. En la abstracción geométrica, Por ejemplo, uno es poco probable que las referencias a entidades naturalistas. El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes. Sin embargo, figurativo y figurativo (O realista) Arte a menudo contiene abstracción parcial.

Ambos La abstracción geométrica y Abstracción lírica son a menudo totalmente abstractas. Entre las muy numerosas movimientos artísticos que encarnan la abstracción parcial sería, por ejemplo, fauvismo en el que el color es visible y modificado deliberadamente vis-á-vis la realidad, y cubismo, Que evidentemente altera las formas de las entidades de la vida real representado.

Historia

Artículos principales: Historia de la pintura y la pintura occidental La abstracción en el arte de principios y muchas culturas Artículos principales: Arte prehistórico y Este de la historia del arte

Gran parte del arte de culturas anteriores - los signos y marcas en la cerámica, los textiles, y las inscripciones y pinturas sobre roca - eran simples, geométricas y lineales formas que podría haber tenido un propósito simbólico o decorativo.[5] Es en este nivel de significado visual que comunica el arte abstracto. Uno puede disfrutar de la belleza de La caligrafía china o la caligrafía islámica sin ser capaz de leerlo.

siglo 19

Tres movimientos artísticos lo que contribuyó al desarrollo del arte abstracto se Romanticismo, Impresionismo y Expresionismo. independencia artística para los artistas se adelantó durante el siglo 19. Patronato de la iglesia patrocinio disminuido y privado de lo público se hizo más capaz de proporcionar un medio de vida para los artistas. James McNeill Whistler, Nocturno en Negro y Oro: La caída de cohetes (1874), Detroit Institute of Arts. A cerca de la abstracción, en 1877 Whistler demandó a la crítico de arte John Ruskin por difamación después de que el crítico condenó su pintura Nocturno en Negro y Oro: La caída de cohetes. Ruskin Whistler acusado de “hacer [ing] doscientas guineas por lanzar un bote de pintura en la cara del público.” [6] [7]

Los primeros indicios de un nuevo arte había sido hecha por James McNeill Whistler que, en su pintura Nocturno en Negro y Oro: La caída de cohetes, (1872), puesto mayor énfasis en la sensación visual de la representación de los objetos. Un interés objetivo en lo que se ve, puede deducirse de las pinturas de John Constable, M J W Turner, Camille Corot y de ellos a los impresionistas que continuaron la plein air pintura de la La escuela de Barbizon. Paul Cézanne que había comenzado como un impresionista, pero su objetivo - para realizar una construcción lógica de la realidad basada en una visión desde un único punto [8], Con el color moduladas en las zonas planas - se convirtió en la base de un arte visual nuevo, que más tarde se convirtió en Cubismo por George Braque y Pablo Picasso.

Expresionista pintores exploraron el uso audaz de la superficie de la pintura, el dibujo distorsiones y exageraciones, y el color intenso. Expresionistas produjeron pinturas de emoción, que fueron las reacciones y percepciones de la experiencia contemporánea, y las reacciones a Impresionismo y otras direcciones más conservadores de la pintura de finales del siglo 19. Los expresionistas también cambió drásticamente el énfasis en la materia en favor de la representación de los estados psicológicos del ser. A pesar de artistas como Edvard Munch y James Ensor señaló a influencias principalmente de la labor de la Post-impresionistas que fueron fundamentales para el advenimiento de la abstracción en el siglo 20.

Además a finales del siglo 19 en Europa del Este misticismo y principios modernista filosofía religiosa según lo expresado por teósofo Mme. Blavatsky tenido un impacto profundo en la pionera geométrica artistas como Wassily Kandinsky, Y Hilma af Klint. La enseñanza de la mística Georges Gurdjieff y P.D. Ouspensky También tuvo una importante influencia en las formaciones iniciales de los estilos geométricos abstractos de Piet Mondrian y sus colegas en el siglo 20.

siglo 20

Postimpresionismo tal como la practican Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh y Paul Cézanne tuvo un enorme impacto en la arte del siglo 20 y dio lugar a la aparición de la abstracción del siglo 20. El patrimonio de pintores como Van Gogh, Cézanne, Gauguin, Y Seurat era esencial para el desarrollo de el arte moderno. A principios del siglo 20 Henri Matisse y varios otros artistas jóvenes, con inclusión de la pre-cubista Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck revolucionó el mundo del arte de París con “salvaje”, multicolor, expresiva, paisajes y cuadros de figuras que los críticos calificaron Fauvismo. Con su uso expresivo del color y el dibujo libre e imaginativo Henri Matisse se acerca mucho a la abstracción pura en Ventana francesa en Collioure, (1914), Vista de Notre-Dame, (1914), y El telón de amarillo a partir de 1915. El lenguaje crudo de color desarrollado por el Fauves influido directamente en otro de los pioneros de la abstracción Wassily Kandinsky.

Aunque Cubismo en última instancia depende de la materia, se convirtió, junto con Fauvismo, El movimiento artístico que directamente abre la puerta a la abstracción en el siglo 20. Pablo Picasso hizo su primera cubista pinturas basadas en la idea de Cézanne que todos descripción de la naturaleza puede reducirse a tres sólidos: cubo, esfera y cono. Con la pintura Les Demoiselles d’Avignon 1907, Picasso drásticamente creó una imagen nueva y radical que representa una escena de burdel cruda y primitiva con cinco prostitutas, las mujeres violentamente pintadas, que recuerda Máscaras tribales africanas y su propia nueva Cubista invenciones. Cubismo analítico fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y Georges Braque, De cerca de 1908 hasta 1912. cubismo analítico, la primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por El cubismo sintético, Practicado por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp y un sinnúmero de otros artistas en la década de 1920. El cubismo sintético se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, collage elementos, papier collé y una gran variedad de la materia combinada. Los artistas del collage como Kurt Schwitters y Man Ray y otros de tomar la pista de Cubismo fueron fundamentales para el desarrollo del movimiento llamado Dada.

El poeta italiano Marinetti publicó “La Fundación y Manifiesto del Futurismo En? 1909, que inspiró a artistas como Carlo Carra en “Pintura de los sonidos, ruidos y olores y Umberto Boccioni ‘Tren en Movimiento “de 1911, a una fase ulterior de la abstracción e influyó profundamente en movimientos artísticos de toda Europa.[10]

En 1913 el poeta Guillaume Appollinaire llamado la obra de Robert y Sonia Delaunay, Orfismo. Él lo define como, el arte de la pintura de estructuras nuevas a partir de elementos que no han sido tomados de la esfera visual, pero se había creado en su totalidad por el artista … es un arte puro.

Desde el cambio de siglo las conexiones culturales entre artistas de las principales ciudades europeas y americanas se había vuelto muy activa a medida que se esforzó por crear una forma de arte igual a las altas aspiraciones de Modernismo. Las ideas fueron capaces de fecundarse a través de los libros de artistas, exposiciones y manifiestos por lo que muchas fuentes estaban abiertos a la experimentación y discusión, y sirvieron de base para una diversidad de modos de abstracción. A continuación un extracto de ‘El Mundo al revés’, da una impresión de la interconexión de la cultura en el momento:

David Burliuk’Conocimiento s de los movimientos de arte moderno debe haber sido muy arriba-hasta la fecha, para el segundo Sota de Diamantes exposición, Celebrada en enero de 1912 (en Moscú) no incluidos cuadros sólo se envían desde Munich, pero algunos miembros de la alemana Die Brücke grupo, mientras que desde París llegó el trabajo de Robert Delaunay, Henri Matisse y Fernand Léger, Así como Picasso. Durante la primavera Burliuk David dio dos conferencias sobre el cubismo y planeó una publicación polémica, que la Sota de Diamantes fue a la financiación. Él se fue al extranjero en mayo y salió decidido volver a competir con el almanaque Der Blaue Reiter que había salido de la imprenta cuando se encontraba en Alemania.

En 1911 muchos trabajos experimentales en la búsqueda de este «arte puro» se había creado. František Kupka había pintado la obra Orphist, “Discos de Newton». El Rayist (Luchizm) los planos de Natalia Goncharova y Mijail Larionov, Líneas utilizadas como rayos de luz para hacer una construcción. Kasimir Malevich completó su primera obra totalmente abstracta, la Suprematista, “Cuadrado Negro”, en 1915. Otro del grupo suprematista ‘ Liubov Popova, Creó el Construcciones Arquitectónicas y Ordenación del Grupo de Construcciones entre 1916 y 1921. Piet Mondrian fue la evolución de su lenguaje abstracto, de líneas horizontales y verticales con rectángulos de color, entre 1915 y 1919, neoplasticismo fue la estética que Mondrian, Theo van Doesburg y otros en el grupo De Stijl la intención de remodelar el entorno del futuro.

Música

El arte visual, ya que se vuelve más abstracta se parece más a música: Una forma de arte que utiliza los elementos abstractos del sonido y las divisiones del tiempo. Wassily Kandinsky, Él mismo un músico, se inspiró en la posibilidad de marcas y colores asociativos resonando en el alma. La idea había sido propuesta por Charles Baudelaire, Que todos nuestros sentidos responden a estímulos diferentes, pero los sentidos están conectados en un nivel más profundo estética.

Muy relacionado con esto, es la idea que el arte ha La dimensión espiritual y puede superar “todos los días-la experiencia, llegando a un plano espiritual. La Sociedad Teosófica popularizó la antigua sabiduría de los libros sagrados de la India y China en los primeros años del siglo. Fue en este contexto que Piet Mondrian, Wassily Kandinsky, Hilma af Klint y otros artistas que trabajan hacia un “estado sin objeto” se interesó en lo oculto como una forma de crear un “interior” del objeto. Las formas universales e intemporales que se encuentran en Geometría: El círculo, cuadrado y triángulo convierten en los elementos espaciales en el arte abstracto, sino que son, como el color, los sistemas fundamentales que subyacen en la realidad visible.

La vanguardia rusa

Muchos de los artistas abstractos en Rusia se convirtió en Constructivistas creyendo que el arte era algo que ya no remoto, sino la vida misma. El artista debe ser un técnico, aprender a utilizar las herramientas y materiales de la producción moderna. Arte en la vida! fue Vladimir Tatlin’Lema s, y la de todos los constructivistas futuro. Varvara Stepanova y Alexandre Exter y otros abandonaron la pintura de caballete y desvió sus energías al diseño de teatro y obras gráficas. En el otro lado estaba Kazimir Malevich, Anton Pevsner y Naum Gabo. Argumentaron que el arte era esencialmente una actividad espiritual, para crear el lugar del individuo en el mundo, no para organizar la vida en un sentido práctico, materialista. Muchos de los que eran hostiles a la idea de producción materialista del arte salió de Rusia. Anton Pevsner fue a Francia, Gabo se dirigió primero a Berlín, luego a Inglaterra y finalmente a América. Kandinsky estudió en Moscú, luego a la izquierda para la Bauhaus. A mediados de la década de 1920 el período revolucionario (1917–1921) cuando los artistas había sido libre de experimentar había terminado, y por la década de 1930 sólo el arte del realismo social se le permitió.

La Bauhaus

La Bauhaus en Weimar, Alemania fue fundada en 1919 por Walter Gropius.[13] La filosofía del programa de enseñanza era la unidad de todas las artes plásticas y visuales de la arquitectura y la pintura a tejer y vidrieras. Esta filosofía ha pasado de las ideas de la Artes y Oficios de movimiento en Inglaterra y la Deutsche Werkbund. Entre los profesores se Paul Klee, Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers, Theo van Doesburg y Laszlo Moholy-Nagy. En 1925 la escuela fue trasladada a Dessau y, en su partido nazi obtuvo el control en 1932, la Bauhaus fue cerrada. En 1937 una exposición de arte degenerado”Entartete Kunst” contenía todos los tipos de vanguardia arte desaprobado por el partido nazi. Luego comenzó el éxodo: no sólo de la Bauhaus, sino de Europa en general, a París, Londres y Estados Unidos. Paul Klee fue a Suiza, pero muchos de los artistas de la Bauhaus fue a América.

Abstracción en París y Londres

Durante la década de 1930 en París se convirtió en el anfitrión de artistas procedentes de Rusia, Alemania, Holanda y otros países europeos afectados por la subida de totalitarismo. Sophie Tauber y Jean Arp colaboró en la pintura y la escultura con formas orgánicas / geométrica. El polaco Katarzyna Kobro aplicar las ideas de base matemática a la escultura. Los muchos tipos de abstracción ahora en las proximidades llevó a los intentos de los artistas para analizar las distintas agrupaciones conceptuales y estéticos. Una exposición de cuarenta y seis miembros del grupo Cercle et Carré, organizado por Michel Seuphor [14] trabajo que figura en los neoplasticistas, así como abstractos tan variados como Kandinsky, Pevsner y Anton Kurt Schwitters. Criticado por Theo van Doesburg ser demasiado indefinido una colección que publica la revista Art Concret que establece un manifiesto la definición de un arte abstracto en el que la línea, el color y la superficie solamente, son la realidad concreta.[15] Abstraction-Création fundada en 1931 como un grupo más abierto, siempre un punto de referencia para los artistas abstractos, como la situación política se agravó en 1935, y los artistas se reagruparon nuevamente, muchos en Londres. La primera exposición de arte abstracto británico se llevó a cabo en Inglaterra en 1935. Al año siguiente el más internacional Abstracto y lo concreto exposición fue organizada por Nicolete gris trabajo, incluso por Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworth y Ben Nicholson. Hepworth, Nicholson y Gabo se trasladó a la St. Ives grupo en Cornwall para continuar el trabajo de sus “constructivista”.

América: Mediados de siglo

Durante la llegada de los nazis al poder en la década de 1930 muchos artistas huyeron de Europa a los Estados Unidos. En la década de 1940 los principales movimientos del arte moderno, el expresionismo, el cubismo, la abstracción, surrealismo, Y papá Estuvieron representados en Nueva York: Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, Max Ernst, André Breton, Fueron sólo algunos de los europeos exiliados que llegaron a Nueva York.[17]. Las influencias culturales ricos presentados por los artistas europeos se destila y se inspira en locales de Nueva York pintores. El clima de la libertad en Nueva York permitió todas estas influencias a florecer. Las galerías de arte que se había centrado principalmente en el arte europeo empezó a notar la comunidad artística local y el trabajo de jóvenes artistas norteamericanos que habían comenzado a madurar. Algunos de estos artistas se convirtieron en resumen claramente en su obra de madurez. Algunos artistas de la época desafiado las categorizaciones, como Georgia O’Keeffe que, mientras que un abstraccionista modernista, fue un rebelde puro en que se pintó formas muy abstractas, mientras que no unirse a ningún grupo específico de la época. Con el tiempo los artistas americanos que trabajaban en una gran diversidad de estilos empezaron a unirse en grupos de cohesión estilística. El grupo más conocido de los artistas americanos que se conoce como la Resumen expresionistas y el Escuela de Nueva York. En Nueva York hubo una atmósfera que alienta el debate y hubo nueva oportunidad para aprender y crecer. Los artistas y maestros John D. Graham y Hans Hofmann se convirtieron en figuras importantes puente entre los modernistas europeos recién llegados y los artistas más jóvenes de América la mayoría de edad. Mark Rothko, Nacido en Rusia, comenzó con imágenes muy surrealista que más tarde se disolvió en sus composiciones de color de gran alcance de la década de 1950. La gesto expresionista y el propio acto de pintar, ha sido de primordial importancia para Jackson Pollock y Franz Kline. Mientras que durante la década de 1940 Arshile Gorky’S y Willem de Kooning’S obra figurativa evolucionó hacia la abstracción a finales de la década. Nueva York se convirtió en el centro, y artistas de todo el mundo se inclinó hacia él, de otros lugares de América, así[18]. La abstracción en el siglo 21

Una idea común es que el pluralismo caracteriza el arte a principios del siglo 21. La “crisis” en la pintura y el arte actual y la corriente la crítica de arte hoy se produce por el pluralismo. No hay consenso, ni hay necesidad de ser, como a un estilo representativo de la época. Hay una todo vale actitud que prevalece un “todo lo que sucede”, y por lo tanto “nada pasa” síndrome, lo que crea un atasco de tráfico estética con ninguna empresa y la dirección clara y con todos los carriles en lo artístico autopista lleno a capacidad. En consecuencia magníficas obras de arte e importantes siguen haciendo, aunque en una gran variedad de estilos y temperamentos estética, el mercado se deja de juzgar el mérito.

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En la abstracción siglo 21 sigue siendo en gran medida a la vista, sus temas principales: lo trascendental, la contemplativa y lo intemporal son exempified por Barnett Newman, John McLaughlin, Y Agnes Martin así como de artistas vivos más joven. El arte como objeto como se ve en la Minimalista escultura de Donald Judd y las pinturas de Frank Stella todavía se ven hoy en las nuevas permutaciones. La poética, Abstracción lírica y el uso sensual de color que se ve en la obra de pintores tan diversos como Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell, Entre otros.

Hubo un resurgimiento después de la guerra y en la década de 1950 de lo figurativo, como Neo-Dada, Fluxus, Arte Conceptual, Neo-expresionismo, Instalación de arte, Arte de Performance, Video Arte y Arte pop han llegado a significar la era del consumismo. La distinción entre el arte abstracto y lo figurativo, a lo largo de los últimos veinte años, dejando cada vez menos definido una gama más amplia de ideas para todos los artistas.

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Abstract art. (2010, December 7). In Wikipedia, The Free Encyclopedia. Retrieved 21:48, December 13, 2010, from http://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Abstract_art&oldid=400998800


Imágenes figurativas o abstractas

Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales.

En el periodo de entreguerras (1918–1939), Theo van Doesburg, después de haber sido uno de los principales defensores del neoplasticismo, renovó de manera decisiva el arte abstracto al mantener que la creación artística sólo debía estar sometida a reglas controlables y lógicas, excluyendo así cualquier subjetividad.

El manifiesto del arte concreto, que publicó en París en 1931, dio lugar a la tendencia del mismo nombre que tuvo un gran desarrollo en Suiza con Max Bill y de Richard Paul Lose, en Francia con François Morellet, y en todas las formas de arte sistemático nacidas después de la guerra. Estas tendencias entraron entonces en competencia con las diversas corrientes tachistas y gestuales (Jean Bazaine, Alfred Manessier, Pierre Soulages y Georges Mathieu, entre otros) que el crítico Michel Tapié reagrupó bajo la denominación de arte informal.

La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a partir de finales de la década de 1940 con la Action Painting (Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline) y con la Colour-Field Painting (Barnett Newman, Mark Rothko, Clyfford Still).

Estas tendencias fueron desbancadas a partir de 1960 por la aparición del arte minimalista, que marcó un nuevo periodo de interés por la geometría y la estructura mientras que en Europa y Latinoamérica el Op Art y el arte cinético conocían sus horas de gloria (Yaacov Agam, Jesús Soto, Carlos Cruz-Diez, Victor Vasarely, Nicolas Schöfer y Bridget Riley, entre otros).

El final de la década de 1960 vivió el desarrollo de una abstracción centrada en el análisis de sus propios componentes, con los grupos BMPT y Support(s)-Surface(s) en Francia, o bien orientada hacia los problemas de definición de la naturaleza de la imagen con Sigmar Polke y Gerhard Richter en Alemania. Las tendencias a la vez neoexpresionistas y neogeométricas que se pusieron de manifiesto durante la década de 1980 mostraron un nuevo periodo de interés por la abstracción, que siguen adoptando numerosos artistas inspirados por las más variadas motivaciones. En España destaca la obra de Jordi Teixidor.

Arte abstracto. (2008, 8) de agosto. Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de consulta: 23:08, agosto 22, 2008 from http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Arte_abstracto&oldid=19300387.


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