Imagenes Artisticas En El Entorno Cotidiano

Imagenes Artisticas En El Entorno Cotidiano

Arte

El arte es el producto o el proceso de forma deliberada la organización de los artículos (a menudo con el simbólico significado) de una manera que influye y afecta a uno o más de los sentidos , las emociones y el intelecto . Abarca una amplia gama de actividades humanas, las creaciones, y los modos de expresión, incluyendo la música , literatura , cine , fotografía , escultura y pintura . El significado del arte se explora en una rama de la filosofía conocida como la estética , e incluso disciplinas como la historia y la psicología analizar su relación con los seres humanos y de las generaciones.

Tradicionalmente, el término arte se utiliza para referirse a cualquier habilidad o maestría. Esta concepción ha cambiado durante la romántica época, cuando el arte llegó a ser visto como “una facultad especial de la mente humana para ser clasificados con la religión y la ciencia”. [ 1 ] En general, el arte se hace con la intención de estimular pensamientos y emociones.

Evaluación

El filósofo Richard Wollheim distingue tres enfoques para evaluar el valor estético del arte: el realismo , por el que la calidad estética es un valor absoluto independiente de cualquier punto de vista humano, el objetivista , en la que también es un valor absoluto, sino que depende de la experiencia humana en general, y el relativista posición , por lo que no es un valor absoluto, sino que depende y varía en función de la experiencia humana de los seres humanos diferentes. [ 2 ] Un objeto puede ser caracterizado por las intenciones, o falta de ella, de su creador, independientemente de su propósito aparente. Una taza, que aparentemente se puede utilizar como un contenedor, puede ser considerado arte si se destinan exclusivamente como un adorno, mientras que una pintura puede ser considerado arte si en serie.

La naturaleza del arte ha sido descrito por Wollheim como “uno de los más esquivos de los problemas tradicionales de la cultura humana”. [ 3 ] Se ha definido como un vehículo para la expresión o comunicación de emociones e ideas, significa una para explorar y apreciar los elementos formales para su propio bien, y como mimesis o representación . León Tolstoi identificado el arte como una utilización de medios indirectos para comunicarse de una persona a otra. [ 4 ] Benedetto Croce y Collingwood, RG avanzada la idealista visión de que el arte expresa las emociones, y que la obra de arte, fundamentalmente, existe en la mente del creador. [ 5 ] [ 6 ] La teoría del arte como forma tiene sus raíces en la filosofía de Immanuel Kant , y se desarrolló en el siglo XX por Roger Fry y Clive Bell . El arte como mímesis o representación tiene profundas raíces en la filosofía de Aristóteles . [ 4 ] Más recientemente, los pensadores influidos por Martin Heidegger han interpretado el arte como el medio por el cual una comunidad se desarrolla por sí mismo un medio para la auto-expresión y de interpretación.

Definición

Britannica Online define el arte como “el uso de la habilidad y la imaginación en la creación de objetos estéticos, ambientes o experiencias que se pueden compartir con los demás.” Según esta definición de la palabra, las obras artísticas han existido desde hace casi tanto tiempo como la humanidad: Desde principios de el arte prehistórico a arte contemporáneoSin embargo, algunas teorías restringir el concepto a las sociedades occidentales modernas.[8] Adorno dijo en 1970: “Es ahora se da por sentado que nada de lo que se refiere a arte se puede dar por sentado nada más:. ni arte en sí mismo, ni el arte en relación con el todo, ni siquiera el derecho del arte de existir”[9] El primer sentido más amplio y de el arte es el que ha permanecido más cercano al significado más antiguo de América, que se podría traducir como “habilidad” o “artesanía”. Algunos ejemplos en este sentido resulta muy amplio incluyen artefacto, artificiales, artificio, médica artes, Y militares artes. Sin embargo, hay muchos otros usos coloquiales de la palabra, todos con alguna relación con su etimología. Del siglo 20 Ruanda botella. Las obras artísticas pueden servir de funciones prácticas, además de su valor decorativo.

El segundo sentido y más reciente de la palabra el arte es como una abreviatura de arte creativo o obras de arte. Obras de arte significa que una habilidad se utiliza para expresar la creatividad del artista, o la participación sensibilidad estética del público, o para señalar a la audiencia hacia la consideración de la más fino las cosas. A menudo, si la habilidad se utiliza de manera común o práctica, la gente considera un arte en lugar de arte. Del mismo modo, si la habilidad se está utilizando de una manera comercial o industrial, se considerará arte comercial en lugar de las bellas artes. Por otro lado, la artesanía y diseño a veces se consideran artes aplicadas. Algunos seguidores del arte han argumentado que la diferencia entre las bellas artes y artes aplicadas tiene más que ver con juicios de valor hechos sobre el arte que cualquier diferencia de definición clara.[10] Sin embargo, incluso obras de arte a menudo se tiene metas más allá de pura creatividad y la autoexpresión. El propósito de las obras de arte puede ser para comunicar ideas, como en el arte político, espiritual, filosófico o motivados, para crear un sentido de belleza (Véase el estética), Para explorar la naturaleza de la percepción, por placer, o para generar fuertes emociones. El objetivo también puede ser aparentemente inexistente.

El arte puede describir varias cosas: un estudio de la habilidad creativa, un proceso de utilización de la habilidad creativa, un producto de la habilidad creativa, o la experiencia de la audiencia con la habilidad creativa. Las artes creativas (el arte como disciplina) son un conjunto de disciplinas (artes) Que producen obras de arte (el arte como objetos) que se ven obligados por una unidad de personal (el arte como actividad) y el eco o reflejar un mensaje, el estado de ánimo, o el simbolismo para el espectador de interpretar (el arte como experiencia). Obras de arte puede ser definido por las interpretaciones a propósito, creadora de conceptos o ideas sin límites con el fin de comunicar algo a otra persona. Obras de arte pueden ser explícitamente para este fin o interpretarse en función de las imágenes u objetos. El arte es algo que estimula los pensamientos de un individuo, las emociones, creencias o ideas a través de los sentidos. Es también una expresión de una idea y puede tomar muchas formas diferentes y sirven para muchos propósitos diferentes. Aunque la aplicación de los conocimientos científicos para obtener una nueva teoría científica implica la habilidad y los resultados en la “creación” de algo nuevo, lo que representa la ciencia y no es la categoría de arte.

Historia

Esculturas, pinturas rupestres, Pinturas rupestres, y petroglifos de la Del Paleolítico Superior que data de unos 40.000 años atrás, se han encontrado, pero el significado exacto de este arte es a menudo controvertido, porque tan poco se sabe acerca de las culturas que los produjeron. Los objetos de arte más antigua del mundo, una serie de pequeñas conchas, caracoles perforados cerca de 75.000 años de antigüedad, fueron descubiertos en una cueva de Sudáfrica.[11] Cueva pintura de un caballo de la Lascaux cuevas, c. 16.000 BP.

Muchos grandes tradiciones en el arte tienen una base en la técnica de una de las grandes civilizaciones antiguas: Antiguo Egipto, Mesopotamia, Persia, India, China, Antigua Grecia, Roma, así como Inca, Maya, Y Olmeca. Cada uno de estos centros de la civilización temprana desarrolló un estilo único y característico en su arte. Debido al tamaño y la duración de estas civilizaciones, más de sus obras de arte han sobrevivido y más de su influencia se ha transmitido a otras culturas y épocas posteriores. Algunos también han proporcionado los primeros registros de cómo los artistas trabajaron. Por ejemplo, este período del arte griego vio una veneración de la forma física humana y el desarrollo de habilidades equivalentes para mostrar la musculatura, el equilibrio, la belleza y proporciones anatómicamente correcta.

En Bizantino y El arte medieval de la Edad Media occidental, mucho arte centrado en la expresión de las verdades bíblicas y no materiales, y estilos que muestran la gloria más alta invisibles de un mundo celestial, tales como el uso de oro en el fondo de las pinturas, o en los mosaicos de vidrio y ventanas , que también presentó cifras en idealizada, dibujos (planos) formas. Sin embargo, una tradición realista clásica persistió en pequeñas obras bizantinas, y el realismo fue creciendo en el arte de la Europa católica.

Renacimiento del arte había un énfasis mucho mayor en la representación realista del mundo material, y el lugar de los seres humanos en él, que se refleja en la corporeidad del cuerpo humano, y el desarrollo de un método sistemático de perspectiva gráfica para describir la recesión en un espacio de imagen tridimensional. La firma estilizada de Sultán Mahmud II de la Imperio Otomano fue escrito en Caligrafía árabe. Se lee Mahmud Khan, hijo de Abdul Hamid es siempre victorioso. La Gran Mezquita de Kairouan (También llamada la Mezquita de Uqba) es uno de los mejores y más significativos y mejor conservados ejemplos artísticos y arquitectónicos de los primeros grandes mezquitas, de fecha en su estado actual desde el siglo noveno, es el antepasado y el modelo de todas las mezquitas en el oeste de las tierras islámicas [12]. La Gran Mezquita de Kairouan está localizado en la ciudad de Kairuán en Túnez.

En el este, el arte islámico’S el rechazo de iconografía llevado a énfasis en patrones geométricos, caligrafía, Y arquitectura. Más al este, la religión dominada estilos artísticos y las formas también. La India y el Tíbet vio énfasis en esculturas pintadas y la danza, mientras que la pintura religiosa prestado muchas convenciones de la escultura y la tendencia a los colores brillantes que contrastan con énfasis en los contornos. China vio el florecimiento de muchas formas de arte: el jade tallado, bronzework, cerámica (incluyendo la impresionante ejército de terracota del Emperador Qin), poesía, caligrafía, música, pintura, drama, ficción, etc estilos chinos varían mucho de una época a otra y cada uno es tradicionalmente el nombre de la dinastía gobernante. Así, por ejemplo, Dinastía Tang pinturas son monocromáticos y disperso, haciendo hincapié en paisajes idealizados, pero De la dinastía Ming pinturas están ocupados y colorido, y se centran en contar historias a través de establecimiento y la composición. los nombres de sus estilos Japón después de las dinastías imperiales también, y también vio la interacción tanto entre los estilos de caligrafía y la pintura. En madera de impresión llegó a ser importante en Japón a partir del siglo 17. Pintura de Dinastía Song artista Ma Lin, c. 1250. 24,8 × 25,2 cm.

El oeste Siglo de las Luces en el siglo 18 vio representaciones artísticas de las certezas físicas y racional del universo de relojería, así como visiones políticamente revolucionaria de un mundo post-monárquica, tales como Blake’S retrato de Newton como un geómetra divino, o David’S pinturas propagandístico. Esto llevó a Romántico el rechazo de este a favor de las imágenes de la parte emocional y la individualidad de los humanos, ejemplificado en las novelas de Goethe. El siglo 19 vio entonces una serie de movimientos artísticos, tales como arte académico, Simbolismo, impresionismo y fauvismo entre otros.

La historia del arte del siglo XX es una narración de un sinfín de posibilidades y la búsqueda de nuevas normas, cada uno que es derribado en la sucesión por la siguiente. Por lo tanto los parámetros de Impresionismo, Expresionismo, Fauvismo, Cubismo, Dadaísmo, Surrealismo, Etc no se puede mantener mucho más allá del momento de su invención. Aumentar mundial interacción durante este tiempo vi una influencia equivalente de otras culturas en el arte occidental, como Pablo Picasso están influidos por la escultura africana. xilografía japonesa (que habían sido influenciados a través de Western dibujo del Renacimiento), tuvo una inmensa influencia en el impresionismo y el desarrollo posterior. Más tarde, esculturas africanas han sido ocupados por Picasso y en cierta medida por Matisse. Del mismo modo, el oeste ha tenido un impacto enorme en el arte oriental en los siglos 19 y 20, con las ideas occidentales, como originalmente Comunismo y Post-modernismo ejerciendo una poderosa influencia en los estilos artísticos.

Modernismo, la búsqueda idealista de la verdad, dio paso en la segunda mitad del siglo 20 a la realización de su inaccesibilidad. Relativismo fue aceptado como una verdad inevitable, lo que llevó al período de arte contemporáneo y la crítica posmoderna, Donde las culturas del mundo y de la historia se ve como el cambio de formas, que puede ser apreciado y extraídos de sólo con ironía. Además, la separación de las culturas es cada vez más borrosa y algunos sostienen que es más apropiado pensar en términos de una cultura global, en lugar de las culturas regionales. Características

El arte tiende a facilitar la comprensión intuitiva y no racional, y por lo general conscientemente creada con esta intención.[cita requerida] Bellas artes intencionalmente no tiene ningún otro propósito. Como resultado de este impulso, las obras de arte son difícil de alcanzar, de refracción a los intentos de clasificación, ya que se puede apreciar en más de una manera, y con frecuencia son susceptibles a muchas interpretaciones diferentes. En el caso de Géricault’S Balsa de la Medusa, Un conocimiento especial sobre el naufragio que la pintura representa no es un requisito previo para la apreciación, sino que permite la apreciación de las intenciones políticas Géricault en la pieza. Incluso el arte que superficialmente se muestra un evento o un objeto mundano, podrá invitar a la reflexión sobre temas elevados.

Tradicionalmente, los mayores logros del arte demostrar un alto nivel de capacidad o de la fluidez dentro de un medio. Esta característica puede ser considerado como un punto de contención, ya que muchos artistas modernos (sobre todo, los artistas conceptuales) no se crean las obras que ellos conciben, o ni siquiera crear la obra en un sentido convencional, demostrativo. El arte tiene una capacidad de transformación: se atribuye particularmente atractivo estético o estructuras o formas de satisfacer a un conjunto original de los componentes no relacionados, pasiva. Formas, géneros, medios y estilos Artículo principal: Las artes Detalle de la Leonardo da Vinci’S Mona Lisa, Que muestra la técnica de pintura de sfumato.

Las artes creativas a menudo son divididas en categorías más específicas, cada uno relacionado con su técnica, o medio, Tales como artes decorativas, artes plásticas, artes del espectáculoO la literatura. A diferencia de los campos científicos, el arte es uno de los pocos temas que son académicamente organizado de acuerdo a la técnica [1]

. Una artística medio es la sustancia o material de la obra artística está hecha de, y puede también referirse a la técnica utilizada. Por ejemplo, la pintura es un medio utilizado en la pintura, y el papel es un medio utilizado en el dibujo.

Un forma de arte es la específica forma, O la calidad de una expresión artística toma. Los medios de comunicación utilizan a menudo influyen en la forma. Por ejemplo, la forma de una escultura debe existir en el espacio en tres dimensiones, y responder a la gravedad. Las restricciones y limitaciones de un medio en particular se llaman así su cualidades formales. Para dar otro ejemplo, las cualidades formales de la pintura son la textura del lienzo, el color y la textura del pincel. Las cualidades formales de los videojuegos son la no linealidad, la interactividad y la presencia virtual. La forma de una determinada obra de arte está determinada por las cualidades formales de los medios de comunicación, y no está relacionado con las intenciones del artista o las reacciones de la audiencia de alguna manera lo que nunca.

Un género es un conjunto de convenciones y estilos dentro de un medio en particular. Por ejemplo, los géneros y reconocidos en el cine son occidental, horror y comedia romántica. Géneros de la música incluyen death metal y trip hop. Géneros en la pintura incluyen todavía la vida y paisaje pastoral. Una obra de arte puede doblar o combinar géneros, pero cada género tiene un grupo reconocible de convenciones, tópicos y tropos. (Una nota: la palabra género tiene un segundo significado mayores dentro de la pintura; la pintura de género era una frase usada en los siglos 17 y 19 al referirse específicamente a las pinturas de escenas de la vida cotidiana y se puede seguir utilizando de esta manera.) La gran ola de Kanagawa por Hokusai (Japón, 1760–1849), grabado en madera de color.

La estilo de una obra de arte, artista, o el movimiento es el método distintivo y la forma seguida por la materia respectiva. Cualquier maleza suelta, goteaba o la pintura abstracta vertido se llama expresionista. A menudo, un estilo se vincula con un determinado período histórico, un conjunto de ideas, y el movimiento artístico en particular. Así que Jackson Pollock se llama Expresionismo abstracto.

Debido a un estilo en particular puede tener significados culturales específicos, es importante ser sensible a las diferencias en la técnica. Roy Lichtenstein’S (1923–1997) pinturas no son puntillista, A pesar de su uso de puntos, porque no están alineados con los proponentes originales del puntillismo. Lichtenstein utiliza Ben-Day puntos: Son iguales de tiempo y crear zonas planas de color. Puntos de este tipo, utilizados en la impresión de medios tonos, se utilizaron originalmente en las historietas y los periódicos para reproducir el color. Lichtenstein por lo tanto utiliza los puntos como un estilo a la pregunta del “alto” el arte de la pintura con la “baja” el arte del cómic - formular comentarios sobre las diferencias de clase en la cultura. Lichtenstein se asocia así con el movimiento del arte pop americano (1960). El puntillismo es una técnica a finales de impresionismo (1880), desarrollado especialmente por el artista Georges Seurat, Que emplea puntos que están separados en una forma de crear variación en el color y la profundidad, en un intento de pintar las imágenes que estaban más cerca de la forma de ver realmente el color. Ambos artistas utilizan puntos, pero el particular estilo y la técnica se relacionan con el movimiento artístico adoptadas por cada artista.

Estas son todas las formas de comenzar a definir una obra de arte, para reducir el número. “Imagine que usted es un crítico de arte, cuya misión consiste en comparar los significados que se encuentra en una amplia gama de obras de arte individuales. ¿Cómo proceder con su tarea? Una forma de empezar es examinar los materiales de cada artista seleccionado en la fabricación de un objeto, la imagen . de vídeo, o un evento La decisión de lanzar una escultura en bronce, por ejemplo, inevitablemente los efectos de su significado, el trabajo se convierte en algo diferente de cómo podría ser si se hubiera fundido en oro o de plástico o de chocolate, incluso si todo lo demás acerca de la obras de arte sigue siendo el mismo. A continuación, puede examinar cómo los materiales en cada obra de arte se han convertido en un arreglo de formas, colores, texturas y líneas. Estas, a su vez, se organizan en varios patrones y estructuras de composición. En su interpretación, a usted le Comentario sobre cómo las características sobresalientes de la forma de contribuir al significado global de la obra acabada. [Pero al final] el significado de la mayoría de las obras de arte … no se ha agotado por una discusión de materiales, técnicas, y la forma. La mayoría de las interpretaciones también incluyen una discusión de las ideas y los sentimientos genera obras de arte. “[13] La habilidad y la artesanía Adán. Detalle de Miguel Ángel’S fresco en el Capilla Sistina (1511) Ver también: El arte conceptual y habilidad artística

El arte puede connotar un sentido de capacidad de formación o el dominio de una medio. El arte también puede simplemente se refieren al uso eficiente y desarrollado de un idioma para transmitir el significado con inmediatez y / o profundidad. El arte es un acto de expresar sentimientos, pensamientos y observaciones.[14] Hay un entendimiento de que se alcance con el material como consecuencia de su manejo, lo que facilita una de los procesos de pensamiento. Una opinión común es que el epíteto de “arte”, en particular en su sentido más elevado, requiere un cierto nivel de experiencia creativa del artista, ya sea una demostración de habilidad técnica o una originalidad en el enfoque estilístico como en las obras de Shakespeare, O una combinación de estos dos. Tradicionalmente, la habilidad de ejecución fue visto como una cualidad inseparable de arte y por lo tanto necesaria para su éxito, porque Leonardo da Vinci, El arte, ni más ni menos que sus otras actividades, fue una manifestación de la habilidad. Rembrandt’S de trabajo, ahora alabado por sus virtudes efímera, fue el más admirado por sus contemporáneos por su virtuosismo. A la vuelta del siglo 20, las actuaciones de los diestros John Singer Sargent fueron alternativamente admirado y visto con escepticismo por su fluidez manual, sin embargo, casi al mismo tiempo, el artista que se convertiría en iconoclasta más reconocidos y peripatético de la época, Pablo Picasso, Estaba completando una formación académica tradicional en la que se destacó.

Una crítica común de algunos contemporáneos el arte moderno se produce a lo largo de las líneas de oponerse a la aparente falta de habilidad o capacidad necesaria en la producción del objeto artístico. En el arte conceptual, Marcel Duchamp”S” Fuente “es uno de los primeros ejemplos de obras donde el artista utiliza objetos encontrados (ready-made”) y no ejerció tradicionalmente reconocido conjunto de habilidades. Tracey Emin’S Mi Casa O? Damien Hirst’S La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo seguir este ejemplo y también manipular la medios de comunicación. Emin dormido (y participan en otras actividades) en su cama antes de colocar el resultado en una galería como obra de arte. Hirst llegó con el diseño conceptual de la obra de arte, pero ha dejado la mayor parte de la eventual creación de muchas obras de los artesanos empleados. Famoso Hirst se basa por completo en su capacidad de producir conceptos impactante. La producción real en muchos trabajos conceptuales y de arte contemporáneo es una cuestión de ensamblaje de objetos encontrados. Sin embargo, hay muchos artistas modernistas y contemporáneos que continúan a sobresalir en las habilidades de dibujo y pintura y en la creación de manos a la obras de arte. Juicio de valor Aborígenes tumbas tronco hueco. Galería Nacional, Canberra, Australia.

Algo en relación con lo anterior, la palabra el arte También se utiliza para aplicar juicios de valor, como en expresiones tales como “que la comida era una obra de arte” (el cocinero es un artista), o “el arte del engaño”, (el alto nivel alcanzado de la habilidad del engañador es elogió). Es este uso de la palabra como una medida de alta calidad y alto valor que le da el término de su sabor de la subjetividad.

Hacer juicios de valor, se requiere una base para la crítica. En el nivel más simple, una manera de determinar si el impacto del objeto en los sentidos cumple con los criterios que deben considerarse el arte es si se percibe como atractiva o repulsiva. Aunque la percepción es siempre de color por la experiencia, y es necesariamente subjetiva, se entiende comúnmente que lo que no es de alguna manera estéticamente satisfactoria no puede ser arte. Sin embargo, “bueno” el arte no siempre es regular o incluso estéticamente atractivo para la mayoría de los espectadores. En otras palabras, la motivación principal de un artista no tiene que ser la búsqueda de la estética. Además, el arte a menudo se representa terribles imágenes hechas por razones sociales, morales, o invitan a la reflexión. Por ejemplo, Francisco de Goya’S pintura que representa a los disparos de los Españoles 03 de mayo 1808 es una representación gráfica de un pelotón de fusilamiento ejecución de varios civiles súplica. Sin embargo, al mismo tiempo, las imágenes terribles ganas demuestra la capacidad artística de Goya en la composición y la ejecución y produce indignación ajuste social y política. Así, el debate continúa en cuanto a qué modo de satisfacción estética, en su caso, es preciso definir “arte”.

La asunción de nuevos valores o la rebelión contra las nociones aceptadas de lo que es estéticamente superior no es necesario que se producen al mismo tiempo que un completo abandono de la búsqueda de lo que es estéticamente atractivo. De hecho, lo contrario sucede a menudo, que la revisión de lo que popularmente se concibe como ser estéticamente atractiva permite un re-fortalecimiento de la sensibilidad estética, y una nueva apreciación de las normas del arte mismo. Innumerables escuelas han propuesto sus propias maneras de definir la calidad, sin embargo, todos parecen estar de acuerdo en al menos un punto: una vez que sus opciones estéticas son aceptadas, el valor de la obra de arte está determinada por su capacidad de trascender los límites de su medio elegido a la huelga algunos acordes universal por la rareza de la habilidad del artista o en su fiel reflejo en lo que se denomina zeitgeist.

El arte es a menudo la intención de atraer y conectar con las emociones humanas. Se puede despertar estética o morales sentimientos, y puede ser entendido como una forma de comunicar estos sentimientos. Artistas expresar algo, para que su público se despierta hasta cierto punto, pero no tiene que hacerlo conscientemente. El arte puede ser considerada como una exploración de la condición humana, Es decir, lo que es ser humano.[15] Objeto de arte Un Navajo alfombra hecho c. 1880.

El arte ha tenido un gran número de funciones diferentes a lo largo de su historia, por lo que su objetivo difícil de cuantificar abstracto o de cualquier concepto. Esto no implica que el objetivo del arte es “vago”, pero que ha tenido muchas razones único, diferente por ser creado. Algunas de estas funciones del arte se proporcionan en el siguiente esquema. Los propósitos diferentes de arte pueden ser agrupados de acuerdo con aquellos que no son motivados, y los que están motivados (Lévi-Strauss). Las funciones no por motivos de arte

Los fines no motivada de arte son los que son parte integral de ser humano, trascienden al individuo, o no cumplir con un propósito externo específico. Aristóteles dijo: “La imitación, entonces, es un instinto de nuestra naturaleza.” [16] En este sentido, el arte, la creatividad, los seres humanos es algo que debe hacer por su propia naturaleza (es decir, ninguna otra especie crea arte), y por lo tanto más allá de la utilidad.

    Humano básico instinto de la armonía, el equilibrio, el ritmo. El arte en este nivel no es una acción o un objeto, sino un reconocimiento interno de equilibrio y armonía (belleza), y por lo tanto un aspecto del ser humano más allá de la utilidad.

        “La imitación, entonces, es un instinto de nuestra naturaleza. A continuación, está el instinto de la” armonía “y el ritmo, los metros que se manifiesta secciones de ritmo. Las personas, por lo tanto, a partir de este don natural desarrollado poco a poco sus aptitudes especiales, hasta que sus improvisaciones grosero dio a luz a la poesía. “ -Aristóteles [17]

    La experiencia de lo misterioso. El arte proporciona una manera de experimentar uno mismo en relación con el universo. Esta experiencia a menudo se puede llegar sin motivación, como se aprecia el arte, la música o la poesía.

        “Lo más bello que podemos experimentar es lo misterioso. Es la fuente de todo arte y ciencia verdaderos.” -Albert Einstein [18]

    La expresión de la imaginación. Arte proporcionar un medio para expresar la imaginación en formas no gramaticales que no están vinculados a la formalidad del lenguaje hablado o escrito. A diferencia de las palabras, que vienen en secuencias y cada uno de los cuales tienen un significado definido, el arte ofrece una variedad de formas, símbolos e ideas con significados que son maleable.

        “Águila de Júpiter [como ejemplo de arte] no es, como lógico (estética) los atributos de un objeto, el concepto de la sublimidad y majestad de la creación, sino más bien algo más - algo que da a la imaginación un incentivo para extender su vuelo sobre toda una serie de representaciones afines que provocan más pensamiento que admite la expresión de un concepto determinado por las palabras. Proporcionan una idea estética, que sirve a la idea anterior racional como un sustituto de la presentación lógica, pero, con la función adecuada sin embargo, de la animación la mente mediante la apertura hacia fuera para él una posibilidad en un campo de representaciones afines se extiende más allá de su alcance. “ -Immanuel Kant[19]

    la comunicación universal. El arte permite al individuo para expresar cosas hacia el mundo en su conjunto. artistas de la Tierra a menudo se crean arte en lugares remotos que jamás será experimentado por otra persona. La práctica de colocar un mojón, O el montón de piedras en la cima de una montaña, es un ejemplo. (Nota:. No es necesario proponer una visión particular de Dios, o la religión) Arte creado de esta manera es una forma de comunicación entre el individuo y el mundo en su conjunto.[cita requerida]
    Rituales y funciones simbólicas. En muchas culturas, el arte se utiliza en los rituales, representaciones y danzas como adorno o símbolo. Si bien éstas a menudo no tienen específicos utilitarios (motivado) propósito, los antropólogos saben que a menudo sirven a un propósito a nivel de significado dentro de una cultura en particular. Esto significa que no se presente por un solo individuo, pero a menudo es el resultado de muchas generaciones de cambio y de una relación cosmológica dentro de la cultura.

        “La mayoría de los estudiosos que se ocupan de pinturas rupestres o los objetos recuperados de contextos prehistóricos que no se puede explicar en términos utilitarios y por lo tanto la categoría de ritual decorativos o simbólicos, son conscientes de la trampa que plantea el” arte “del término.” -Silva Tomaskova[20]

Motivado funciones del arte

Motivado propósitos del arte se refieren a acciones intencionales, consciente por parte de los artistas o creador. Estos pueden ser para lograr un cambio político, una opinión sobre un aspecto de la sociedad, para transmitir una emoción o estado de ánimo, para hacer frente a la psicología personal, para ilustrar otra disciplina, a (con el arte comercial) para vender un producto, o simplemente como un forma de comunicación.

    Comunicación. Arte, en su forma más simple, es una forma de comunicación. Como la mayoría de las formas de comunicación tienen la intención o el objetivo dirigido hacia otra persona, este es un propósito motivados. artes ilustrativa, como la ilustración científica, son una forma de arte como comunicación. Los mapas son otro ejemplo. Sin embargo, el contenido no tiene que ser científica. Las emociones, estados de ánimo y los sentimientos también se comunican a través del arte.

        “[El arte es un conjunto de] los objetos o imágenes con significados simbólicos como un medio de comunicación.” -Steve Mithen[21]

    El arte como entretenimiento. El arte puede tratar de lograr una determinada emoción o estado de ánimo, con el fin de relajar o entretener al espectador. Esto es a menudo la función de las industrias de arte de Películas y Video Juegos.
    El vanguardista. Arte para el cambio político. Una de las funciones que definen el arte de principios del siglo XX ha sido la utilización de imágenes visuales para lograr un cambio político. Arte movimientos que este objetivo-dadaísmo, surrealismo, constructivismo ruso, y el expresionismo abstracto, entre otros-se conocen colectivamente como la vanguardista artes.

        “Por el contrario, la actitud realista, inspirada en el positivismo, desde Santo Tomás de Aquino a Anatole France, claramente me parece ser hostil a cualquier avance intelectual o moral. Yo lo detesto, porque se compone de la mediocridad, el odio, y sin brillo . vanidad Es esta actitud que hoy da a luz a estos libros ridículo, estas obras insultar constantemente se alimenta y se deriva la fuerza de los periódicos y embrutece la ciencia y el arte por asiduamente halagador el más bajo de los gustos;. claridad rayana en la estupidez, la de un perro la vida “. -André Breton (el surrealismo)[22]

    Arte para los propósitos psicológicos y la curación. El arte es también utilizado por los terapeutas de arte, psicoterapeutas y psicólogos clínicos arte terapia. La Diagnóstico de la serie de dibujo, Por ejemplo, se utiliza para determinar la personalidad y el funcionamiento emocional de un paciente. El producto final no es el objetivo principal en este caso, sino más bien un proceso de sanación, a través de actos creativos, se solicita. La pieza resultante de obras de arte también puede ofrecer conocimientos sobre los problemas experimentados por el sujeto y puede sugerir métodos adecuados para ser utilizados en las formas más convencionales de la terapia psiquiátrica.
    Arte para la investigación social, la subversión y / o la anarquía. Aunque es similar al arte para el cambio político, el arte subversivo o deconstructivista puede tratar de cuestionar aspectos de la sociedad sin ningún tipo de objetivo político específico. En este caso, la función del arte puede ser simplemente para criticar algunos aspectos de la sociedad.
    Aerosol-pintura graffiti en una pared en Roma.
    Graffiti arte y otros tipos de arte callejero son los gráficos y las imágenes que se pintadas o estarcido en las paredes puede ver públicamente, edificios, autobuses, trenes y puentes, por lo general sin permiso. Ciertas formas de arte, como el graffiti, también puede ser ilegal cuando se rompen las leyes (en este caso de vandalismo).
    Arte para la propaganda, o comercialismo. El arte es a menudo utilizado como una forma de la propaganda, Y por lo tanto se puede utilizar para influir sutilmente concepciones populares o estado de ánimo. De manera similar, el arte que trata de vender un producto también influye en el estado de ánimo y las emociones. En ambos casos, el propósito del arte aquí es manipular sutilmente al espectador en una determinada respuesta emocional o psicológica hacia una idea u objeto en particular.[23]

Las funciones del arte descritas anteriormente no son mutuamente excluyentes, ya que muchos de ellos se superponen. Por ejemplo, el arte con el propósito de entretenimiento también puede tratar de vender un producto, es decir, las películas o videojuegos. arte polémica Théodore Géricault’S Balsa de la Medusa, C. 1820 Para más información: Arte y política

Théodore Géricault’S Balsa de la Medusa (C. 1820), fue un comentario social sobre un acontecimiento, sin precedentes en ese momento. Édouard Manet’S Le Déjeuner sur l’Herbe (1863), fue considerado un escándalo, no por la desnudo mujer, sino porque ella está sentada al lado de los hombres totalmente vestidos con la ropa de la época, en lugar de con ropas del mundo antiguo. John Singer Sargent’S Madame Gautreau Pierre (Madame X) (1884), causó un revuelo tan grande sobre el rojizo color de rosa para el color del lóbulo del oído de la mujer, considerada demasiado sugestiva y, supuestamente, arruinando la reputación de la modelo de alta sociedad.

En el siglo XX, Pablo Picasso’S Guernica (1937) utiliza detención cubista técnicas y marcado aceites monocromática, Para describir las consecuencias terribles de un atentado contemporáneas de un pequeño pueblo, el vasco antiguo. Leon Golub’S Interrogatorio III (1981), representa un desnudo femenino, detenido encapuchado atado a una silla, las piernas abiertas para mostrar sus órganos sexuales, rodeado por dos verdugos vestidos con ropa de diario. Andrés Serrano’S Piss Christ (1989) es una fotografía de un crucifijo, sagrado para la religión cristiana y que representa Cristo’S sacrificio y el sufrimiento final, sumergida en un vaso de orina del propio artista. El alboroto resultante condujo a los comentarios en el Senado de los Estados Unidos acerca de la financiación pública de las artes. Arte teorías

En el siglo XIX, los artistas se dedicaron fundamentalmente a las ideas de la verdad y belleza. El teórico de la estética John Ruskin, Quien defendió lo que él vio como el naturalismo de J. M. W. Turner, Vio el papel del arte como la comunicación por el artificio de una verdad esencial que sólo se puede encontrar en la naturaleza.[24]

La definición y evaluación de arte se ha vuelto especialmente problemática desde el siglo 20. Richard Wollheim distingue tres enfoques: el Realista, Por el que la calidad estética es un valor absoluto independiente de cualquier punto de vista humano, la Objetivista, Por lo que también es un valor absoluto, sino que depende de la experiencia humana en general, y la Relativista posición, Por lo que no es un valor absoluto, sino que depende y varía en función de la experiencia humana de los seres humanos diferentes.[25]

La llegada de Modernismo a la cabeza de finales del siglo XIX a una ruptura radical en la concepción de la función del arte,[26] y luego otra vez a finales del siglo XX con el advenimiento de postmodernismo. Clement Greenberg’S artículo de 1960 “Pintura Modernista” define el arte moderno como “el uso de métodos característicos de una disciplina para criticar a la disciplina en sí”.[27] Greenberg el que ha solicitado esta idea con el movimiento expresionista abstracto y lo utilizó como una manera de entender y justificar plana (no ilusionista) la pintura abstracta:

    Realista, el arte naturalista había disimulado el medio, utilizando el arte de ocultar el arte, el arte del modernismo utiliza para llamar la atención sobre el arte. Las limitaciones que constituyen el medio de

    pintura - la superficie plana, la forma de la ayuda, las propiedades del pigmento - fueron tratados por los viejos maestros como factores negativos que podría ser reconocido de manera implícita o indirecta. Bajo estas mismas limitaciones modernismo llegó a ser considerado como factores positivos, y se reconoció abiertamente.[27]

Después de Greenberg, varios teóricos del arte surgido importantes, tales como Michael Fried, T. J. Clark, Rosalind Krauss, Linda Nochlin y Griselda Pollock entre otros. Aunque sólo originalmente concebido como una forma de entender un conjunto específico de los artistas, la definición de Greenberg sobre el arte moderno es importante para muchas de las ideas del arte dentro de los distintos movimientos artísticos del siglo 20 y siglo 21.

Artistas pop como Andy Warhol se convirtió en dos notables e influyentes a través del trabajo y, posiblemente, incluyendo la crítica de la cultura popular, así como la del mundo del arte. Artistas de la década de 1980, 1990 y 2000 amplió esta técnica de autocrítica más allá gran arte a todas las imágenes culturales de decisiones, incluidas las imágenes de moda, cómics, carteles y la pornografía. Clasificación de las controversias Artículo principal: Clasificación controversias sobre el arte

Las controversias sobre si o no para clasificar algo como una obra de arte se conocen como las controversias sobre el arte de clasificación.

disputas clasificatorias en el siglo 20 han incluido cubista y impresionista pinturas, Duchamp’S Fuente, La películas, Imitaciones superlativo de billetes de banco, el arte conceptual, Y juegos de vídeo.[28]

El filósofo David Novitz ha argumentado que el desacuerdo sobre la definición del arte rara vez son el corazón del problema. Por el contrario, “las preocupaciones e intereses apasionados que chaleco seres humanos en su vida social” son “una parte tan importante de todas las controversias de clasificación de arte” (Novitz, 1996). Según Novitz, disputas clasificatorias son más frecuentes las disputas sobre los valores sociales y donde la sociedad está tratando de ir de lo que son acerca de la teoría correcta. Por ejemplo, cuando el Daily Mail criticado Hirst’S y Emin’S de trabajo con el argumento de “Por 1000 años el arte ha sido una de nuestras grandes fuerzas civilizadoras. Hoy en día, las ovejas en escabeche y sucias camas amenazan con hacer bárbaros de todos nosotros” que no están avanzando de una definición o una teoría sobre el arte, pero cuestionando el valor de Hirst y el trabajo de Emin.[29] En 1998, Arthur Danto, Sugirió un experimento mental que muestra que “la situación de un artefacto como el trabajo de los resultados del arte de las ideas de una cultura se refiere a ella, en lugar de sus cualidades físicas inherentes o perceptible. Interpretación cultural (una teoría del arte de algún tipo) es por lo tanto constitutiva de la de un objeto arthood “.[30][31]

Lucha contra el arte es una etiqueta para el arte que, intencionadamente, los desafíos de los parámetros establecidos y los valores del arte;[32] que es el término asociado con Dadaísmo y atribuido a Marcel Duchamp justo antes de la Primera Guerra Mundial,[32] cuando estaba haciendo el arte de objetos encontrados.[32] Uno de ellos, Fuente (1917), un urinario común, ha logrado un considerable importancia e influencia en el arte.[32] Lucha contra el arte es una característica del trabajo de los Internacional Situacionista,[33] el lo-fi Correo movimiento de arte, y la Young British Artists,[32] a pesar de que es una forma aún rechazada por el Stuckists,[32] que se describen como anti-anti-arte.[34][35] Arte, clase y valor Versalles: Louis Le Vau abrió el patio interior para crear la entrada expansiva cour d’honneur, Posteriormente copiado por toda Europa.

El arte ha sido percibida por algunos como pertenecientes a algunas clases sociales y, a menudo excluyendo a otros. En este contexto, el arte es visto como una actividad de clase alta asociado con la riqueza, la posibilidad de comprar arte y el ocio necesario para defender o disfrutar de ella. Por ejemplo, la palacios de Versalles o el Ermita en San Petersburgo con sus vastas colecciones de arte, reunida por la realeza fabulosamente ricos de Europa un ejemplo de este punto de vista. Coleccionar arte como es el privilegio de los ricos, o de los gobiernos y las instituciones.

Bellas y productos caros han sido los marcadores populares del estado en muchas culturas, y siguen siéndolo hoy en día. Ha habido un empuje cultural en la otra dirección por lo menos desde 1793, cuando el Museo del Louvre, que había sido un palacio privado de los reyes de Francia, se abrió al público como un museo de arte durante el Francés Revolución. La mayoría de los museos modernos y los programas públicos de educación artística para los niños en las escuelas se remonta a este impulso para que el arte al alcance de todos. Museos en los Estados Unidos tienden a ser los regalos de los más ricos a las masas (El Museo Metropolitano de Arte en Nueva York, por ejemplo, fue creado por John Taylor Johnston, Un ejecutivo del ferrocarril, cuyo personal colección de arte del museo semilla.) Pero a pesar de todo esto, por lo menos una de las funciones importantes del arte en el siglo 21 sigue siendo un indicador de la riqueza y el estatus social. Actuación de Joseph Beuys, 1978 : Todo el mundo de un artista - En el camino a la forma libertaria del organismo social.

Ha habido intentos de los artistas para crear arte que no puede ser comprado por los ricos como un objeto de estado. Uno de los motivadores principales originales de gran parte del arte de los años 1960 y 1970 fue la creación de arte que no puede ser comprada y vendida. Es “necesario presentar algo más que meros objetos”[36] dijo que la guerra de los principales cargos del artista alemán Joseph Beuys. Este período vio el surgimiento de las cosas tales como performance, video arte, Y el arte conceptual. La idea era que si la obra de arte fue una actuación que no dejan nada atrás, o fue simplemente una idea, no podía ser comprada y vendida. “Democrática preceptos en torno a la idea de que una obra de arte es una mercancía impulsado la innovación estética que germinó a mediados de la década de 1960 y fue cosechado a lo largo de la década de 1970. Artistas en términos generales, en el epígrafe del arte conceptual … la sustitución de las actividades de ejecución y la publicación para el compromiso tanto con el material y las preocupaciones materialistas de la forma pintada o escultóricas … [que] trató de socavar el objeto de arte objeto de condición. “[37]

En las décadas posteriores, estas ideas han sido un tanto perdidos como el mercado del arte ha aprendido a vender los DVD de edición limitada de obras de vídeo,[38] invitaciones a los más exclusivos performances de arte, y los objetos sobrantes de piezas conceptuales. Muchas de estas actuaciones crear obras que sólo son comprendidos por la élite que han sido educados acerca de por qué una idea o un vídeo o un pedazo de basura aparente puede ser considerado arte. El marcador del estado se convierte en la comprensión del trabajo en vez de necesariamente la propiedad, y la obra de arte sigue siendo una actividad de clase alta. “Con el uso generalizado de la tecnología de grabación de DVD en la década de 2000, los artistas, y el sistema de galerías que se deriva de sus ganancias de la venta de obras de arte, obtuvo un importante medio de controlar la venta de obras de arte de vídeo y el ordenador en ediciones limitadas para coleccionistas.”

Art. (2011, April 10). In Wikipedia, The Free Encyclopedia. Retrieved 15:32, April 20, 2011, from http://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Art&oldid=423363581


Imágenes artísticas en el entorno cotidiano

Se entiende por medio ambiente o medioambiente al entorno que afecta y condiciona especialmente las circunstancias de vida de las personas o la sociedad en su conjunto. Comprende el conjunto de valores naturales, sociales y culturales existentes en un lugar y un momento determinado, que influyen en la vida del ser humano y en las generaciones venideras. Es decir, no se trata sólo del espacio en el que se desarrolla la vida sino que también abarca seres vivos, objetos, agua, suelo, aire y las relaciones entre ellos, así como elementos tan intangibles como la cultura. El Día Mundial del Medio Ambiente se celebra el 5 de junio.

Como sustantivo, la palabra medio procede del latín medium (forma neutra); como adjetivo, del latín medius (forma masculina). La palabra ambiente procede del latín ambiens, -ambientis, y ésta de ambere, “rodear”, “estar a ambos lados”. La expresión medio ambiente podría ser considerada un pleonasmo porque los dos elementos de dicha grafía tienen una acepción coincidente con la acepción que tienen cuando van juntos. Sin embargo, ambas palabras por separado tienen otras acepciones y es el contexto el que permite su comprensión. Por ejemplo, otras acepciones del término ambiente indican un sector de la sociedad, como ambiente popular o ambiente aristocrático; o una actitud, como tener buen ambiente con los amigos.

Aunque la expresión medio ambiente aún es mayoritaria, la primera palabra, “medio”, suele pronunciarse átona, de forma que ambas palabras se pronuncian como una única palabra compuesta. Por ello, el Diccionario panhispánico de dudas de la Real Academia Española recomienda utilizar la grafía medioambiente, cuyo plural es medioambientes.

En la Teoría general de sistemas, un ambiente es un complejo de factores externos que actúan sobre un sistema y determinan su curso y su forma de existencia. Un ambiente podría considerarse como un superconjunto, en el cual el sistema dado es un subconjunto. Un ambiente puede tener uno o más parámetros, físicos o de otra naturaleza. El ambiente de un sistema dado debe interactuar necesariamente con el animal.

En epidemiología. El ambiente es el conjunto de factores llamados factores extrínsecos, que influyen sobre la existencia, la exposición y la susceptibilidad del agente en provocar una enfermedad al huésped.

Estos factores extrínsecos son:

   1. Población humana: Demografía.
   2. Flora: fuente de alimentos, influye sobre los vertebrados y artrópodos como fuente de agentes.
   3. Fauna: fuente de alimentos, huéspedes vertebrados, artrópodos vectores.
   4. Agua.
   1. ocupación laboral o trabajo: exposición a agentes químicos, físicos.
   2. Urbanización o entorno urbano y desarrollo económico.
   3. Desastres: guerras, inundaciones.

Medio ambiente. (2008, 14) de agosto. Wikipedia, La enciclopedia libre. Fecha de consulta: 22:32, agosto 24, 2008 from http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Medio_ambiente&oldid=19441149.


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